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Arte en Diálogo
¡Bienvenidos a "Arte en Diálogo"! En este podcast, nos sumergimos en el fascinante mundo del arte. A través de entrevistas con los protagonistas más relevantes de la industria, descubrimos las historias detrás de las obras, el pensamiento de los coleccionistas, la visión de los galeristas y las tendencias emergentes. Siempre con una voz fresca y dinámica que busca romper el corset del arte, sin perder la esencia y el conocimiento profundo de la industria.
3 añosAntigüedad
135 horasContenido
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4 díasÚltimo
7 díasFrecuencia
57 minDuración
Artistas, mercado y relaciones de largo plazo - Travesía Cuatro | #137
Conversamos con Silvia Ortiz e Inés López-Quesada, fundadoras de Travesía Cuatro, sobre lo que significa construir y sostener una galería durante más de dos décadas. Una labor que va mucho más allá de vender obras: acompañar las carreras de los artistas, producir exposiciones, impulsar publicaciones y crear vínculos con coleccionistas, curadores e instituciones.
Recorremos el nacimiento de la galería, su relación con México y los desafíos de sobrevivir a una crisis económica sin renunciar al proyecto. También hablamos sobre el papel de la intuición, el riesgo constante de las ferias y la confianza que sostiene la relación entre artistas y galeristas, muchas veces sin necesidad de contratos.
Una mirada al trabajo invisible detrás de una galería y a las relaciones que hacen posible que el arte circule, crezca y encuentre nuevos públicos.
00:00 Teaser
01:35 Travesía Cuatro
02:19 ¿Cómo empezaron en el arte?
03:52 El camino a ser galeristas
06:04 Cómo nació su sociedad
08:06 El inicio de Travesía Cuatro
10:04 Sus primeros artistas
12:08 Apostar por una galería nueva
12:44 Su encuentro con México
15:44 Abrir una galería en Guadalajara
16:24 La crisis de 2008
19:13 El coleccionismo en España
20:45 Coleccionar arte en México
24:24 El interés por el arte español
27:23 Trabajar a distancia
28:35 Cuando el éxito transforma un proyecto
30:06 Los artistas de Travesía Cuatro
32:34 Galerías independientes y grandes galerías
33:52 La falta de contratos en el arte
36:07 ¿Qué hace buena a una galería?
38:15 Artistas comerciales e institucionales
42:02 El valor del arte
43:28 Errores y aprendizajes
45:25 ¿Cuántas ferias de arte hacer?
47:41 Consejos para nuevas galerías
50:06 El trabajo en equipo
53:42 Formar profesionales
55:08 El trabajo detrás de una galería
57:18 ¿Quién debería abrir una galería?
59:32 Cómo ha cambiado el negocio
1:00:26 Nuevos proyectos
1:01:47 El arte y los problemas del mundo
1:02:37 Lo que aprendieron al empezar
1:04:08 Reflexiones finales
🖼️ Exposición de obra: El pueblo que ya no llora (2010), Guibert Rosales.
Analizar la realidad socio–política de nuestra contemporaneidad se ha convertido en un elemento indispensable dentro de su propuesta creativa. Se desenvuelve como artista multidisciplinar en fotografía, escultura e intervención pública. Ha sido galardonado con el premio Selecta 2013 por la Universidad Politécnica de Valencia y la Beca AlNorte 2015, Semana de Arte Contemporáneo de Asturias. Finalista de la XIV edición Arte Laguna Prize, Arsenal de Venecia, Italia, 2021. Sus obras se encuentran en colecciones como: Fundación María Cristina Masaveu Peterson, Foundation Boghossian, Sacramento Cuban Art collection.
ℹ️ Información sobre el artista:
Web: https://www.guibertrosales.com/
IG: @guibertrosales
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Publicado el 22 oct 2026Duración: 1:04:39
6,61 mil
189
14
Convertir la herida en lenguaje - Seba Calfuqueo, Artista | #136
¿Puede una herida convertirse en una forma de conocimiento sin dejar de doler?
En este episodio de Arte en Diálogo, Lorena conversa con Seba Calfuqueo, artista mapuche y trans, sobre crecer entre Santiago y el territorio de su familia, sufrir violencia por su apellido y su expresión de género, y encontrar en el dibujo una manera de sobrevivir y crear otros mundos. Recorremos las diferencias de clase dentro del arte, la exotización de las identidades indígenas, el peligro de convertirse en una cuota institucional y la decisión de entrar en bienales y museos como una forma de abrir camino para otras voces.
Una conversación sobre cuerpo, archivo, memoria y resistencia; sobre transformar el dolor sin romantizarlo y defender la posibilidad de vivir como una misma.
⚠️ Hoy presentamos nuestra nueva revista digital: galope.
¿Quieres saber más? Ya puedes visitar www.galope.art
00:00 Teaser
01:19 Bienvenida a Arte en Diálogo
01:56 La obra invitada de la semana
02:17 La historia de Seba Calfuqueo
03:58 Infancia y raíces mapuches
07:44 El significado del azul en la cultura mapuche
08:26 ¿Qué significa ser mapuche?
10:28 La colonización de Chile y Argentina
12:12 Memoria, territorio y cosmovisión mapuche
14:01 Sexo, género y diversidad en la naturaleza
15:16 El bullying y la búsqueda de identidad
19:43 El dibujo y sus referentes
22:43 La universidad y las diferencias de clase
24:59 La herida familiar y la identidad mapuche
26:40 Archivos, historia y lengua mapuche
29:51 La descolonización y los fundamentalismos
31:35 La mezcla de culturas y la identidad
35:15 El exotismo en el arte indígena
37:15 La performance que marcó su carrera
40:07 El arte y la élite cultural
42:54 El arte indígena y las cuotas de representación
45:58 Los materiales y el mercado del arte
48:56 Vivir y trabajar en Chile
50:31 La dictadura y sus consecuencias
52:25 Cómo funciona el mercado del agua
54:44 La exposición en el Museo Thyssen
55:06 El río Cautín y sus raíces familiares
56:38 El duelo y la muerte de su madre
59:45 ¿Qué significa el éxito?
01:00:19 Un consejo sobre la libertad en el arte
Seba presenta Cautín, su primera exposición individual en Europa en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza de Madrid del 6 de octubre de 2026 al 17 de enero de 2027.
https://bit.ly/4jop6Ie
🖼️ Exposición de obra: Elisa Pardo Puch realizó una serie de collages tipo patchwork con bolsas, sobres y pieles de fruta recolectados en la Ciudad de México, creando composiciones que reflexionan sobre el consumo, la acumulación y el desperdicio.
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Publicado el 15 oct 2026Duración: 1:01:06
7,61 mil
241
14
Cómo una feria transforma el mercado del arte - Lucrecia Palacios | #135
¿Para qué sirve una feria de arte? ¿Es solamente un mercado concentrado en unos cuantos días o también puede construir una escena cultural?
En este episodio de Arte en Diálogo, Lorena conversa con Lucrecia Palacios, curadora y directora ejecutiva de Fundación arteBA, sobre el papel que desempeñan las ferias dentro del ecosistema artístico.
A partir de los 35 años de arteBA, la primera feria de arte contemporáneo de América Latina, Lucrecia explica cómo una feria puede crear nuevas formas de circulación, formar coleccionistas, acercar el arte a nuevos públicos y conectar a los artistas con galerías, curadores y museos internacionales. También conversan sobre la diferencia entre el precio y el valor de una obra, la importancia de hablar de dinero sin convertirlo en un tabú, la colaboración entre galerías y el desafío de sostener una feria en un país atravesado por crisis económicas recurrentes.
Una conversación sobre mercado, cultura y la aspiración de crear las condiciones para que los artistas puedan vivir de su trabajo.
00:00 Teaser
02:24 La historia de arteBA
03:17 Una feria sin fines de lucro
05:30 Las crisis que ha enfrentado arteBA
06:00 De curadora a directora de una feria de arte
09:32 Las ferias como punto de encuentro y legitimación
10:37 Cómo se construye un mercado de arte
12:13 El mercado global y el arte latinoamericano
14:37 ¿Una feria construye el mercado o lo refleja?
15:08 Ferias que han creado mercado
17:22 Los nuevos modelos de artistas en los años 90
18:27 Las ferias como termómetro del arte
20:44 Cómo empezó arteBA y sus primeras galerías
22:25 Arte, cultura y espacio público en Argentina
24:18 ¿Es accesible entrar a una feria de arte?
26:13 El papel educativo de arteBA
28:01 Programas de formación y nuevos compradores
29:20 Hablar de precios y mercado del arte
30:18 La evolución de las galerías en arteBA
32:36 De 20 galerías a más de 60
34:47 Galerías internacionales y mercado argentino
35:13 El programa de adquisiciones de arteBA
36:22 El papel de los museos y las instituciones
37:16 Cómo arteBA impulsa el arte argentino internacionalmente
40:27 El impacto internacional de una feria
40:58 La derrama económica de las ferias
41:45 ¿Cómo se sostiene una feria en una crisis?
43:07 La crisis argentina de 2001
43:43 La edición más exitosa de arteBA
44:31 El reto actual de la feria
45:50 ¿Qué hace exitosa a una feria de arte?
46:12 Ventas, artistas y éxito económico
47:30 El impacto institucional de una feria
48:25 Mercado y economía del arte
49:13 Cómo medir el éxito a largo plazo
49:51 Obras desde $2,000 y $5,000 dólares
50:28 Las ferias de arte que más admira Lucrecia
50:57 Art Basel, ARCO y las nuevas tecnologías
52:24 La ciudad, la feria y el deseo de vivir del arte
🖼️ Exposición de obra: Shinji Nagabe realizó en Collegium un proyecto sobre el Tratado de Tordesillas y la idea de frontera, creando un tapiz colectivo de 20 metros junto a vecinas de Arévalo que conecta objetos de Arévalo y Brasil. La obra final se presentó en la Plaza de la Villa.
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Publicado el 8 oct 2026Duración: 52:58
6,02 mil
121
10
Entre la materia, el lenguaje y la conciencia — Eva Lootz, Artista | #134
¿Qué hace el arte en nuestra forma de vivir? Para Eva Lootz, el arte no se define solamente por los objetos que produce. El arte nos ayuda a percibir relaciones que suelen pasar inadvertidas y abre otras maneras de entender el mundo.
En este episodio de Arte en Diálogo, Eva recuerda su infancia en la Viena de posguerra y su llegada a la España franquista. Habla del dibujo como registro del pensamiento, de su trabajo con parafina, mercurio, metales y otros materiales, y de la importancia de conservar las lenguas que están desapareciendo.
La artista reflexiona sobre la intersección entre lenguaje y arte, cuestionando la invisibilidad histórica de las mujeres y de los territorios de extracción, el vínculo entre arte y ciencia, y la capacidad del arte para cambiar nuestra experiencia del tiempo. Un diálogo sobre curiosidad, atención y la posibilidad de seguir creando mundos.
00:00 Teaser
02:46 Eva Lootz: una trayectoria artística de más de 50 años
03:58 Interrogar el mundo desde cero
08:14 El dibujo como lugar del pensamiento
12:43 Lenguas en desaparición y formas de conocimiento
14:30 Cada idioma es una ventana al mundo
17:49 El material como punto de partida
20:17 Materia, mente y dualismo
21:27 Eva Lootz y la espiritualidad
25:34 El arte y lo que se nos escapa de los sentidos
29:50 El arte como producto de la receptividad
30:12 Cuando el mundo te habla
31:24 El mundo se manifiesta
32:05 Cuando una obra “sale” y no la haces tú
33:18 Arte, mujer y patriarcado
40:18 Territorio, minería y memoria
46:29 Sistemas invisibles y ríos
48:07 Lenguaje, intercambio y valor
49:39 “Noche” y “ocho”
51:55 El arte y las distintas formas del tiempo
54:14 El arte como una forma de vivir dos vidas
01:04:00 El arte como posibilidad de crear mundos
🎥 Exposición de Tunga | 'Yo, vos y la luna' en la iglesia de San Miguel, Arévalo: https://bit.ly/4yYXZrC
🖼️ Exposición de obra:
Palimpsesto (2023-2025) reinterpreta el mito de Penélope en La Odisea como una reflexión sobre la memoria, el tiempo y la tecnología. A partir de fotografías tomadas en Ítaca, posteriormente borradas y recuperadas de forma parcial mediante software, Cristóbal Ascencio crea imágenes fragmentadas que incorporan referencias a Penélope en su código fuente. Finalmente, estas se transforman en tapices tejidos con telares Jacquard, estableciendo un diálogo entre el mito clásico, la fotografía digital y los orígenes de la programación para explorar cómo la memoria se construye, se pierde y se reescribe constantemente.
ℹ️ Información sobre la obra en el estudio:
Web: https://cristobalascencio.com/
IG: / cristobal_ascencio
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Publicado el 1 oct 2026Duración: 1:07:09
20,58 mil
492
28
Lo Más Importante No Siempre es la Obra - Sofía Mariscal, Fundación MARSO | #133
Sofía Mariscal ha pasado por casi todos los papeles del arte contemporáneo: artista, galerista, curadora, gestora, productora, coleccionista y fundadora de MARSO. Pero hay una palabra que atraviesa su trayectoria: acompañar.
En este episodio de Arte en Diálogo, Lorena Pérez Jácome conversa con Sofía sobre el camino que la llevó de Chihuahua a El Colegio de México, Bolonia, Nueva York, la Ciudad de México y Madrid; sobre la creación de MARSO y su transformación de galería a plataforma de investigación, residencias y comunidad.
La conversación aborda el sismo de 2017, el desgaste del ritmo comercial, las labores de cuidado que condicionan las carreras de muchas artistas, los legados indígenas, la sostenibilidad entendida desde el territorio y la responsabilidad de coleccionar obras que hablan de violencia. Una conversación sobre arte, tiempo, escucha y las relaciones que hacen posible una práctica cultural.
Suscríbete a Arte en Diálogo y comparte el episodio para seguir esta conversación.
00:00 Introducción – El arte más allá del status y el mercado
01:15 Presentación del podcast Arte en Diálogo
02:05 Bienvenida a Sofía Mariscal
03:02 Chihuahua, el desierto y la mirada de su padre
05:03 Los rarámuri y la cosmovisión del territorio
06:11 Inicios en la fotografía
07:20 Estudios en El Colegio de México (Política y Relaciones Internacionales)
09:40 Estudios de Historia del Arte en Bolonia y el mercado del arte en Nueva York
13:17 Experiencia con Leonora Carrington
16:46 Regreso a México y trabajo en la Organización de Estados Iberoamericanos
18:34 Llegada a la escena del arte contemporáneo en Ciudad de México
20:14 Nace Marzo como oficina de proyectos curatoriales (2010)
22:30 Cómo convencer a artistas y espacios sin experiencia previa
25:12 Apertura de la galería en la colonia Juárez (2012)
27:00 El paso a ser galería formal gracias a Untitled Miami
28:20 La dificultad de sostener una galería
30:48 Por qué deja de ser galerista
32:29 El sismo de 2017 y el despertar sobre el valor social del arte
38:15 Decisión de frenar el ritmo comercial y mudanza a España
40:37 Marzo como organización sin fines de lucro: género, ecología y legados indígenas
44:00 Proyecto Aquelarre y el arquetipo de la bruja
45:33 Ecología, sostenibilidad y memoria de los territorios
46:04 Legados indígenas: componer saberes en lugar de asistencialismo
48:13 La apuesta por procesos lentos, investigación y acompañamiento
51:02 Las residencias artísticas desde el origen de Marzo
53:23 Nueva residencia en la sierra de Madrid
53:54 Sofía como coleccionista: comprar desde el acompañamiento
55:56 La pieza de Teresa Margolles y la carta al galerista
59:08 Conciencia frente al extractivismo cultural y el arte indígena
01:00:14 El futuro de Marzo: dejar el espacio físico y seguir con la comunidad
01:01:31 Qué le ha dado el arte a Sofía
🖼️ Exposición de obra: El pueblo que ya no llora (2010), Guibert Rosales.
Analizar la realidad socio–política de nuestra contemporaneidad se ha convertido en un elemento indispensable dentro de su propuesta creativa. Se desenvuelve como artista multidisciplinar en fotografía, escultura e intervención pública. Ha sido galardonado con el premio Selecta 2013 por la Universidad Politécnica de Valencia y la Beca AlNorte 2015, Semana de Arte Contemporáneo de Asturias. Finalista de la XIV edición Arte Laguna Prize, Arsenal de Venecia, Italia, 2021. Sus obras se encuentran en colecciones como: Fundación María Cristina Masaveu Peterson, Foundation Boghossian, Sacramento Cuban Art collection.
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Publicado el 24 sept 2026Duración: 1:02:24
11,36 mil
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18
¿Qué pasa cuando otros se apropian de tu obra? - Carlos Amorales, Artista | #132
¿Qué sucede cuando una imagen ya no nos pertenece? Carlos Amorales reflexiona sobre la autoría y la identidad en el arte.
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Carlos Amorales sobre su trayectoria, desde la máscara como lenguaje hasta su incursión en el arte contemporáneo internacional. Analizamos cómo el artista ha desafiado los límites tradicionales a través de proyectos como el Archivo Líquido y su constante exploración de la apropiación artística, cuestionando en qué momento una obra deja de estar bajo el control de su creador.
La charla conecta el ring de lucha libre con la piratería en Tepito y el uso actual de la inteligencia artificial en la creación visual. Exploramos cómo estos elementos reconfiguran la identidad del autor frente a una circulación masiva de imágenes, ofreciendo una visión crítica sobre la responsabilidad del espectador ante un alfabeto indescifrable.
Suscríbete para explorar junto a nosotros cómo se construye el presente del arte contemporáneo y cuéntanos: ¿crees que la autoría sigue siendo relevante en la era de la IA? ¿La copia destruye una obra o amplía su circulación?
00:00 La máscara como herramienta y lenguaje
01:58 Presentación de Carlos Amorales
02:34 Infancia entre arte, feminismo y política
05:25 Un año viendo televisión sin sonido
06:04 Salir de México para encontrar una voz propia
10:10 De Carlos Aguirre Morales a Carlos Amorales
14:02 La primera obra que sintió verdaderamente suya
17:05 Ser artista latinoamericano en la Europa de los noventa
20:42 Amorales vs. Amorales y la construcción de un alter ego
27:26 Cómo llevar el ring al museo
33:32 El Archivo Líquido como herramienta y lenguaje
40:28 Un archivo que otros pueden transformar
41:48 La vida en los pliegues en la Bienal de Venecia
42:06 Rumor, linchamiento y pérdida de gobernabilidad
45:12 Dar al público la responsabilidad de interpretar
47:29 Nuevos Ricos y la piratería musical en Tepito
51:49 “Piratearme a los piratas”
53:10 Salir tanto del mundo del arte que casi deja de parecer arte
54:01 Black Cloud y el origen de las polillas negras
56:14 Cuando una empresa se apropia de tu obra
59:56 Inteligencia artificial, archivo y creación
01:02:02 ¿La IA es una amenaza o una herramienta?
01:04:49 Las preguntas que quedan después de treinta años de práctica
🖼️ Exposición de obra: El pueblo que ya no llora (2010), Guibert Rosales.
Analizar la realidad socio–política de nuestra contemporaneidad se ha convertido en un elemento indispensable dentro de su propuesta creativa. Se desenvuelve como artista multidisciplinar en fotografía, escultura e intervención pública. Ha sido galardonado con el premio Selecta 2013 por la Universidad Politécnica de Valencia y la Beca AlNorte 2015, Semana de Arte Contemporáneo de Asturias. Finalista de la XIV edición Arte Laguna Prize, Arsenal de Venecia, Italia, 2021. Sus obras se encuentran en colecciones como: Fundación María Cristina Masaveu Peterson, Foundation Boghossian, Sacramento Cuban Art collection.
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Publicado el 17 sept 2026Duración: 1:05:53
9,55 mil
106
9
El arte ve el futuro antes que la arquitectura – Juan Herreros, Arquitecto | #131
¿Puede un museo convertirse en una plaza, una sala de estar o incluso una ciudad?
Juan Herreros, uno de los arquitectos españoles más influyentes de su generación, conversa con Lorena Pérez Jácome sobre la relación entre arte y arquitectura y sobre cómo diseñar instituciones capaces de cambiar con el tiempo. Desde la depuradora que llamó la atención de Luis Gordillo hasta el Museo MUNCH de Oslo, MALBA Puertos, los espacios de la Colección SOLO y el futuro Museo Banco de España, Herreros explica por qué la conversación es su principal herramienta de diseño; cómo la técnica puede abrir posibilidades creativas; y por qué las salas deben estar preparadas para obras, formatos y tecnologías que todavía no existen.
Arte en Diálogo es un espacio impulsado por Arteinformado para escuchar a quienes construyen el presente del arte contemporáneo. Suscríbete, comparte el episodio y cuéntanos: ¿qué debería ofrecer hoy un museo además de exposiciones?
00:00 La arquitectura tiene que poder cambiar
01:05 Presentación y obra invitada
03:02 El Escorial y la vocación
08:24 Arte y arquitectura
11:30 La depuradora y Luis Gordillo
15:24 Diseñar conversando
18:48 ARCO como ciudad
21:39 MUNCH y el museo del siglo XXI
27:52 La arquitectura de la atención
29:31 MALBA Puertos 34:06 Corregir museos
38:03 ¿Cuándo debe lucirse el arquitecto?
40:03 La técnica como guía
41:56 El arquitecto como DJ
45:11 Museos transparentes
46:54 El futuro son los niños
49:54 SOLO y flexibilidad
52:39 Museo Banco de España
57:03 Sensibilidad y criterio
#JuanHerreros #Arquitectura #Museos #ArteContemporáneo #ArteEnDiálogo #MUNCH #MALBAPuertos
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🖼️ Exposición de obra: Palimpsesto (2023-2025) reinterpreta el mito de Penélope en La Odisea como una reflexión sobre la memoria, el tiempo y la tecnología. A partir de fotografías tomadas en Ítaca, posteriormente borradas y recuperadas de forma parcial mediante software, Cristóbal Ascencio crea imágenes fragmentadas que incorporan referencias a Penélope en su código fuente. Finalmente, estas se transforman en tapices tejidos con telares Jacquard, estableciendo un diálogo entre el mito clásico, la fotografía digital y los orígenes de la programación para explorar cómo la memoria se construye, se pierde y se reescribe constantemente.
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Publicado el 10 sept 2026Duración: 1:00:02
8,1 mil
131
13
El arte contemporáneo lo enseña TODO - Fernando Castro Flórez, Crítico de arte | #130
¿Qué ocurre cuando el arte lo muestra y lo explica todo? En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Fernando Castro Flórez, filósofo, crítico de arte, profesor y una de las voces más provocadoras del pensamiento contemporáneo.
A lo largo de la conversación reflexionamos sobre el mercado del arte, la crítica, la Bienal de Venecia, Picasso, Miró, Duchamp, el papel de las instituciones y la necesidad de preservar el misterio frente a una cultura que parece querer explicarlo todo.
Desde su infancia en Extremadura hasta sus encuentros con algunos de los grandes nombres del arte del siglo XX, Fernando comparte las experiencias que formaron su mirada y explica por qué sigue creyendo que el arte debe incomodar, generar preguntas y producir placer.
* Este episodio contiene referencias a pornografía, explotación sexual, menores, drogas y violencia simbólica, tratadas en un contexto crítico y cultural.
00:00 Introducción y presentación de Fernando Castro Flórez
01:22 Presentación del programa Arte en diálogo
02:13 Quién es el “francotirador” del arte contemporáneo
04:09 Biografía: Plasencia, familia e influencia de su madre
05:42 Su hábito de leer un libro al día
07:04 Quería ser cura y los libros de Nietzsche y Marx
11:13 El viaje con su padre y El entierro del Conde de Orgaz
13:43 Su etapa anti-Picasso y cómo cambió de opinión
18:33 Sobre Miró: la parte dura de la pintura
21:05 Primeras experiencias con Fluxus en Extremadura
24:01 Por qué estudió Filosofía y cómo empezó en El País
27:57 La exposición de 1984 que lo llevó a la crítica de arte
29:16 Tesis sobre Octavio Paz y el encuentro con Nacho Criado
33:26 Origen del proyecto Porno pulsión (2003)
38:38 Cómo se rodaron las películas porno con artistas
39:32 El estreno, las querellas y las reacciones mediáticas
42:42 Anécdotas del mundo del porno
48:05 Arte y pornografía: ¿por qué se desligaron?
51:03 Todos los placeres intelectuales son placeres sensuales
52:07 El arte contemporáneo y su lógica pornográfica
55:15 La necesidad del misterio y la opacidad en el arte
1:00:21 Límites morales: Richard Prince, Balthus y la cancelación
1:02:05 Ética, estética y crítica al revisionismo histórico
1:11:06 Santiago Sierra y el contexto del arte mexicano
1:13:45 La efervescencia del arte mexicano en los 90
1:17:14 Los museos funcionan como discotecas culturales
1:18:13 Crítica a la casta curatorial y al postureo
1:25:10 Sobre la empatía, el giro afectivo y la hipocresía
1:28:25 La importancia de la crítica y la autocrítica
1:33:07 Qué le falta por hacer: novela, memorias y montaña
1:39:33 Su vocación como profesor de universidad pública
1:41:54 Cierre y despedida
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ℹ️ Sigue a Fernando Castro Flórez: https://bit.ly/4hnqto7
🖼️ Exposición de obra: El pueblo que ya no llora (2010), Guibert Rosales.
Analizar la realidad socio–política de nuestra contemporaneidad se ha convertido en un elemento indispensable dentro de su propuesta creativa. Se desenvuelve como artista multidisciplinar en fotografía, escultura e intervención pública. Ha sido galardonado con el premio Selecta 2013 por la Universidad Politécnica de Valencia y la Beca AlNorte 2015, Semana de Arte Contemporáneo de Asturias. Finalista de la XIV edición Arte Laguna Prize, Arsenal de Venecia, Italia, 2021. Sus obras se encuentran en colecciones como: Fundación María Cristina Masaveu Peterson, Foundation Boghossian, Sacramento Cuban Art collection.
ℹ️ Información sobre el artista:
Web: https://guibertrosales.com/
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Publicado el 3 sept 2026Duración: 1:42:11
50,69 mil
1,1 mil
82
El arte como una forma de entender el Caribe - Engel Leonardo, Artista | #129
Arte contemporáneo, Caribe, arquitectura, descolonización e identidad. ¿Cómo puede un objeto cotidiano revelar siglos de historia?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Engel Leonardo, artista dominicano cuya práctica investiga la arquitectura, la cultura material y los saberes del Caribe para cuestionar las narrativas coloniales y proponer nuevas formas de comprender la región.
A través de proyectos como Moderno Tropical, Antillas, Pisos y Gagá, Engel explora cómo elementos cotidianos como rejas, bloques ornamentales, plantas, cerámicas o símbolos espirituales contienen historias de resistencia, memoria e identidad que rara vez aparecen en los relatos oficiales.
00:00:00 - Teaser
00:00:56 - Presentación del espacio “Arte en Diálogo”
00:01:33 - Presentación de Engel Leonardo
00:02:38 - Saludo e inicio de la conversación
00:03:15 - Orígenes en Baní y formación de la mirada
00:05:27 - Imagen de infancia: mujeres lavando oro
00:09:22 - Decisión de estudiar arte
00:11:44 - El colectivo “La Vaina”
00:13:32 - Escena artística dominicana (año 2000)
00:16:14 - Moderno Tropical (2013)
00:20:57 - Cómo el Caribe transforma la modernidad
00:25:10 - ¿Por qué ciertos objetos llegan a los museos?
00:27:25 - Antillas (2013)
00:34:53 - Primer artista dominicano en el Guggenheim
00:37:52 - Saberes y oficios en peligro de extinción
00:42:42 - Dimensión espiritual y resistencia
00:50:22 - Proceso de investigación
00:51:23 - Obra Pisos (Museo Reina Sofía)
00:53:58 - Propuestas rechazadas del Faro a Colón
00:57:32 - Gagá, La Zaranda y resistencia
01:02:14 - De viajes de campo a peregrinaciones
01:04:07 - ¿Te preocupa que no se entienda tu obra?
01:06:14 - Cierre e invitación (Madrid 2026)
01:07:52 - Despedida
(01:06:16:11) Visita la exposición de Engel Leonardo
Formato Comodo: https://bit.ly/4fRACIH
🖼️ Exposición de obra:
Palimpsesto (2023-2025) reinterpreta el mito de Penélope en La Odisea como una reflexión sobre la memoria, el tiempo y la tecnología. A partir de fotografías tomadas en Ítaca, posteriormente borradas y recuperadas de forma parcial mediante software, Cristóbal Ascencio crea imágenes fragmentadas que incorporan referencias a Penélope en su código fuente. Finalmente, estas se transforman en tapices tejidos con telares Jacquard, estableciendo un diálogo entre el mito clásico, la fotografía digital y los orígenes de la programación para explorar cómo la memoria se construye, se pierde y se reescribe constantemente.
ℹ️ Información sobre el artista:
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Publicado el 6 ago 2026Duración: 1:08:09
26,59 mil
128
6
Cómo el cine construyó la imagen de América Latina - Diana Cuéllar Ledesma, Curadora | #128
¿Cómo ha moldeado el cine la imagen que el mundo tiene de América Latina? ¿Qué papel han jugado Hollywood, los museos y las instituciones culturales en esa construcción?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Diana Cuéllar Ledesma, curadora, investigadora y docente, sobre la relación entre cine, arte contemporáneo, historia e identidad latinoamericana. A partir de sus investigaciones sobre cine latinoamericano, Hollywood y representación, Diana explica cómo películas como El secreto de los incas o Roma de Alfonso Cuarón no solo reflejan la realidad, sino que también contribuyen a construir imaginarios colectivos que influyen en la forma en que entendemos América Latina. También hablamos sobre el auge del arte latinoamericano en Madrid, las tensiones entre mercado e instituciones culturales, la representación de los pueblos originarios en el arte contemporáneo, el papel de la curaduría como ejercicio de investigación y escucha, y la capacidad del arte para transformar el debate público.
0:00 Teaser
1:10 Introducción del podcast
1:47 Artista invitada: Lorena Gutiérrez
2:09 Presentación de Diana Cuéllar Ledesma
3:05 Orígenes en Puebla y formación
6:16 Del teatro a la investigación y llegada a Madrid
8:19 Cómo entiende la curaduría
10:42 Ejemplo: exposición de arte caribeño en Puerto Rico
13:11 Actuación, empatía y curaduría
14:11 Curaduría independiente vs institucional
15:55 Ciclo de cine “Antes de América”
18:04 El cine como arte total y el indigenismo
20:25 El secreto de los Incas y Machu Picchu
23:36 La imagen de América Latina según Hollywood
24:58 Análisis de Roma de Alfonso Cuarón
28:11 Del cine al arte contemporáneo indígena
31:52 Arte originario, mercado y Bienal de Venecia
37:20 Arte y espiritualidad con Glenda León
42:01 Madrid, capital del arte latinoamericano
48:15 Capital económico vs cultural en instituciones
52:23 Nacionalismos y metáfora del fútbol
56:37 Cierre: consejos y la poesía
💡 Conéctate con la vibrante comunidad artística de Arteinformado: https://bit.ly/3VApcjG
Sobre la invitada: Diana Cuéllar Ledesma es curadora, investigadora y docente mexicana. Ha desarrollado proyectos para instituciones como la Fundación Juan March, el Museo Amparo, PhotoEspaña, el Instituto Cisneros y el Museum of Modern Art (MoMA). Su trabajo explora las relaciones entre arte contemporáneo, cine, archivo, paisaje, espiritualidad e historia cultural latinoamericana. 👉 Sigue a Diana Cuéllar Ledesma en Arteinformado: https://bit.ly/48Gw19D
🖼️ Exposición de obra: Lorena Gutiérrez Camejo — 'Máximo Común Divisor' Instalación
(Dos pinturas en acrílico sobre lienzo de 100cm x 73cm cada una, chaqueta militar, guayabera presidencial y medallas militares) 2024. 'Máximo Común Divisor' es una obra que retrata cómo en los regímenes totalitarios el poder militar suele derivar en una casta empresarial.
ℹ️ Información sobre la artista: https://bit.ly/4mgIK8m
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Publicado el 30 jul 2026Duración: 1:00:31
3,78 mil
209
22
El artista que convierte monumentos en armas contra el Estado – Fernando Sánchez Castillo | #127
“El arte es una fuerza que hace temblar las narraciones del Estado.”
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Fernando Sánchez Castillo, uno de los artistas españoles más importantes de su generación, sobre memoria histórica, monumentos, propaganda y los símbolos del poder. Desde el Azor de Franco hasta la Revolución Mexicana, desde monumentos ecuestres hasta Alexéi Navalni, su obra cuestiona quién decide qué recordamos y qué elegimos olvidar. Coincidiendo con la apertura de La Perla Peregrina en el Palacio de Velázquez del Museo Reina Sofía, esta conversación explora cómo el arte puede intervenir en los relatos oficiales y abrir nuevas formas de entender el pasado.
_____________________________________________________________________________________
00:00 Intro y presentación del episodio
00:01:10 Bienvenida a Fernando Sánchez Castillo
00:02:50 Infancia en el franquismo y mudanza a Móstoles
00:04:43 La Transición y recuerdos de la dictadura
00:06:52 Exposición en el CA2M de Móstoles
00:07:36 Formación: Filosofía, Historia del Arte y otras disciplinas
00:08:39 Viajes y vida en el extranjero (Los Ángeles, Stuttgart, etc.)
00:12:40 Primera exposición en la Tate Gallery y los “juguetes”
00:15:40 El humor como herramienta política y arma
00:18:11 El arte como diálogo entre pasado y futuro
00:19:51 Reconstruyendo el Velázquez perdido con IA
00:23:56 Franco como símbolo: el caballo intervenido
00:29:47 El caballo del pueblo (multicolor)
00:32:36 El Azor: comprar y convertir en chatarra el yate de Franco
00:36:39 “Síndrome de Guernica” y la transformación del barco
00:38:34 La Perla Peregrina: concepto de la exposición
00:45:46 El Palacio de Velázquez y su historia
00:52:56 El bolígrafo de Atocha (pieza con bala)
00:55:57 El columpio del héroe (Bienal de Shanghái)
00:59:09 La Estatua de la Libertad con rasgos afroamericanos
01:02:27 Expande Memorial y los monumentos democratizados
01:05:09 México 68 y los estudiantes desaparecidos
01:13:40 Navalny y el gesto del corazón
01:16:30 Hasta cuándo estará la exposición (fechas)
01:16:49 Cierre: qué quiere transmitir con su obra
_____________________________________________________________________________________
🖼️ Exposición de obra: Palimpsesto (2023-2025) reinterpreta el mito de Penélope en La Odisea como una reflexión sobre la memoria, el tiempo y la tecnología. A partir de fotografías tomadas en Ítaca, posteriormente borradas y recuperadas de forma parcial mediante software, Cristóbal Ascencio crea imágenes fragmentadas que incorporan referencias a Penélope en su código fuente. Finalmente, estas se transforman en tapices tejidos con telares Jacquard, estableciendo un diálogo entre el mito clásico, la fotografía digital y los orígenes de la programación para explorar cómo la memoria se construye, se pierde y se reescribe constantemente.
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Publicado el 23 jul 2026Duración: 1:19:32
4,1 mil
153
12
¿Qué puede hacer el arte donde todo parece perdido? - Jimena Blázquez Abascal, Curadora | #126
Jimena Blázquez Abascal, coleccionista y fundadora de Montenmedio Arte Contemporáneo, habla en Arte en Diálogo sobre 25 años produciendo obras de artistas como Marina Abramović, James Turrell y Sol LeWitt.
Doctora en Arte y ex directora del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAC), Jimena empezó con poco más de 20 años convenciendo a su padre para transformar unos antiguos barracones militares en Cádiz en un parque de escultura site-specific. Desde entonces ha acompañado a más de 40 artistas en el proceso íntimo de producir obras monumentales al aire libre.
Una conversación sobre coleccionismo, arte público, site-specific, dirección de museos y la valentía de acompañar a los artistas en el abismo de la creación.
_____________________________________________________________________________________
00:00 Introducción
01:41 La obra destacada: Lorena Gutiérrez, "Máximo Común divisor"
02:03 Jimena Blázquez: una vida dedicada al arte
02:38 Una infancia rodeada de arte y coleccionismo
05:22 ¿Por qué regresó a Cádiz?
07:21 El arte fuera del cubo blanco
09:24 La tesis que cambió su vida
11:30 El nacimiento de Montenmedio
12:08 Convencer a su padre de apostar por el arte
13:05 Cómo consiguió que los mejores artistas dijeran que sí
14:14 Marina Abramović y los primeros grandes nombres
15:48 ¿Qué les ofrecía a los artistas?
16:44 La llegada de Marina Abramović
18:41 Aprender a decir "no" también es acompañar
19:57 ¿Por qué nos cuesta aceptar la crítica?
21:22 James Turrell y la obra que tardó siete años
22:39 Second Wind: una experiencia que transforma al espectador
24:40 Más de 40 artistas cambiaron un territorio
25:56 ¿Para qué sirve realmente la cultura?
27:28 El mayor reto de construir Montenmedio
28:54 Apostar por artistas antes de que fueran reconocidos
31:05 El arte puede dar una segunda vida a los espacios
34:03 Cómo acercar el arte contemporáneo al público
36:42 La historia del fax con Sol LeWitt
37:47 Del campo andaluz al MoMA PS1 de Nueva York
39:56 El reto de dirigir el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo
42:17 Cuando el éxito también tiene un costo
43:18 Transformar un museo desde dentro
47:25 Lo que le dejó dirigir a más de 100 personas
48:28 El miedo del artista y el papel de las instituciones
49:12 La verdadera razón por la que dejó el museo
51:52 La cultura en el Foro Económico Mundial de Davos
53:18 Los museos como espacios de esperanza
55:06 La imaginación puede cambiar el mundo
55:52 ¿Qué sigue para Jimena Blázquez?
56:21 Despedida
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🖼️ Exposición de obra: Lorena Gutiérrez Camejo — 'Máximo Común Divisor' Instalación (Dos pinturas en acrílico sobre lienzo de 100cm x 73cm cada una, chaqueta militar, guayabera presidencial y medallas militares) 2024. 'Máximo Común Divisor' es una obra que retrata cómo en los regímenes totalitarios el poder militar suele derivar en una casta empresarial.
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Publicado el 16 jul 2026Duración: 56:41
4 mil
177
9
Cuando el arte se convierte en un canal dimensional - Eulàlia Valldosera, Artista y Médium | #125
Eulàlia Valldosera estaba en la cima del arte contemporáneo español. Había sido elegida por Harald Szeemann para la Bienal de Venecia, tenía una retrospectiva en el Reina Sofía y acababa de ganar el Premio Nacional de Artes Plásticas. Entonces comenzaron las voces, parálisis y un proceso espiritual que transformó completamente su vida.
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos sobre identidad, percepción, sombra, ser médium y el momento en que el arte dejó de ser una práctica… para convertirse en un canal.
Desde instalaciones construidas con objetos domésticos hasta experiencias de clarividencia y canalización, esta conversación explora los límites entre arte, trauma y espiritualidad contemporánea.
_____________________________________________________________________________________
00:00 Introducción
00:45 La infancia de Eulàlia Valldosera
02:27 ¿Por qué decidió convertirse en artista?
04:10 Irse a Ámsterdam y empezar de cero
08:19 El origen de "El ombligo del mundo"
10:12 La luz, la sombra y el arte como experiencia
13:57 Los objetos cotidianos y la memoria
17:17 Jung, la sombra y el autoconocimiento
18:24 Las intuiciones que no podía explicar
19:09 Cuando su cuerpo comenzó a enfermar
20:07 El accidente que cambió su vida
21:49 El viaje fuera del cuerpo
22:45 Ver la energía y las dimensiones invisibles
25:14 ¿Cómo reaccionó la gente a su transformación?
27:47 El arte después del despertar
29:15 ¿Qué significa ser médium?
30:22 El aprendizaje con la tradición andina
32:18 "Descubrí los chakras dibujando"
33:22 Platón, Mondrian y los artistas como canales
37:25 ¿Qué significa canalizar?
39:31 Escuchar voces y perder el miedo
40:04 ¿Canal de quién?
41:43 La responsabilidad de tener un don
43:02 Higiene energética e higiene mental
44:14 ¿Cómo se protege energéticamente?
46:03 Escuchar a los artistas a través de sus obras
47:26 Canalizar a Picasso
50:09 Dibujo y energía: sus talleres
53:22 ¿Se puede canalizar a personas fallecidas?
55:01 El hermano que perdió antes de nacer
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🖼️ Exposición de obra: El pueblo que ya no llora (2010), Guibert Rosales.
Analizar la realidad socio–política de nuestra contemporaneidad se ha convertido en un elemento indispensable dentro de su propuesta creativa. Se desenvuelve como artista multidisciplinar en fotografía, escultura e intervención pública. Ha sido galardonado con el premio Selecta 2013 por la Universidad Politécnica de Valencia y la Beca AlNorte 2015, Semana de Arte Contemporáneo de Asturias. Finalista de la XIV edición Arte Laguna Prize, Arsenal de Venecia, Italia, 2021. Sus obras se encuentran en colecciones como: Fundación María Cristina Masaveu Peterson, Foundation Boghossian, Sacramento Cuban Art collection.
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Eulàlia Valldosera: https://bit.ly/eulalia-valldosera
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Publicado el 9 jul 2026Duración: 1:05:06
18,41 mil
845
69
Galerista Experta: El Mundo del Arte se está Volviendo más Conservador - Esther Schipper | #124
Esther Schipper, one of the most influential gallerists in contemporary art, speaks in Arte en Diálogo about 35 years in the art market, mega-galleries, risk, and how to sell artworks that aren't objects but ideas.
Born in Taiwan, raised in Paris, and now running galleries in Berlin, Paris, and Seoul, Esther Schipper opened her first gallery in Cologne in 1989 and has since represented artists who redefine what an exhibition can be: Pierre Huyghe, Philippe Parreno, Dominique Gonzalez-Foerster, Liam Gillick, Angela Bulloch, Anri Sala, Tino Sehgal, and Roman Ondák.
In this conversation we talk about how to choose an artist when "there is no one recipe", what it means to be a gallerist today ("we are merchants, translators and keepers of knowledge"), and why, in her own words, "the world has become more conservative", and how that is reshaping the art being bought.
🇺🇸🇬🇧 This episode is conducted in English with Spanish subtitles.
_____________________________________________________________________________________
Esther Schipper, una de las galeristas más influyentes del arte contemporáneo, habla en Arte en Diálogo sobre 35 años de mercado del arte, mega-galerías, riesgo y cómo vender obras que no son objeto sino idea.
Nacida en Taiwán, criada en París y hoy con galerías en Berlín, París y Seúl, Esther Schipper abrió su primera galería en Colonia en 1989 y desde entonces ha acompañado a artistas que redefinen qué puede ser una exposición: Pierre Huyghe, Philippe Parreno, Dominique Gonzalez-Foerster, Liam Gillick, Angela Bulloch, Anri Sala, Tino Sehgal o Roman Ondák.
En esta conversación hablamos de cómo elegir un artista cuando "no hay una sola receta", de qué significa ser galerista hoy ("somos comerciantes, traductores y conservadores") y de por qué, en sus palabras, "el mundo se ha vuelto más conservador" y eso está cambiando el arte que se compra.
🇪🇸 Este episodio se desarrolla en inglés con subtítulos en español.
_____________________________________________________________________________________
00:00 Adelanto: "El mundo se ha vuelto más conservador"
01:33 La obra destacada: Shinji Nagabe en Collegium
01:46 Bienvenida a Esther Schipper
02:35 De Taiwán a Europa: la infancia entre dos mundos
06:52 Llegar a Colonia y descubrir la escena del arte
11:28 l'École du Magasin: trabajar en el arte en los 80
14:32 Abrir su propia galería en Colonia, 1989
20:20 'General Idea' y su experiencia en Arco durante la primera guerra del golfo
22:29 El reto de vender ideas: Philippe Thomas
26:26 Tino Sehgal y el mercado que se vuelve conservador
33:10 La fusión con la galería Johnen y expansión de programas
34:56 Cómo elige a un artista: "no hay una sola receta"
42:04 Tres ciudades, tres mercados: Berlín, París, Seúl
46:15 El rol del galerista: comerciante, traductor, conservador
49:46 Especulación, mono-mercados y vender con criterio
52:41 ARCO y la puerta a Iberoamérica
_____________________________________________________________________________________
🖼️ Exposición de obra: Rubén Ojeda Guzmán — Colombofobia: Augurio
Colombofobia: Augurio parte de un hecho real ocurrido en 2014, cuando dos palomas blancas liberadas en el Vaticano durante un gesto simbólico de paz del Papa Francisco fueron atacadas segundos después por un cuervo y una gaviota. A partir de este episodio, la instalación presenta 200 siluetas de palomas realizadas con humo sobre papel, que recrean los instantes de aquel ataque. La obra transforma este gesto fallido de paz en una reflexión sobre los augurios, la fragilidad de los símbolos y la violencia latente en el presente. ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/4lBCp7f
_____________________________________________________________________________________
Conéctate con la vibrante comunidad artística de Arteinformado: https://bit.ly/3VApcjG
Sigue a perfiles relevantes:
- Esther Schipper: https://bit.ly/3T11ldX
- Galería Esther Schipper: https://bit.ly/4b3w6oL
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Publicado el 2 jul 2026Duración: 55:36
20,75 mil
87
4
#124 | Galerista Experta: El Mundo del Arte se está Volviendo más Conservador - Esther Schipper
Esther Schipper, one of the most influential gallerists in contemporary art, speaks in Arte en Diálogo about 35 years in the art market, mega-galleries, risk, and how to sell artworks that aren't objects but ideas.
Born in Taiwan, raised in Paris, and now running galleries in Berlin, Paris, and Seoul, Esther Schipper opened her first gallery in Cologne in 1989 and has since represented artists who redefine what an exhibition can be: Pierre Huyghe, Philippe Parreno, Dominique Gonzalez-Foerster, Liam Gillick, Angela Bulloch, Anri Sala, Tino Sehgal, and Roman Ondák.
In this conversation we talk about how to choose an artist when "there is no one recipe", what it means to be a gallerist today ("we are merchants, translators and keepers of knowledge"), and why, in her own words, "the world has become more conservative", and how that is reshaping the art being bought.
🇺🇸🇬🇧 This episode is conducted in English with Spanish subtitles.
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Esther Schipper, una de las galeristas más influyentes del arte contemporáneo, habla en Arte en Diálogo sobre 35 años de mercado del arte, mega-galerías, riesgo y cómo vender obras que no son objeto sino idea.
Nacida en Taiwán, criada en París y hoy con galerías en Berlín, París y Seúl, Esther Schipper abrió su primera galería en Colonia en 1989 y desde entonces ha acompañado a artistas que redefinen qué puede ser una exposición: Pierre Huyghe, Philippe Parreno, Dominique Gonzalez-Foerster, Liam Gillick, Angela Bulloch, Anri Sala, Tino Sehgal o Roman Ondák.
En esta conversación hablamos de cómo elegir un artista cuando "no hay una sola receta", de qué significa ser galerista hoy ("somos comerciantes, traductores y conservadores") y de por qué, en sus palabras, "el mundo se ha vuelto más conservador" y eso está cambiando el arte que se compra.
🇪🇸 Este episodio se desarrolla en inglés con subtítulos en español.
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00:00 Adelanto: "El mundo se ha vuelto más conservador"
01:33 La obra destacada: Shinji Nagabe en Collegium
01:46 Bienvenida a Esther Schipper
02:35 De Taiwán a Europa: la infancia entre dos mundos
06:52 Llegar a Colonia y descubrir la escena del arte
11:28 École du Magasin: conocer a Parreno y Gonzalez-Foerster
14:32 Abrir su propia galería en Colonia, 1989
20:20 General Idea, el proyecto Ozone y el primer ARCO
22:29 Vender ideas: el reto Philippe Thomas
26:26 Tino Sehgal y el mercado que se vuelve conservador
33:10 La fusión con Yvon Lambert y la apertura del programa
34:56 Cómo elige a un artista: "no hay una sola receta"
42:04 Tres ciudades, tres mercados: Berlín, París, Seúl
46:15 El rol del galerista: comerciante, traductor, conservador
49:46 Especulación, mono-mercados y vender con criterio
52:41 ARCO y la puerta a Iberoamérica
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🖼️ Exposición de obra: Rubén Ojeda Guzmán — Colombofobia: Augurio
Colombofobia: Augurio parte de un hecho real ocurrido en 2014, cuando dos palomas blancas liberadas en el Vaticano durante un gesto simbólico de paz del Papa Francisco fueron atacadas segundos después por un cuervo y una gaviota. A partir de este episodio, la instalación presenta 200 siluetas de palomas realizadas con humo sobre papel, que recrean los instantes de aquel ataque. La obra transforma este gesto fallido de paz en una reflexión sobre los augurios, la fragilidad de los símbolos y la violencia latente en el presente. ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/4lBCp7f
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Publicado el 25 jun 2026Duración: 55:36
1,64 mil
27
1
El mundo del arte habla mucho de sostenibilidad y hace poco - Blanca de la Torre, El IVAM | #123
Blanca de la Torre, directora del IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno), habla en Arte en Diálogo sobre arte contemporáneo, curaduría y cómo llevar la sostenibilidad del discurso a la práctica en los museos.
Doctora en Historia del Arte, ha sido curadora del MUSAC, del Artium, comisaria de la Bienal de Cuenca (Ecuador) y co-fundadora de la Bienal de Helsinki. Desde 2025 dirige uno de los museos más importantes de España, donde está implementando un plan de sostenibilidad estructural y una relectura de la colección con recorridos por ecologías, género, conflicto y color.
Una conversación sobre arte, ecología, museos sostenibles y futuros más habitables.
00:00 Adelanto: "Creo en un arte para todo el mundo"
00:37 La anécdota del concierto para plantas
01:17 Intro de Lorena
01:54 La obra destacada: Lorena Gutiérrez, "Máximo Común divisor"
02:16 Bienvenida a Blanca de la Torre
02:57 León, filosofía y griego: una infancia clásica
03:49 Heidegger antes que Caperucita Roja
04:16 De dibujar en los apuntes a estudiar Historia del Arte
07:11 MUSAC, Artium, Cuenca, Helsinki: el recorrido
08:11 "De independiente, nada": curadora siempre en relación
08:51 Línea curatorial: arte, ecología y ecosocial
09:25 Contra el relato apocalíptico del medio ambiente
10:18 El museo como bosque: el bosque Pando como alegoría
12:39 La parte invisible del museo: lo subterráneo
14:03 Qué es el IVAM y qué encuentra al llegar
14:35 La nueva sala permanente: ecologías, género, conflicto y color
17:15 El pájaro Sankofa: mirar atrás para volar adelante
18:05 Sostenibilidad estructural, como el feminismo
20:35 "A media lumbre": moqueta reutilizable, madera FSC, tela
21:21 Cuenca: reutilizar el plástico que ya estaba ahí
24:17 Greenwashing y trabajar con lo local
25:24 Slow curation y la contradicción del propio ritmo
26:25 La inmediatez del público vs. el museo
27:00 "A media lumbre": una exposición para recorrer lento
27:55 El filandón de León: tradición y oralidad
29:00 The Overview Effect: la Tierra desde el espacio
30:04 Las seis (y diez) erres
30:25 El Museo Anfibio: tránsito entre tierra y agua
31:20 Antropoceno vs. Biocenosis
32:18 Lo no humano: plantas, rocas y minerales
32:58 El concierto para plantas con Eugenio Ampudia
35:43 Aprendizajes de Cuenca y Helsinki: dos polos opuestos
38:23 ARCO 2025: volver a adquirir y apoyar a las galerías
40:56 Criterios de adquisición: género, vacíos históricos, territorio
42:34 Qué es el ecofeminismo
43:10 Cómo le gustaría que estuviera el IVAM en 10 años
43:47 Atraer a los jóvenes: lenguajes accesibles
45:14 Transdisciplinariedad: música, cine, ciencia
46:26 Cierre: optimismo y huir de las distopías
👉 Sigue conectando con el mundo del arte en Arteinformado:
- Blanca de la Torre: https://bit.ly/4v35KuB
- IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno): https://bit.ly/4a4mxpl
Exposición de obra: Lorena Gutiérrez Camejo — 'Máximo Común Divisor' Instalación (Dos pinturas en acrílico sobre lienzo de 100cm x 73cm cada una, chaqueta militar, guayabera presidencial y medallas militares) 2024. 'Máximo Común Divisor' es una obra que retrata cómo en los regímenes totalitarios el poder militar suele derivar en una casta empresarial.
ℹ️ Información sobre la artista: https://bit.ly/4mgIK8m
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Publicado el 18 jun 2026Duración: 47:41
16,21 mil
75
14
Artista: Por qué el arte no se entiende, se experimenta - Ana Laura Aláez | #122
Ana Laura Aláez, artista referente del arte contemporáneo español, habla en Arte en Diálogo sobre escultura, instalación, mujeres y el hito que la marcó: convertir el Reina Sofía en una discoteca real.
Nacida en Bilbao en una España de posguerra y silencios heredados, Ana Laura Aláez decidió rebelarse contra una sociedad y una familia que repetían que "el arte no sirve para nada." Se fue a estudiar Bellas Artes con sus propios medios, viajó a Nueva York y, en pleno País Vasco de Chillida y Oteiza, cambió el hierro monumental por tacones, pelucas, maquillaje y vulnerabilidad.
Su instalación Dance & Disco en el Reina Sofía (2000) convirtió una sala del museo en una discoteca con luces de neón y gente bailando. Desde entonces ha expuesto en la Bienal de Venecia, el Palais de Tokyo, el MUSAC y, recientemente, en The Ryder Madrid.
En esta conversación hablamos del peso del silencio, de las mujeres en el arte, del cuerpo como material y de por qué, en sus palabras, "el arte no hay que entenderlo, hay que experimentarlo."
00:00 Adelanto: "El arte no hay que entenderlo"
01:03 Intro de Lorena
01:40 La obra destacada: Lorena Gutiérrez, "Máximo Común divisor"
02:02 Bienvenida a Ana Laura Aláez
03:43 "Hay veces que es mejor que la gente no te conozca"
04:39 Bilbao, posguerra y el abuelo desaparecido
05:34 Heredar silencio: lo contrario a la creatividad
08:03 Los 80 en el País Vasco: heroína, SIDA, depresión
09:31 El padre carpintero y la magia del oficio
11:14 "El arte no sirve para nada y el arte no es para ti"
11:40 Estudiar Bellas Artes contra la familia
13:14 La vida dentro del arte: contra Chillida y Oteiza
15:10 La primera obra: el vestido hecho con la colcha de su madre
18:09 La facultad: descubrir que no era un monstruo
22:05 Nueva York: cambiar el rumbo
24:10 "La rara": la palabra como identidad
25:07 "Nunca he pensado que era artista"
28:48 1997, primera instalación: "Si astronautas, ellas astronautas"
31:29 El cubo blanco no es neutral
33:18 Maquetas, María Corral y la red que te sostiene
38:21 La discoteca en el Reina Sofía (2000)
39:24 Necesitaba tocar un grado de perreo
39:46 "El arte se ha convertido en espectáculo"
41:30 El pedestal y la trampa de la comodidad
44:32 Después de Venecia, Tokyo, MUSAC: el zigzag
44:57 Las mujeres, el cuerpo, el dolor y la sospecha
46:05 Mujeres jóvenes vs mujeres mayores en el arte
48:30 "La canción siempre es la misma: amor y muerte"
49:51 Los cuidados, el ritmo frenético, la inmediatez
51:38 Esculpir con la vulnerabilidad
52:16 The Ryder Madrid: el momento presente
55:35 "Creo en el arte" como llave para cuestionar el mundo
56:50 "El arte no hay que entenderlo, hay que experimentarlo"
57:20 Cierre: por qué es mejor no esperar nada
👉 Sigue conectando con el mundo del arte en Arteinformado:
- Ana Laura Aláez: https://bit.ly/4uwiqtt
- Museo Reina Sofía: https://bit.ly/4aov1qm
- The Ryder Madrid: https://bit.ly/The_Ryder
Exposición de obra: Lorena Gutiérrez Camejo — 'Máximo Común Divisor' Instalación (Dos pinturas en acrílico sobre lienzo de 100cm x 73cm cada una, chaqueta militar, guayabera presidencial y medallas militares) 2024. 'Máximo Común Divisor' es una obra que retrata cómo en los regímenes totalitarios el poder militar suele derivar en una casta empresarial.
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Publicado el 11 jun 2026Duración: 58:52
5,12 mil
201
21
How Is Immigration Affecting the Art World? - Susanna V. Temkin, El Museo del Barrio | #121
In our first-ever English-language episode, we sit down with Susanna V. Temkin, Interim Chief Curator at El Museo del Barrio in New York, one of the most important institutions for Latino, Latin American and Latinx art. Founded in 1969 in East Harlem by Puerto Rican artists, El Museo del Barrio has spent more than five decades championing artists the mainstream art world overlooked.
Susanna talks about what "Latinx" really means, how the museum is responding to ICE raids and the fear in immigrant communities, the powerful Coco Fusco exhibition "Everyone Here Is a New Yorker," why El Museo joined the general strike, and what's coming in the next Trienal (Fall 2027). A conversation about art, identity, empathy and why, in her words, no institution is ever truly neutral.
🇺🇸 This episode is conducted in English with Spanish subtitles.
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En nuestro primer episodio en inglés, conversamos con Susanna V. Temkin, Curadora Jefa Interina de El Museo del Barrio en Nueva York, una de las instituciones más importantes para el arte latino, latinoamericano y latinx. Fundado en 1969 en East Harlem por artistas puertorriqueños, El Museo del Barrio lleva más de cinco décadas dando visibilidad a artistas ignorados por el mundo del arte tradicional.
Susanna nos explica qué significa realmente el término "latinx", cómo el museo enfrenta las redadas de ICE y el miedo en las comunidades migrantes, la potente exposición de Coco Fusco "Everyone Here Is a New Yorker", por qué El Museo se sumó a la huelga general, y qué viene en la próxima Trienal (otoño de 2027). Una conversación sobre arte, identidad, empatía y por qué, según ella, ninguna institución es del todo neutral.
🇪🇸 Este episodio se desarrolla en inglés con subtítulos en español.
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0:00 – Intro: "People are scared, but also hungry to confront the realities"
0:16 – El contexto: inmigración, ICE y las comunidades migrantes
2:46 – Welcome, Susanna Temkin (Senior Curator, El Museo del Barrio)
2:59 – The history of El Museo del Barrio (founded 1969, East Harlem)
4:36 – What "El Barrio" really means
5:43 – Beyond Puerto Rican roots: an inclusive mission from the start
7:52 – Susanna's path: from seeing Goya to Cuban & Latinx art
10:33 – What does "Latinx" mean — and where did it come from?
12:52 – Becoming a curator and interning at El Museo
14:49 – The power of the archive and recovering erased histories
16:39 – Building a museum around identity: challenges & opportunities
18:24 – Immigration, ICE and fear inside the community
20:14 – The Coco Fusco show and refusing to change the narrative
21:00 – Know-your-rights workshops (and the whistles)
23:47 – "Everyone Here Is a New Yorker": Coco Fusco & Lewis Hine
26:01 – Can art be a bridge of empathy?
27:44 – "The museum is not neutral"
28:04 – Joining the general strike (and AOC's retweet)
30:19 – La Trienal and the artist-founded mission
35:05 – Flow States: diaspora and identity beyond borders
36:13 – The next Trienal, coming Fall 2027
40:25 – Do we still need the "Latinx artist" label?
42:44 – Colonial histories and who gets to be visible
43:54 – Women & Latinx artists in the canon and the art market
44:38 – The museum's role in difficult times: "the OG Latinx institution"
47:07 – "Hangueando": hanging out and hanging art
48:14 – Closing thoughts
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Exposición de obra: Rubén Ojeda Guzmán — Colombofobia: Augurio
Colombofobia: Augurio parte de un hecho real ocurrido en 2014, cuando dos palomas blancas liberadas en el Vaticano durante un gesto simbólico de paz del Papa Francisco fueron atacadas segundos después por un cuervo y una gaviota. A partir de este episodio, la instalación presenta 200 siluetas de palomas realizadas con humo sobre papel, que recrean los instantes de aquel ataque. La obra transforma este gesto fallido de paz en una reflexión sobre los augurios, la fragilidad de los símbolos y la violencia latente en el presente.
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Publicado el 4 jun 2026Duración: 48:43
20,48 mil
55
8
Directora del Museo del Chopo: El poder de los archivos y los relatos que faltan - Sol Henaro | #120
Sol Henaro, curadora y directora del Museo del Chopo, habla en Arte en Diálogo sobre arte contemporáneo, archivos y el poder de los museos: ¿pueden ser realmente neutrales o son una vitrina de poder?
Historiadora del arte, investigadora y activista cultural, Sol Henaro dirige uno de los espacios más singulares de México, que ella misma define como "un centro social travestido de museo." Pasó más de trece años reconstruyendo el archivo del artista no objetual Melquíades Herrera y ha hecho de los archivos (esos que llama "zombis" cuando se guardan pero no se activan) el centro de su práctica curatorial.
En esta conversación hablamos de qué entra y qué sale de un museo y quién lo decide, del giro hacia modelos más porosos y plurales, y de por qué, en sus palabras, "el arte es una madriguera."
00:00 Adelanto: ¿puede un museo ser neutral?
01:46 La obra destacada: Colombo Fobia
02:14 Bienvenida a Sol Henaro
02:53 Quién es Sol: del Claustro de Sor Juana al PEI del MACBA
04:13 La infección en el ojo y el primer acercamiento al archivo
05:21 El MUCA Roma: poner a dialogar generaciones
07:06 13 años reconstruyendo el archivo de Melquíades Herrera
09:37 ¿Qué es un archivo? Volver a la base
10:36 Obra y documento: el mismo valor
11:55 Curaduría transversal: un chef leyendo el archivo
14:03 Qué es el Museo del Chopo y su delirante historia
17:07 "Un centro social travestido de museo"
18:13 El Tianguis del Chopo y las culturas urbanas
19:58 La Semana Cultural Gay y las comunidades de la diversidad
21:18 Modelos de museo más porosos, plurales y elásticos
22:17 Cómo encontró el museo: la fanzinoteca
24:30 Atender en diagonal: La Vitrina para artistas jóvenes
26:21 El museo como laboratorio
26:58 El balbuceo: aprender a generar un lenguaje
27:35 Los riesgos de defender la libertad de expresión
28:24 Archivos zombis: el archivo que no está vivo no existe
31:30 El pasado también es incierto: reescribir el archivo
33:09 Quitarle el corsé al arte
34:09 Activista de la memoria: el acervo sobre VIH/sida
36:45 Ayotzinapa: el archivo como resistencia al borramiento
38:09 ¿Lo público es un corsé? Libertad de cátedra
39:41 Por qué un museo universitario debe arriesgarse
41:08 Mirar a Centroamérica y el Caribe
43:20 Guatemala: devolver la obra de Rosa Elena Curruchich a su contexto
45:38 ¿La etiqueta "arte latinoamericano" es una frontera?
47:36 El reto: dignificar la colección desatendida
49:01 Corresponsabilidad: mover el corsé y pasar la estafeta
50:17 El pulso del arte en México hoy
51:39 Experimentación vs. conservadurismo del mercado
54:42 La estrategia de la alegría (Roberto Jacoby)
55:25 ¿Un museo debe tomar postura política?
57:24 El arte como madriguera: qué le ha dado a Sol
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👉Sigue a Sol Henaro en Arteinformado: https://bit.ly/4bev5e9
🖼️ Exposición de obra: Shinji Nagabe realizó en Collegium un proyecto sobre el Tratado de Tordesillas y la idea de frontera, creando un tapiz colectivo de 20 metros junto a vecinas de Arévalo que conecta objetos de Arévalo y Brasil. La obra final se presentó en la Plaza de la Villa.
Nacido en São Paulo (1981), es un artista de origen japonés que trabaja sobre migración e identidad mediante fotografía y procesos colectivos. Vive en Europa desde 2014 y está representado por la Galería 193 (París).
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/3OFyIkE
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Publicado el 28 may 2026Duración: 58:16
2,62 mil
135
11
Artista: Esta artista corta y cose fotos en plena era de la IA - Rosana Schoijett | #119
Rosana Schoijett, artista del collage y la fotografía, reflexiona en Arte en Diálogo sobre el arte contemporáneo en la era digital: ¿tiene sentido seguir tomando fotos cuando se producen millones de imágenes por segundo?
Durante una década vivió inmersa en el ritmo frenético de la moda y el periodismo, retratando a figuras como Alejandro Jodorowsky, Arturo Pérez-Reverte o Charly García. Hasta que un día dejó la cámara y tomó el bisturí: hoy rescata enciclopedias de botánica, catálogos de lujo y revistas antiguas que disecciona y vuelve a unir con aguja e hilo. Su obra propone una relación más lenta, más física y casi arqueológica con la imagen.
Una conversación sobre fotografía, saturación visual, el oficio de mirar y el enigma que se esconde dentro de cada imagen.
00:00 Adelanto: la imagen en la era de la IA
02:01 La obra destacada: Colombo Fobia
02:29 Bienvenida a Rosana Schoijett
03:22 Buenos Aires, la imprenta familiar y los oficios del papel
05:10 De estudiar fotografía y cine a vivir de la cámara
06:46 De lo analógico a lo digital: el oficio de exponer
08:26 El fotógrafo invisible: aparecer dentro del retrato
10:13 Jodorowsky, Pérez-Reverte, Aznar: el método de las fotos
12:34 ¿Cuándo te asumes artista? Encargo vs. obra propia
13:37 Ralentizar el tiempo: el giro hacia el collage
14:28 El fetiche de la impresión y los libros antiguos
16:21 Piezas únicas: de lo múltiple a lo irrepetible
18:15 Autogestión: la primera muestra en El Lado Salvaje
19:39 Coser, no pegar: el hilo visible como metáfora
21:46 El collage en un mundo que se rompe
23:31 Qué libros elige y cómo boceta con imanes
25:33 Paisaje urbano y de naturaleza: Belgrado y los incendios
27:25 Enseñar fotografía cuando todos somos fotógrafos
28:43 ¿La imagen perdió su valor? Pintura, foto e IA
29:57 El enigma escondido en la palabra "imagen"
31:57 Los collages hechos escuchando Arte en Diálogo
32:57 La anécdota del coleccionista en ARCO
34:00 La imagen como máscara: identidad y transformación
35:17 Sacar una foto vs. hacer una imagen
37:35 Una mirada psicológica: ver sin ser visto
38:37 Bisagras, transparencias y la vuelta a la página
39:52 Cómo enseña: estética, técnica y la magia fotoquímica
41:43 Narrar el tiempo en una imagen fija: las vanitas
42:55 Estudiar a los maestros: de dónde viene cada imagen
43:43 El primer retrato: la niña del otro lado de la cámara
45:01 El salto de fe: dejar el medio por la práctica artística
47:18 Ser artista en Argentina hoy: diversificar
48:20 Consejo a artistas jóvenes: comunidad y crítica
50:42 Qué le ha dado coser: un proceso casi meditativo
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🖼️ Exposición de obra: Rubén Ojeda Guzmán — Colombofobia: Augurio
Colombofobia: Augurio parte de un hecho real ocurrido en 2014, cuando dos palomas blancas liberadas en el Vaticano durante un gesto simbólico de paz del Papa Francisco fueron atacadas segundos después por un cuervo y una gaviota. A partir de este episodio, la instalación presenta 200 siluetas de palomas realizadas con humo sobre papel, que recrean los instantes de aquel ataque. La obra transforma este gesto fallido de paz en una reflexión sobre los augurios, la fragilidad de los símbolos y la violencia latente en el presente. 🕊️
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Publicado el 21 may 2026Duración: 52:29
3,38 mil
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Activista del Arte: ¿Necesitamos otra bienal… o cambiar el sistema? - Catherine Petitgas | #118
Hay más de 300 bienales en el mundo. Pero hasta ahora, México no tenía una.
En este episodio de Arte en Diálogo, analizamos el nacimiento de la Bienal de Yucatán, impulsada por Catherine Petitgas y dirigida artísticamente por Abraham Cruzvillegas.
Con el lenguaje como eje central, este proyecto plantea preguntas sobre poder, identidad, traducción y territorio dentro del sistema global del arte.
Más que una nueva bienal, esta conversación explora qué significa construir una plataforma cultural desde un contexto local hacia una visibilidad internacional.
00:00 Intro
01:55 Artista invitada: Lorena Gutiérrez
02:19 Presentación de Catherine Petitgas
04:50 De Wall Street al arte latinoamericano: la ruta improbable de una francesa
07:11 La obra que lo cambió todo: Gabriel Orozco y las naranjas del MoMA
13:30 Mérida: por qué la primera bienal internacional de México ocurre aquí
26:11 De coleccionar a construir escena: el salto de Proyecto Y a la Bienal
34:40 "Yucatán" significa "no te entiendo": el malentendido como tesis curatorial
40:36 Abraham Cruz Villegas y la bienal hecha con lo que hay a la mano
51:49 Lenguaje, indigenismo y la pregunta sobre qué mundo queremos construir
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- Catherine Petitgas: https://bit.ly/48UZKfa
- Abraham Cruzvillegas: https://bit.ly/4fmDOxf
- Bienal de Yucatán: https://bit.ly/3RckgSk
🖼️ Exposición de obra: Lorena Gutiérrez Camejo — 'Máximo Común Divisor' Instalación
(Dos pinturas en acrílico sobre lienzo de 100cm x 73cm cada una, chaqueta militar, guayabera presidencial y medallas militares) 2024
'Máximo Común Divisor' es una obra que retrata cómo en los regímenes totalitarios el poder militar suele derivar en una casta empresarial.
ℹ️ Información sobre la artista: https://bit.ly/4mgIK8m
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Publicado el 14 may 2026Duración: 1:03:56
3,4 mil
146
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Curadora: ¿Mercado o Talento? Quién Decide el Valor del Arte - Magalí Arriola | #117
¿Quién decide el valor del arte?
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Magalí Arriola sobre el mercado del arte, el papel político de los museos y la curaduría como una forma de producir conocimiento.
Desde sus inicios en los años 90 hasta la dirección del Museo Tamayo, pasando por Fundación Jumex, KADIST y la Biennale di Venezia, Magalí reflexiona sobre cómo se construye el valor dentro del mundo del arte y quién termina definiendo qué historias permanecen.
Una conversación sobre instituciones, imaginación, investigación… y todo lo que el arte puede revelar sobre el presente.
👉 Sigue a Magali Arriola en Arteinformado: https://bit.ly/4cLwQR9
00:00 Intro
01:42 Galería invitada: Prats Nogueras Blanchard — Esther Pertegaz
01:55 Presentación de Magali Arriola
03:24 Los 90 en México: cuando el arte conceptual aún no existía
10:42 "El círculo que faltaba": Cortázar, los desaparecidos y la figura del zombi
17:36 Dirigir el Tamayo: hacer una institución "sexy" sin caer en blockbuster
30:48 La curaduría como pregunta abierta: del boxeo a los derechos civiles
36:03 Arte y espionaje: el Vermeer falso que engañó a los nazis
45:28 ¿El mercado del arte capitaliza el sufrimiento?
48:35 ARCO 20|45: "El futuro por ahora"
58:00 Lo que viene: infancia, ficción y la urgencia de imaginar
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🖼️ Galería de la Semana:
Prats Nogueras Blanchard con la obra “Daily Collapse (Panic)”, 2008 de Ester Partegàs
En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/45mQXRn
Publicado el 7 may 2026Duración: 1:04:43
10,8 mil
373
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Artista: Cómo este artista desafió todo el sistema del arte - Isidoro Valcárcel Medina | #116
🎙 En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Isidoro Valcárcel Medina, pionero del arte conceptual en España. Su trayectoria, marcada por la desobediencia institucional, el rechazo al mercado y la experimentación ética, nos obliga a repensar el papel del artista, del espectador y del propio arte.
Una conversación imprescindible con quien ha hecho de la idea su forma de vida, y del arte, un acto político y radical.
📍 ¿Puede el arte existir sin ser comprado? ¿Es posible una obra que no se firme, no se venda, ni se exponga?
00:00 Intro
01:47 Galería invitada: Prats Nogueras Blanchard — Esther Pertegaz
02:00 Presentación de Isidoro Valcárcel Medina
04:14 El día que dejó la Real Academia por un disco con polvo
13:21 Por qué todo arte profundo es conceptual (incluso Las Meninas)
19:23 Nueva York 1968: "esto es lo que yo hago"
27:09 Pamplona 1972: presentar un lugar en vez de una obra
37:29 Llamadas al azar: el arte que sucede sin galería ni museo
41:36 Premio Nacional y Velázquez: ¿el sistema integrando al disidente?
46:08 Autor vs artista: la distinción que lo cambia todo
57:02 "El fracaso bien entendido es un éxito"
1:00:00 A los 89: "quiero hacer algo más escandaloso"
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👉 Sigue a Isidoro Valcárcel Medina en Arteinformado: https://bit.ly/4ucBRrA
📖 Espíritu de aprendiz y otros escritos - Isidoro Valcárcel Medina: https://bit.ly/4t5sPvm
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Prats Nogueras Blanchard con la obra “Daily Collapse (Panic)”, 2008 de Ester Partegàs
En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
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Publicado el 30 abr 2026Duración: 1:01:22
11,49 mil
504
40
Coleccionista: Dime qué coleccionas y te diré quién eres - Avelino Marín | #115
¿Qué ocurre cuando el arte deja de ser algo que se cuelga y pasa a ser algo que te acompaña?
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Avelino Marín, coleccionista autodidacta que comenzó a comprar arte con 16 años y que hoy convive con más de 1.800 obras en su vida cotidiana. Lejos de la lógica de la inversión, Marín entiende el coleccionismo como una forma de mirar, de habitar el espacio y de construir relaciones con las obras y los artistas.
Desde el diseño de su casa como espacio de convivencia hasta exposiciones como 'Un cuarto cálido', esta conversación reflexiona sobre el papel del coleccionista, la responsabilidad de compartir una colección y la manera en que el arte termina diciendo cosas de quien lo cuida.
00:00 Intro
01:32 Galería invitada: Prats Nogueras Blanchard — Esther Pertegaz
01:45 Presentación de Avelino Marín
02:45 La iglesia del pueblo: el primer encuentro con el arte
05:24 A los 16 años: una porcelana de Viena y cuatro meses sin dormir
15:32 Equipo Crónica: el salto al arte contemporáneo
23:02 1.800 obras sin línea: una colección que termina hablando de él
29:10 "Nuestra colección no es nuestra": el arte como patrimonio
37:05 Una casa construida para que la colección respire
50:06 El día que entendió que estaba loco (y que era coleccionista)
53:52 Consejos para artistas y coleccionistas
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Publicado el 23 abr 2026Duración: 55:53
3,98 mil
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14
Curador: ¿Por qué el mundo del arte sigue siendo elitista? - Raphael Fonseca | #114
¿Puede alguien cambiar el sistema del arte desde dentro… o el sistema termina absorbiéndolo?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Raphael Fonseca, curador del Denver Art Museum, ex curador de la Bienal del Mercosur y responsable del Pabellón de Taiwán en la Bienal de Venecia 2026.
Hablamos de por qué el mundo del arte sigue siendo elitista, qué significa realmente “arte latinoamericano” dentro de un museo, cómo operan el poder y la influencia en las instituciones culturales, y por qué desmitificar el arte implica mucho más que cambiar el lenguaje.
Una conversación sobre curaduría, poder, representación y las contradicciones de intentar transformar el sistema desde dentro.
🤝 Este episodio cuenta con el apoyo de CentroCentro. Descubre su exposición actual «La tempestad» de Avelino Sala y planifica tu visita aquí: https://bit.ly/4vyBfhf
00:00 Intro
01:44 Obra de artista invitado
02:00 Presentación de Raphael Fonseca
03:10 De la arquitectura al arte
06:20 Cuerpo, espacio y acción
10:40 Performance y límites físicos
15:30 Violencia, riesgo y control
20:10 El cuerpo como herramienta política
26:00 Documentación vs experiencia
31:30 Instituciones y performance
37:00 Repetición, resistencia y tiempo
42:30 Público y participación
48:00 Qué busca generar su obra
52:30 Cierre
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👉 Sigue a Raphael Fonseca en Arteinformado: https://bit.ly/4mtIrak
🖼️ Exposición de obra: Shinji Nagabe realizó en Collegium un proyecto sobre el Tratado de Tordesillas y la idea de frontera, creando un tapiz colectivo de 20 metros junto a vecinas de Arévalo que conecta objetos de Arévalo y Brasil. La obra final se presentó en la Plaza de la Villa.
Nacido en São Paulo (1981), es un artista de origen japonés que trabaja sobre migración e identidad mediante fotografía y procesos colectivos. Vive en Europa desde 2014 y está representado por la Galería 193 (París).
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/3OFyIkE
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Publicado el 16 abr 2026Duración: 54:20
4,8 mil
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21
Las Tensiones entre Artista, Curador y Museo – Irma Álvarez-Laviada & Rocío de la Villa | #113
¿Qué ocurre antes de que exista una exposición?
En este episodio de Arte en Diálogo, entramos en el proceso invisible que da forma a una exposición: decisiones curatoriales, límites institucionales y tensiones entre artista, comisaria y museo.
A partir del programa KORA en el Museo Thyssen-Bornemisza, Irma Álvarez-Laviada y Rocío de la Villa reflexionan sobre cómo se construyen los relatos del arte y quién queda fuera de ellos.
Trabajando con materiales descartados y enfrentando directamente el canon del museo, esta conversación plantea una pregunta incómoda: ¿puede una exposición realmente transformar una institución… o solo operar dentro de sus límites?
00:00 Intro
01:52 Obra de artista invitado
02:08 Presentación de Irma y Rocío
03:30 Cómo empieza su colaboración
06:40 Trabajar en colectivo
10:50 Arte, identidad y territorio
15:30 El textil como lenguaje
20:40 Tradición y contemporaneidad
25:50 Procesos, tiempo y repetición
30:30 Trabajo con comunidades
36:10 Arte, política y resistencia
42:20 Instituciones y visibilidad
48:30 Qué significa el éxito
53:40 Qué buscan con su obra
57:00 Cierre
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- Rocío de la Villa: https://bit.ly/4c1q1KK
- Museo Thyssen-Bornemisza: https://bit.ly/4oYTRU5
🖼️ Exposición de obra: Lorena Gutiérrez Camejo — 'Máximo Común Divisor' Instalación
(Dos pinturas en acrílico sobre lienzo de 100cm x 73cm cada una, chaqueta militar, guayabera presidencial y medallas militares) 2024
'Máximo Común Divisor' es una obra que retrata cómo en los regímenes totalitarios el poder militar suele derivar en una casta empresarial.
ℹ️ Información sobre la artista: https://bit.ly/4mgIK8m
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Publicado el 9 abr 2026Duración: 1:04:45
2,96 mil
110
3
Curador del Guggenheim Bilbao: Hay una obsesión por la permanencia del arte - Manuel Cirauqui | #112
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Manuel Cirauqui, comisario del Guggenheim Bilbao, sobre una idea incómoda: quizás el museo no debería conservarlo todo.
Frente a la obsesión por la permanencia, su trabajo propone pensar el arte como algo vivo: obras que cambian, se degradan y vuelven a la tierra. Un museo que no funciona como mausoleo, sino como laboratorio.
Hablamos de ecología, tecnología, sonido, procesos y futuros posibles para entender cómo el arte puede ayudarnos a repensar nuestra relación con el tiempo, la materia y el mundo.
Porque tal vez el problema no es que las cosas desaparezcan…
sino que queremos que duren para siempre.
00:00 Intro
01:57 Galería invitada
02:11 Presentación de Manuel Cirauqui
03:00 De la filosofía a la curaduría
06:30 Nueva York y proyectos que cambian las reglas
10:45 Puerto Rican Light: arte, contexto y ecosistema
14:50 Qué es curar: aprender, equivocarse y transformar
18:00 El museo como espacio de prototipado
22:00 Artes de la Tierra: arte y crisis ecológica
26:30 Producir una exposición sin impacto ambiental
33:10 El museo como semillero de ideas
35:40 Tecnología, crítica y mundos “smart”
39:00 Arte, ciencia y nuevas formas de conocimiento
43:20 El ruido, la radio y lo invisible
47:30 Una idea: educación experimental y sin jerarquías
52:00 Aprender desde la periferia
55:00 Cierre
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Prats Nogueras Blanchard con la obra “Daily Collapse (Panic)”, 2008 de Ester Partegàs
En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
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Publicado el 1 abr 2026Duración: 55:59
3,94 mil
161
12
Artista: ¿El mercado impulsa o distorsiona una carrera? - Secundino Hernández | #111
Hay historias en el arte que suenan demasiado perfectas.
En este episodio de Arte en Diálogo, Secundino Hernández desmonta el relato del éxito para hablar de lo que realmente sostiene una carrera artística: el trabajo, la duda y la necesidad de seguir pintando.
Desde borrar con agua a presión hasta cortar y reconstruir sus propios lienzos, su práctica pone en tensión control y accidente, construcción y destrucción.
Una conversación sobre el error, el tiempo y lo que significa pintar hoy.
🤝 Este episodio cuenta con el apoyo de CentroCentro. Descubre su exposición actual "El pico al aire" de Javier Garcerá y planifica tu visita aquí: https://bit.ly/4dKAfjE
00:00 El mito del éxito en el arte
01:39 Obra de artista invitado
02:07 Secundino Hernández, una carrera “perfecta”
06:00 Apostar por la pintura cuando no era tendencia
10:00 Berlín: precariedad, libertad y consolidación
15:00 El punto de inflexión: ARCO y la colección Rubell
20:00 ¿El mercado impulsa o distorsiona una carrera?
25:00 Pintar para entender, no para representar
30:00 Destruir el cuadro: agua, cortes y reconstrucción
35:00 Control vs accidente en el proceso pictórico
40:00 El error como parte esencial de la obra
45:00 Abstracción y figuración: una falsa dicotomía
50:00 La pintura en un mundo saturado de imágenes
55:00 ¿Qué puede hacer un cuadro hoy que no haga una pantalla?
01:00:00 Cómo nace una obra: intuición vs decisión
01:03:00 El artista frente al sistema: crítica, mercado y relato
01:05:00 Cierre: qué significa ser artista hoy
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👉Sigue a Secundino Hernández en Arteinformado: https://bit.ly/4c7P8eK
🖼️ Exposición de obra: Rubén Ojeda Guzmán — Colombofobia: Augurio
Colombofobia: Augurio parte de un hecho real ocurrido en 2014, cuando dos palomas blancas liberadas en el Vaticano durante un gesto simbólico de paz del Papa Francisco fueron atacadas segundos después por un cuervo y una gaviota. A partir de este episodio, la instalación presenta 200 siluetas de palomas realizadas con humo sobre papel, que recrean los instantes de aquel ataque. La obra transforma este gesto fallido de paz en una reflexión sobre los augurios, la fragilidad de los símbolos y la violencia latente en el presente. 🕊️
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Publicado el 27 mar 2026Duración: 59:20
6,47 mil
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27
El Coleccionista que Cuestiona el Canon del Arte — José Darío Gutiérrez | #110
En el sistema del arte solemos pensar que son los museos, los críticos o las instituciones quienes definen el canon. Pero ¿qué ocurre cuando un coleccionista decide intervenir en esa historia?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con el coleccionista, editor y galerista colombiano José Darío Gutiérrez, quien durante más de cuatro décadas ha construido una colección destinada no sólo a preservar obras, sino a cuestionar el relato dominante del arte colombiano.
A través de proyectos como Proyecto Bachué y Espacio El Dorado, su trabajo propone releer la historia del arte del país desde obras, artistas y momentos que quedaron fuera de la narrativa oficial.
Una conversación sobre coleccionismo, memoria cultural, geopolítica del canon y el papel del arte en la construcción de una idea de nación.
00:00 Intro
01:42 Obra de artista invitado
01:58 Presentación de José Darío Gutiérrez
03:20 Formación y primeros proyectos
06:40 Arte, territorio y contexto colombiano
11:30 Trabajar con comunidades y procesos colectivos
16:50 El arte como herramienta social
21:30 Práctica artística y política
27:40 Tensiones entre arte contemporáneo y lo local
33:10 Instituciones, visibilidad y legitimación
39:20 Curaduría y construcción de relato
45:30 Producción, recursos y precariedad
51:40 Qué puede cambiar el arte
56:10 Cierre
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🖼️ Exposición de obra: Rubén Ojeda Guzmán — Colombofobia: Augurio
Colombofobia: Augurio parte de un hecho real ocurrido en 2014, cuando dos palomas blancas liberadas en el Vaticano durante un gesto simbólico de paz del Papa Francisco fueron atacadas segundos después por un cuervo y una gaviota. A partir de este episodio, la instalación presenta 200 siluetas de palomas realizadas con humo sobre papel, que recrean los instantes de aquel ataque. La obra transforma este gesto fallido de paz en una reflexión sobre los augurios, la fragilidad de los símbolos y la violencia latente en el presente. 🕊️
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Publicado el 19 mar 2026Duración: 1:06:57
8,89 mil
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31
Directora del Tamayo: El arte que entra al museo (y el que queda fuera) - Andrea Torreblanca | #109
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Andrea Torreblanca, directora del Museo Tamayo, sobre el papel del museo en el arte contemporáneo y las decisiones que construyen la historia del arte.
¿Quién decide qué obras entran en una colección? ¿Cómo dialogan artistas históricos con prácticas contemporáneas? ¿Puede un museo seguir siendo un espacio vivo y no solo un archivo del pasado?
A lo largo de la conversación hablamos del legado de Rufino Tamayo, de la formación y evolución de las colecciones, y de cómo el Museo Tamayo activa nuevas lecturas del arte a través de exposiciones, investigación y diálogo con artistas contemporáneos.
Un episodio sobre el museo como espacio de interpretación, sobre las decisiones que moldean el patrimonio cultural y sobre el arte como una conversación que nunca se cierra.
00:00 Intro
01:58 Obra de artista invitado
02:13 Presentación de Andrea Torreblanca
03:40 Formación y trayectoria
06:10 Historia del Museo Tamayo
12:15 Cambiar la programación: exposiciones colectivas
15:30 Los retos de producir exposiciones hoy
17:59 El museo como espacio para la imaginación
25:20 Espiritualidad y arte contemporáneo
32:10 Arte, comunidades y ética curatorial
39:05 La polémica de la colección Gelman
47:00 El museo como punto de partida
52:48 El museo como verbo
54:20 Cierre
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🖼️ Exposición de obra: Shinji Nagabe realizó en Collegium un proyecto sobre el Tratado de Tordesillas y la idea de frontera, creando un tapiz colectivo de 20 metros junto a vecinas de Arévalo que conecta objetos de Arévalo y Brasil. La obra final se presentó en la Plaza de la Villa.
Nacido en São Paulo (1981), es un artista de origen japonés que trabaja sobre migración e identidad mediante fotografía y procesos colectivos. Vive en Europa desde 2014 y está representado por la Galería 193 (París).
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/3OFyIkE
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Publicado el 12 mar 2026Duración: 54:44
6,49 mil
251
11
Artista: ¿Por qué la fantasía es peligrosa? - Pablo Vargas Lugo | #108
¿Cuál es la diferencia entre imaginación y fantasía?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con el artista mexicano Pablo Vargas Lugo, cuya obra cruza disciplinas como la astronomía, la biología, la historia de las religiones y las matemáticas para cuestionar cómo construimos conocimiento y cómo percibimos el mundo.
A lo largo de la conversación exploramos una idea central de su pensamiento: la imaginación siempre tiene un pie en la realidad, mientras que la fantasía se desprende de ella.
Desde esta perspectiva, el arte no se limita a crear imágenes, sino que funciona como un laboratorio de pensamiento donde diferentes sistemas de conocimiento pueden entrar en diálogo.
Hablamos de:
00:00 Intro
01:37 Obra de artista invitado
01:53 Presentación de Pablo Vargas Lugo
04:07 Ad Centrocentro
04:41 Estudios y trayectoria
07:30 Arte como cruce de disciplinas
14:00 La obra Actos de Dios (Bienal de Venecia)
22:00 Ciencia, religión y creencias
31:00 El tiempo y los relojes de números primos
37:00 Mariposas, imágenes y evolución
52:00 Murciélagos y percepción
01:02:00 Cómo nacen sus obras
01:03:30 Qué busca un artista con su obra
Para Vargas Lugo, el artista no está para ofrecer respuestas definitivas, sino para abrir espacios en la imaginación donde nuevas relaciones entre ideas puedan surgir.
👉 Sigue a Pablo Vargas Lugo en Arteinformado: https://bit.ly/4rBsfpb
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🖼️ Exposición de obra: Shinji Nagabe realizó en Collegium un proyecto sobre el Tratado de Tordesillas y la idea de frontera, creando un tapiz colectivo de 20 metros junto a vecinas de Arévalo que conecta objetos de Arévalo y Brasil. La obra final se presentó en la Plaza de la Villa.
Nacido en São Paulo (1981), es un artista de origen japonés que trabaja sobre migración e identidad mediante fotografía y procesos colectivos. Vive en Europa desde 2014 y está representado por la Galería 193 (París).
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Publicado el 5 mar 2026Duración: 1:05:12
7,31 mil
323
11
Curadora: ¿Qué oculta la historia del arte oficial? - Estrella de Diego | #107
En este episodio, la comisaria, crítica y académica Estrella de Diego nos entrega un “toolkit” para aprender a mirar lo invisible: lo que los museos no muestran, lo que el canon borra, lo que el mercado transforma en tendencia.
Desde Warhol hasta Dora Maar, desde el Prado hasta Instagram, Estrella reflexiona sobre el arte como consuelo, resistencia y espejo de lo que todavía no sabemos decir.
🤝 Este episodio cuenta con el apoyo de CentroCentro. Descubre su programación actual y planifica tu visita aquí: https://bit.ly/46svpTZ
00:00 Intro
01:42 Galería invitada
01:56 Estrella de Diego: Trayectoria
02:36 De económicas a Historia del Arte
05:00 Bonet Correa y aprender a equivocarse
07:49 Finlandia, Nueva York y la mirada periférica
12:10 Estudios de género y “mirada de sospecha”
14:49 Gombrich y lo que se queda fuera
17:22 El malentendido como motor del arte
22:03 Warhol, Pollock y cuestionar el canon
24:17 Cuando el discurso se vuelve moda
26:19 Picasso más allá del mito
31:18 Musas, poder y reescribir la historia
41:34 Contemplar como acto radical
43:22 Ir al museo como gesto subversivo
44:46 El espejo, la mirada y el espectador
49:02 Ver lo que siempre estuvo ahí
55:06 Mirar como si no supiéramos nada
58:49 Belleza, canon y entrenamiento
01:02:54 Aprender a mirar: el caso Tàpies
01:05:41 Revisar la historia del arte desde dentro
01:09:23 El arte como consuelo
01:10:18 Cierre
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🖼️ Galería de la Semana:
Prats Nogueras Blanchard con la obra “Daily Collapse (Panic)”, 2008 de Ester Partegàs
En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/45mQXRn
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Publicado el 26 feb 2026Duración: 1:10:43
13,1 mil
515
33
Artista: Arte sin museo, sin frontera, sin respuestas — Pedro Lasch | #106
🎙 ¿Y si un espejo pudiera devolvernos el pasado como una pregunta?
En este episodio de Arte en Diálogo, el artista, educador y pensador Pedro Lasch nos invita a romper la rutina del museo, la frontera y el aula. Su obra desafía lo visible: espejos negros frente al arte colonial, himnos cantados en otras lenguas, mapas que ya no indican el norte, cursos que se vuelven obras públicas. Desde Black Mirror hasta ART of the MOOC, esta conversación traza una línea entre historia, comunidad, pedagogía y política.
Curso 👉 ART of the MOOC – Creative Time: https://bit.ly/4qP6EZg
🤝 Este episodio cuenta con el apoyo de CentroCentro. Descubre su exposición actual "Ana Juan. Wunderkammer" y planifica tu visita aquí: https://bit.ly/4c4OeQM
00:00 Intro
01:40 Galería invitada
01:54 Pedro Lasch: Inicios de formación
02:25 Migración, clase y formar una mirada
06:48 Talleres en Queens: arte como comunidad
11:00 Desilusión con el mercado del arte
15:58 Chiapas: volver a creer en el arte
19:45 El arte como pedagogía global (MOOC)
24:40 Cuando el arte se vuelve acción
28:42 Los Himnos: nacionalismo y lenguaje
33:16 Black Mirror: identidad, colonialidad y espejo
39:48 Contra el presentismo: aprender del pasado
45:48 Las máscaras espejo y la “naturalización”
50:00 Arte público, fracaso y autonomía
51:42 ¿Qué es arte? Duchamp y la institución
54:30 Cambiar el paradigma del museo
57:26 Entre líneas: retrospectiva y reinvención
01:02:48 Social Practice Lab en Duke
01:05:05 Cierre
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En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
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Publicado el 19 feb 2026Duración: 1:05:35
5,03 mil
239
14
Curador: El peligro de explicar el arte - Ángel Calvo Ulloa | #105
En este episodio de Arte en Diálogo nos adentramos en una pregunta que rara vez se formula con calma: ¿qué significa realmente comisariar?
Conversamos con Ángel Calvo Ulloa, crítico y curador independiente, sobre la idea de acompañar una obra sin imponerle un discurso. A partir de su trabajo con Juan Uslé en el Museo Reina Sofía, la charla se expande hacia algo mucho más profundo que una exposición: la escucha como método, el fragmento como forma de pensamiento, el equilibrio entre información y experiencia.
00:00 Intro
01:45 Galería invitada
02:01 Ángel Calvo Ulloa
06:49 Qué es ser comisario hoy
09:41 Cómo nace la retrospectiva en el Reina Sofía
11:14 Juan Uslé: pintura y biografía
13:05 El barco en la montaña: el recuerdo que articula la muestra
17:06 “Soñé que revelaba”: pintar con el latido
22:35 Una exposición no lineal: tiempo y memoria
24:38 Cómo se construye una gran retrospectiva
31:25 Escuchar al artista: diálogo y negociación
32:18 ¿Cuánta información debe tener una exposición?
40:04 Qué hace que una exposición esté bien comisariada
42:50 Pintura, emoción y lo universal
45:50 Qué deja una exposición después de montarla
48:21 Brasil vs Europa: arte como herramienta social
53:10 Consejo para jóvenes comisarios
54:14 Cierre
La exposición «Ese barco en la montaña» puede visitarse en el Museo Reina Sofía hasta abril de 2026. 👉 https://bit.ly/4aeQR0V
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🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado el 12 feb 2026Duración: 54:26
11,08 mil
424
27
Coleccionistas: No compres desde la emoción, estudia la obra - Cristina Chacón & Diego Uribe | #104
¿Puede una colección convertirse en un proyecto de vida?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Cristina Chacón y Diego Uribe, fundadores de DC ART Foundation, una iniciativa que va más allá del coleccionismo tradicional. Desde Miami, Bogotá y Madrid, han creado un ecosistema que une arte, comunidad, hospitalidad y pensamiento crítico.
Exploramos cómo pasaron de decorar su casa con arte a crear una fundación que apoya a artistas emergentes, cómo definen el valor de una obra más allá del mercado, y qué significa habitar una colección con conciencia, sensibilidad y compromiso.
00:00 Intro
01:30 Galería invitada
01:46 Cristina Chacón y Diego Uribe
03:51 Empezar a coleccionar sin saberlo
07:08 Abrir una galería sin experiencia
08:54 Aprender desde el error
10:36 Educar el ojo viajando y estudiando
13:22 De lo figurativo a la abstracción
15:50 El inicio de la colección moderna
17:18 La geometría como núcleo
19:48 Cazar obras y tener método
22:49 El salto: crear d·Art Foundation
24:33 Coleccionar no es acumular
26:02 Convivir con las obras
27:51 Orden, casas y colecciones vivas
29:22 La colección como legado familiar
31:56 Qué es DC Art Foundation
33:17 Residencias para artistas consolidados
35:25 Impactar la comunidad de Miami
38:35 Educación, charlas y programas públicos
40:25 Miami como ecosistema cultural
42:06 Abrir la casa y compartir la colección
44:24 Nuevo centro de exhibiciones
45:25 Residencias para galerías
48:10 Curaduría, archivo y futuro
51:52 No comprar para especular
54:42 Lo que dice la colección de ellos
56:51 El futuro de la colección
59:07 Consejos para nuevos coleccionistas
01:01:17 Cierre
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🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado el 5 feb 2026Duración: 1:01:28
7,48 mil
330
38
Directora de CentroCentro: El sistema del arte no funciona sin los artistas - Julieta de Haro | #103
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Julieta de Haro, directora de CentroCentro, sobre una pregunta incómoda pero urgente: ¿qué clarifica y qué dificulta hoy la supervivencia de los artistas en España?
La conversación aborda los problemas estructurales del sistema artístico: el impacto del IVA, la precariedad normalizada, la falta de honorarios, la confusión entre visibilidad y sostenibilidad y la ausencia de políticas que acompañen las trayectorias a largo plazo.
Julieta de Haro propone una mirada distinta sobre el papel de las instituciones públicas, el valor de trabajar con artistas vivos, la importancia de pagar por la creación y la necesidad de entender el arte como un ecosistema compartido que involucra a artistas, comisarios, coleccionistas y público.
Un episodio para quienes se preguntan por qué el talento no basta, qué estamos haciendo mal como sociedad al apoyar a nuestros artistas y si todavía es posible corregir el rumbo.
00:00 Intro
01:32 Galería Invitada
01:45 Julieta de Haro: Qué es CentroCentro
05:55 Arte contemporáneo en Madrid
08:35 Vivir entre artistas
10:49 El Tercer de Velázquez
14:17 Dirigir una institución pública
18:51 Tres generaciones, un centro
20:28 Precariedad y honorarios
22:32 El vermú de artistas
25:28 Madrid Colecciona
27:30 Elegir artistas y comisarios
30:03 El reto del espacio
32:55 Artistas olvidados
35:32 Qué es el éxito institucional
39:52 Mediación y públicos
42:44 Acceso y gratuidad
44:30 Centro de arte vs museo
46:16 Coleccionismo sin elitismo
49:51 Nuevos formatos
52:14 Jóvenes y futuro
55:13 Residencias artísticas
59:03 Visión a largo plazo
01:01:34 Cierre
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Julieta de Haro: https://bit.ly/4qXFsZh
CentroCentro: https://bit.ly/4rq7hcK
ℹ️ Información Relevante:
• Madrid Colecciona | CentroCentro: https://bit.ly/4atM2Rn
• Web oficial de CentroCentro: https://www.centrocentro.org/
• Info institucional del Ayuntamiento de Madrid: https://www.madrid.es/portal/site/munimadrid
• Archivo y documentación de Madrid Colecciona: https://colecciona.org/
🖼️ Galería de la Semana:
Prats Nogueras Blanchard con la obra “Daily Collapse (Panic)”, 2008 de Ester Partegàs
En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
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Publicado el 29 ene 2026Duración: 1:02:04
117,19 mil
498
20
Artista: Estamos en una Época de Amnesia Colectiva - Daniel Canogar | #102
Algunos artistas trabajan con mármol... Otros con pintura... Daniel Canogar trabaja con la basura electrónica de nuestra era: DVDs, cables, pantallas, bombillas fundidas, datos en tiempo real. Con aquello que desechamos construye memoria.
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con uno de los pioneros del arte digital y generativo sobre el tiempo, la obsolescencia y la fragilidad de la memoria en un mundo saturado de información. Canogar se define como un arqueólogo de la era digital: alguien que recoge los restos tecnológicos de nuestro presente para entender quiénes somos y qué estamos olvidando.
00:00 Intro
01:45 Galería invitada
02:04 Daniel Canogar: fotografía, adolescencia y laboratorio
03:12 Nueva York, salir de la sombra y encontrar una voz propia
05:18 Primeros proyectos y ARCO: la serie Brownie Hawkeye
09:11 Formación, maestros y creer en uno mismo como artista
13:53 De la imagen al espacio: luz, proyección y experiencia
15:26 Obsolescencia, basura tecnológica y arqueología del presente
21:03 Humanizar la tecnología y dar nueva vida a los objetos
23:36 Small Data: memoria, bodegones y tecnología abandonada
26:06 DVDs, archivo y el fin de lo tangible
29:45 Arte público y participación: Times Square y la serie Asalto
33:30 Autoría, trabajo colectivo y el estudio como taller renacentista
36:55 Arte generativo y tiempos algorítmicos
39:00 Arte en el espacio público: el aeropuerto de Tampa
40:59 El Prado derritiéndose: historia del arte y lo digital
43:56 Conservación, coleccionismo y futuro de la obra tecnológica
46:06 El artista como empresario y economía del arte
51:15 Consejos para artistas: trabajar, invertir y resistir
53:26 Historia del arte, memoria y referencias al pasado
57:41 Memoria, amnesia digital y crítica a Silicon Valley
01:02:24 Inteligencia artificial: herramienta, no sustituto
01:04:53 Cómo le gustaría ser recordado
01:05:32 Cierre y despedida
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👉 Sigue a Daniel Canogar en Arteinformado: https://bit.ly/49Pftfo
🖼️ Galería Invitada: Elba Benítez & Artista: Jorge Pardo
Arte en Diálogo colabora con la Galería Elba Benítez, un espacio reconocido por su apuesta por proyectos que exploran los límites entre arte, arquitectura y vida cotidiana. Desde su fundación en Madrid, la galería ha sido un referente en el diálogo entre disciplinas, presentando obras que invitan a repensar la experiencia del espacio y la percepción.
El artista invitado es Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963), quien vive y trabaja entre Mérida (México) y Nueva York (EE. UU.). Su práctica sintetiza escultura, pintura, diseño y arquitectura, en una propuesta ecléctica que combina artesanía, tecnología y estética.
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/47yLtDc
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Publicado el 22 ene 2026Duración: 1:08:02
4,46 mil
228
19
Curadora: “Hay códigos institucionales que decidí no aceptar.” – Isabella Lenzi | #101
🎙️ ¿Es posible descolonizar una institución desde adentro?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Isabella Lenzi, directora artística de la Fundación Alberto Cruz en Santo Domingo, República Dominicana, y curadora de Artes Visuales del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su mirada entre el Sur global y las estructuras institucionales europeas nos lleva a pensar la curaduría como un acto de traducción, desplazamiento e incomodidad.
Desde su experiencia en exposiciones como Somos raíces hasta su formación entre São Paulo, Londres y Madrid, Isabella comparte cómo se construye una práctica curatorial crítica, sensible y comprometida con otras formas de habitar el museo.
💬 Hablamos de archivo y oralidad, arte indígena y exotización, trabajo precario, lenguaje institucional y el poder de hacer preguntas desde adentro.
00:00 Intro
01:53 Galería invitada
02:10 Isabella Lenzi: De la arquitectura a la curaduría
06:40 Diáspora, desplazamiento y mirada decolonial
09:45 Instituciones, poder y crítica institucional
12:09 El espacio no es neutro: arquitectura y exposición
15:29 Curar es cuidar, traducir y acompañar
17:17 ¿Qué es el Sur Global?
19:15 Precariedad, visados y desigualdad estructural
22:36 Cómo se legitima una práctica curatorial
26:09 Vulnerabilidad, género y desigualdad en el comisariado
29:03 Arte latinoamericano y el riesgo de lo exótico
33:08 Traducción cultural y mediación con comunidades indígenas
38:12 Activar el cuerpo: desacralizar el museo
40:19 Colectividad, autoría y participación del espectador
42:13 El Círculo de Bellas Artes: historia y transformación
47:49 La curaduría como responsabilidad ética
51:09 Trabajar entre instituciones y territorios
55:42 Extractivismo cultural y dilemas éticos
57:50 La ética del comisario hoy
01:01:45 Consejos para nuevas generaciones
01:04:18 Reflexión final: comunidad, diálogo y futuro
01:07:06 Cierre del episodio
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🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado el 15 ene 2026Duración: 1:07:26
20,66 mil
822
61
Fotógrafa Experta: “Quien dé a la fotografía por muerta… está equivocada.”– Yolanda Andrade | #100
“Mi cámara no es una máquina, es una forma de estar presente.”
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Yolanda Andrade, fotógrafa mexicana que ha capturado la vida urbana, los cuerpos femeninos y la historia política de México desde los años 80 hasta hoy. Su trabajo, poético y crítico a la vez, convierte el espacio público en un archivo de emociones, luchas y belleza.
Hablamos sobre su práctica en las calles, la fotografía como acto político y la memoria como resistencia. Un retrato honesto y poderoso de una artista que ha hecho de la ciudad su estudio y de la cámara su voz.
📍 Obras en: Museo de Arte Moderno, INBA, Fundación Televisa, Casa de las Américas y más.
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Yolanda Andrade: https://bit.ly/4pnyjQI
Exposicion “cedemequis”: https://bit.ly/3Xa9snE
Galería Memoria: https://bit.ly/41L15Cj
🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado el 18 dic 2025Duración: 49:10
20,07 mil
950
77
Coleccionistas: Coleccionar es Equilibrar Pasión, Intuición y Mercado – Chehebar & Katz | #99
🎙 ¿Se puede coleccionar con el corazón… y con estrategia?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Alberto Chehebar y Jocelyne Katz, coleccionistas latinoamericanos que han hecho del arte una forma de vida, inversión y complicidad en pareja. Desde el impacto de Instagram en sus decisiones de compra hasta la importancia de vender para seguir coleccionando, hablan sin filtros del mercado, la pasión y las emociones detrás de cada obra.
Hablamos de vulnerabilidad, ferias, inversión, artistas emergentes y de cómo las redes sociales están transformando el mercado del arte.
00:00 Intro
01:52 Galería Invitada
02:09 Alberto y Jocelyn: Infancia, formación y el origen del coleccionismo
04:27 Su historia juntos y casarse dentro de una obra de arte
05:51 Los inicios de Alberto como coleccionista
08:14 Transición hacia la fotografía y consolidación como coleccionista
10:09 Cómo cambia la colección cuando es “a dos voces”
14:56 ¿Cómo deciden qué comprar y qué cuelga en casa?
16:39 La casa como laboratorio curatorial
18:43 ¿Qué buscan en una obra? Entre luz, emoción e incomodidad
22:12 Su ritmo de ferias y visitas a estudios
23:45 El valor de conocer al artista en su estudio
26:07 Qué pasa cuando el artista no sabe hablar de su obra
29:15 Apoyar artistas jóvenes y comprar obra “verde”
30:28 Acompañamiento del artista a lo largo de los años
34:14 Arte, inversión y transparencia con los artistas
36:16 Instagram como herramienta clave del coleccionismo
40:04 Cómo detectan talento a través de redes
43:36 La reventa, el mercado y las prácticas del sistema
55:13 Aprender a soltar obras importantes
58:17 Su casa como obra de arte viva
59:00 ¿Qué pasará con su colección cuando no estén?
01:01:08 Lo mejor y lo más difícil del coleccionismo en pareja
01:02:47 Cierre del episodio
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7,88 mil
346
39