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Arte En Diálogo
¡Bienvenidos a "Arte en Diálogo"! En este podcast, nos sumergimos en el fascinante mundo del arte. A través de entrevistas con los protagonistas más relevantes de la industria, descubrimos las historias detrás de las obras, el pensamiento de los coleccionistas, la visión de los galeristas y las tendencias emergentes. Siempre con una voz fresca y dinámica que busca romper el corset del arte, sin perder la esencia y el conocimiento profundo de la industria.
3 añosAntigüedad
112 horasContenido
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6 díasÚltimo
7 díasFrecuencia
56 minDuración
Coleccionista: Dime qué coleccionas y te diré quién eres - Avelino Marín | #115
¿Qué ocurre cuando el arte deja de ser algo que se cuelga y pasa a ser algo que te acompaña?
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Avelino Marín, coleccionista autodidacta que comenzó a comprar arte con 16 años y que hoy convive con más de 1.800 obras en su vida cotidiana. Lejos de la lógica de la inversión, Marín entiende el coleccionismo como una forma de mirar, de habitar el espacio y de construir relaciones con las obras y los artistas.
Desde el diseño de su casa como espacio de convivencia hasta exposiciones como 'Un cuarto cálido', esta conversación reflexiona sobre el papel del coleccionista, la responsabilidad de compartir una colección y la manera en que el arte termina diciendo cosas de quien lo cuida.
00:00 Intro
01:32 Galería invitada: Prats Nogueras Blanchard — Esther Pertegaz
01:45 Presentación de Avelino Marín
02:45 La iglesia del pueblo: el primer encuentro con el arte
05:24 A los 16 años: una porcelana de Viena y cuatro meses sin dormir
15:32 Equipo Crónica: el salto al arte contemporáneo
23:02 1.800 obras sin línea: una colección que termina hablando de él
29:10 "Nuestra colección no es nuestra": el arte como patrimonio
37:05 Una casa construida para que la colección respire
50:06 El día que entendió que estaba loco (y que era coleccionista)
53:52 Consejos para artistas y coleccionistas
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🖼️ Galería de la Semana:
Prats Nogueras Blanchard con la obra “Daily Collapse (Panic)”, 2008 de Ester Partegàs
En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
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Publicado hace 7 díasDuración: 55:53
2.58K
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AED Episodio Avelino Final
Publicado hace 7 díasDuración: 55:53
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Curador: ¿Por qué el mundo del arte sigue siendo elitista? - Raphael Fonseca | #114
¿Puede alguien cambiar el sistema del arte desde dentro… o el sistema termina absorbiéndolo?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Raphael Fonseca, curador del Denver Art Museum, ex curador de la Bienal del Mercosur y responsable del Pabellón de Taiwán en la Bienal de Venecia 2026.
Hablamos de por qué el mundo del arte sigue siendo elitista, qué significa realmente “arte latinoamericano” dentro de un museo, cómo operan el poder y la influencia en las instituciones culturales, y por qué desmitificar el arte implica mucho más que cambiar el lenguaje.
Una conversación sobre curaduría, poder, representación y las contradicciones de intentar transformar el sistema desde dentro.
🤝 Este episodio cuenta con el apoyo de CentroCentro. Descubre su exposición actual «La tempestad» de Avelino Sala y planifica tu visita aquí: https://bit.ly/4vyBfhf
00:00 Intro
01:44 Obra de artista invitado
02:00 Presentación de Raphael Fonseca
03:10 De la arquitectura al arte
06:20 Cuerpo, espacio y acción
10:40 Performance y límites físicos
15:30 Violencia, riesgo y control
20:10 El cuerpo como herramienta política
26:00 Documentación vs experiencia
31:30 Instituciones y performance
37:00 Repetición, resistencia y tiempo
42:30 Público y participación
48:00 Qué busca generar su obra
52:30 Cierre
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🖼️ Exposición de obra: Shinji Nagabe realizó en Collegium un proyecto sobre el Tratado de Tordesillas y la idea de frontera, creando un tapiz colectivo de 20 metros junto a vecinas de Arévalo que conecta objetos de Arévalo y Brasil. La obra final se presentó en la Plaza de la Villa.
Nacido en São Paulo (1981), es un artista de origen japonés que trabaja sobre migración e identidad mediante fotografía y procesos colectivos. Vive en Europa desde 2014 y está representado por la Galería 193 (París).
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Publicado hace 14 díasDuración: 54:20
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Las Tensiones entre Artista, Curador y Museo – Irma Álvarez-Laviada & Rocío de la Villa | #113
¿Qué ocurre antes de que exista una exposición?
En este episodio de Arte en Diálogo, entramos en el proceso invisible que da forma a una exposición: decisiones curatoriales, límites institucionales y tensiones entre artista, comisaria y museo.
A partir del programa KORA en el Museo Thyssen-Bornemisza, Irma Álvarez-Laviada y Rocío de la Villa reflexionan sobre cómo se construyen los relatos del arte y quién queda fuera de ellos.
Trabajando con materiales descartados y enfrentando directamente el canon del museo, esta conversación plantea una pregunta incómoda: ¿puede una exposición realmente transformar una institución… o solo operar dentro de sus límites?
00:00 Intro
01:52 Obra de artista invitado
02:08 Presentación de Irma y Rocío
03:30 Cómo empieza su colaboración
06:40 Trabajar en colectivo
10:50 Arte, identidad y territorio
15:30 El textil como lenguaje
20:40 Tradición y contemporaneidad
25:50 Procesos, tiempo y repetición
30:30 Trabajo con comunidades
36:10 Arte, política y resistencia
42:20 Instituciones y visibilidad
48:30 Qué significa el éxito
53:40 Qué buscan con su obra
57:00 Cierre
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- Irma Álvarez-Laviada: https://bit.ly/4c1hojl
- Rocío de la Villa: https://bit.ly/4c1q1KK
- Museo Thyssen-Bornemisza: https://bit.ly/4oYTRU5
🖼️ Exposición de obra: Lorena Gutiérrez Camejo — 'Máximo Común Divisor' Instalación
(Dos pinturas en acrílico sobre lienzo de 100cm x 73cm cada una, chaqueta militar, guayabera presidencial y medallas militares) 2024
'Máximo Común Divisor' es una obra que retrata cómo en los regímenes totalitarios el poder militar suele derivar en una casta empresarial.
ℹ️ Información sobre la artista: https://bit.ly/4mgIK8m
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Publicado hace 21 díasDuración: 1:04:45
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Curador del Guggenheim Bilbao: Hay una obsesión por la permanencia del arte - Manuel Cirauqui | #112
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Manuel Cirauqui, comisario del Guggenheim Bilbao, sobre una idea incómoda: quizás el museo no debería conservarlo todo.
Frente a la obsesión por la permanencia, su trabajo propone pensar el arte como algo vivo: obras que cambian, se degradan y vuelven a la tierra. Un museo que no funciona como mausoleo, sino como laboratorio.
Hablamos de ecología, tecnología, sonido, procesos y futuros posibles para entender cómo el arte puede ayudarnos a repensar nuestra relación con el tiempo, la materia y el mundo.
Porque tal vez el problema no es que las cosas desaparezcan…
sino que queremos que duren para siempre.
00:00 Intro
01:57 Galería invitada
02:11 Presentación de Manuel Cirauqui
03:00 De la filosofía a la curaduría
06:30 Nueva York y proyectos que cambian las reglas
10:45 Puerto Rican Light: arte, contexto y ecosistema
14:50 Qué es curar: aprender, equivocarse y transformar
18:00 El museo como espacio de prototipado
22:00 Artes de la Tierra: arte y crisis ecológica
26:30 Producir una exposición sin impacto ambiental
33:10 El museo como semillero de ideas
35:40 Tecnología, crítica y mundos “smart”
39:00 Arte, ciencia y nuevas formas de conocimiento
43:20 El ruido, la radio y lo invisible
47:30 Una idea: educación experimental y sin jerarquías
52:00 Aprender desde la periferia
55:00 Cierre
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Prats Nogueras Blanchard con la obra “Daily Collapse (Panic)”, 2008 de Ester Partegàs
En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
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Publicado hace 29 díasDuración: 55:59
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Artista: ¿El mercado impulsa o distorsiona una carrera? - Secundino Hernández | #111
Hay historias en el arte que suenan demasiado perfectas.
En este episodio de Arte en Diálogo, Secundino Hernández desmonta el relato del éxito para hablar de lo que realmente sostiene una carrera artística: el trabajo, la duda y la necesidad de seguir pintando.
Desde borrar con agua a presión hasta cortar y reconstruir sus propios lienzos, su práctica pone en tensión control y accidente, construcción y destrucción.
Una conversación sobre el error, el tiempo y lo que significa pintar hoy.
🤝 Este episodio cuenta con el apoyo de CentroCentro. Descubre su exposición actual "El pico al aire" de Javier Garcerá y planifica tu visita aquí: https://bit.ly/4dKAfjE
00:00 El mito del éxito en el arte
01:39 Obra de artista invitado
02:07 Secundino Hernández, una carrera “perfecta”
06:00 Apostar por la pintura cuando no era tendencia
10:00 Berlín: precariedad, libertad y consolidación
15:00 El punto de inflexión: ARCO y la colección Rubell
20:00 ¿El mercado impulsa o distorsiona una carrera?
25:00 Pintar para entender, no para representar
30:00 Destruir el cuadro: agua, cortes y reconstrucción
35:00 Control vs accidente en el proceso pictórico
40:00 El error como parte esencial de la obra
45:00 Abstracción y figuración: una falsa dicotomía
50:00 La pintura en un mundo saturado de imágenes
55:00 ¿Qué puede hacer un cuadro hoy que no haga una pantalla?
01:00:00 Cómo nace una obra: intuición vs decisión
01:03:00 El artista frente al sistema: crítica, mercado y relato
01:05:00 Cierre: qué significa ser artista hoy
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👉Sigue a Secundino Hernández en Arteinformado: https://bit.ly/4c7P8eK
🖼️ Exposición de obra: Rubén Ojeda Guzmán — Colombofobia: Augurio
Colombofobia: Augurio parte de un hecho real ocurrido en 2014, cuando dos palomas blancas liberadas en el Vaticano durante un gesto simbólico de paz del Papa Francisco fueron atacadas segundos después por un cuervo y una gaviota. A partir de este episodio, la instalación presenta 200 siluetas de palomas realizadas con humo sobre papel, que recrean los instantes de aquel ataque. La obra transforma este gesto fallido de paz en una reflexión sobre los augurios, la fragilidad de los símbolos y la violencia latente en el presente. 🕊️
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/4lBCp7f
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Publicado hace 1 mesDuración: 59:20
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El Coleccionista que Cuestiona el Canon del Arte — José Darío Gutiérrez | #110
En el sistema del arte solemos pensar que son los museos, los críticos o las instituciones quienes definen el canon. Pero ¿qué ocurre cuando un coleccionista decide intervenir en esa historia?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con el coleccionista, editor y galerista colombiano José Darío Gutiérrez, quien durante más de cuatro décadas ha construido una colección destinada no sólo a preservar obras, sino a cuestionar el relato dominante del arte colombiano.
A través de proyectos como Proyecto Bachué y Espacio El Dorado, su trabajo propone releer la historia del arte del país desde obras, artistas y momentos que quedaron fuera de la narrativa oficial.
Una conversación sobre coleccionismo, memoria cultural, geopolítica del canon y el papel del arte en la construcción de una idea de nación.
00:00 Intro
01:42 Obra de artista invitado
01:58 Presentación de José Darío Gutiérrez
03:20 Formación y primeros proyectos
06:40 Arte, territorio y contexto colombiano
11:30 Trabajar con comunidades y procesos colectivos
16:50 El arte como herramienta social
21:30 Práctica artística y política
27:40 Tensiones entre arte contemporáneo y lo local
33:10 Instituciones, visibilidad y legitimación
39:20 Curaduría y construcción de relato
45:30 Producción, recursos y precariedad
51:40 Qué puede cambiar el arte
56:10 Cierre
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🖼️ Exposición de obra: Rubén Ojeda Guzmán — Colombofobia: Augurio
Colombofobia: Augurio parte de un hecho real ocurrido en 2014, cuando dos palomas blancas liberadas en el Vaticano durante un gesto simbólico de paz del Papa Francisco fueron atacadas segundos después por un cuervo y una gaviota. A partir de este episodio, la instalación presenta 200 siluetas de palomas realizadas con humo sobre papel, que recrean los instantes de aquel ataque. La obra transforma este gesto fallido de paz en una reflexión sobre los augurios, la fragilidad de los símbolos y la violencia latente en el presente. 🕊️
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Publicado hace 1 mesDuración: 1:06:57
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Directora del Tamayo: El arte que entra al museo (y el que queda fuera) - Andrea Torreblanca | #109
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Andrea Torreblanca, directora del Museo Tamayo, sobre el papel del museo en el arte contemporáneo y las decisiones que construyen la historia del arte.
¿Quién decide qué obras entran en una colección? ¿Cómo dialogan artistas históricos con prácticas contemporáneas? ¿Puede un museo seguir siendo un espacio vivo y no solo un archivo del pasado?
A lo largo de la conversación hablamos del legado de Rufino Tamayo, de la formación y evolución de las colecciones, y de cómo el Museo Tamayo activa nuevas lecturas del arte a través de exposiciones, investigación y diálogo con artistas contemporáneos.
Un episodio sobre el museo como espacio de interpretación, sobre las decisiones que moldean el patrimonio cultural y sobre el arte como una conversación que nunca se cierra.
00:00 Intro
01:58 Obra de artista invitado
02:13 Presentación de Andrea Torreblanca
03:40 Formación y trayectoria
06:10 Historia del Museo Tamayo
12:15 Cambiar la programación: exposiciones colectivas
15:30 Los retos de producir exposiciones hoy
17:59 El museo como espacio para la imaginación
25:20 Espiritualidad y arte contemporáneo
32:10 Arte, comunidades y ética curatorial
39:05 La polémica de la colección Gelman
47:00 El museo como punto de partida
52:48 El museo como verbo
54:20 Cierre
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👉Sigue a Andrea Torreblanca y el Museo Tamayo en Arteinformado:
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🖼️ Exposición de obra: Shinji Nagabe realizó en Collegium un proyecto sobre el Tratado de Tordesillas y la idea de frontera, creando un tapiz colectivo de 20 metros junto a vecinas de Arévalo que conecta objetos de Arévalo y Brasil. La obra final se presentó en la Plaza de la Villa.
Nacido en São Paulo (1981), es un artista de origen japonés que trabaja sobre migración e identidad mediante fotografía y procesos colectivos. Vive en Europa desde 2014 y está representado por la Galería 193 (París).
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/3OFyIkE
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Publicado hace 2 mesesDuración: 54:44
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Artista: ¿Por qué la fantasía es peligrosa? - Pablo Vargas Lugo | #108
¿Cuál es la diferencia entre imaginación y fantasía?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con el artista mexicano Pablo Vargas Lugo, cuya obra cruza disciplinas como la astronomía, la biología, la historia de las religiones y las matemáticas para cuestionar cómo construimos conocimiento y cómo percibimos el mundo.
A lo largo de la conversación exploramos una idea central de su pensamiento: la imaginación siempre tiene un pie en la realidad, mientras que la fantasía se desprende de ella.
Desde esta perspectiva, el arte no se limita a crear imágenes, sino que funciona como un laboratorio de pensamiento donde diferentes sistemas de conocimiento pueden entrar en diálogo.
Hablamos de:
00:00 Intro
01:37 Obra de artista invitado
01:53 Presentación de Pablo Vargas Lugo
04:07 Ad Centrocentro
04:41 Estudios y trayectoria
07:30 Arte como cruce de disciplinas
14:00 La obra Actos de Dios (Bienal de Venecia)
22:00 Ciencia, religión y creencias
31:00 El tiempo y los relojes de números primos
37:00 Mariposas, imágenes y evolución
52:00 Murciélagos y percepción
01:02:00 Cómo nacen sus obras
01:03:30 Qué busca un artista con su obra
Para Vargas Lugo, el artista no está para ofrecer respuestas definitivas, sino para abrir espacios en la imaginación donde nuevas relaciones entre ideas puedan surgir.
👉 Sigue a Pablo Vargas Lugo en Arteinformado: https://bit.ly/4rBsfpb
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🖼️ Exposición de obra: Shinji Nagabe realizó en Collegium un proyecto sobre el Tratado de Tordesillas y la idea de frontera, creando un tapiz colectivo de 20 metros junto a vecinas de Arévalo que conecta objetos de Arévalo y Brasil. La obra final se presentó en la Plaza de la Villa.
Nacido en São Paulo (1981), es un artista de origen japonés que trabaja sobre migración e identidad mediante fotografía y procesos colectivos. Vive en Europa desde 2014 y está representado por la Galería 193 (París).
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Publicado hace 2 mesesDuración: 1:05:12
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Curadora: ¿Qué oculta la historia del arte oficial? - Estrella de Diego | #107
En este episodio, la comisaria, crítica y académica Estrella de Diego nos entrega un “toolkit” para aprender a mirar lo invisible: lo que los museos no muestran, lo que el canon borra, lo que el mercado transforma en tendencia.
Desde Warhol hasta Dora Maar, desde el Prado hasta Instagram, Estrella reflexiona sobre el arte como consuelo, resistencia y espejo de lo que todavía no sabemos decir.
🤝 Este episodio cuenta con el apoyo de CentroCentro. Descubre su programación actual y planifica tu visita aquí: https://bit.ly/46svpTZ
00:00 Intro
01:42 Galería invitada
01:56 Estrella de Diego: Trayectoria
02:36 De económicas a Historia del Arte
05:00 Bonet Correa y aprender a equivocarse
07:49 Finlandia, Nueva York y la mirada periférica
12:10 Estudios de género y “mirada de sospecha”
14:49 Gombrich y lo que se queda fuera
17:22 El malentendido como motor del arte
22:03 Warhol, Pollock y cuestionar el canon
24:17 Cuando el discurso se vuelve moda
26:19 Picasso más allá del mito
31:18 Musas, poder y reescribir la historia
41:34 Contemplar como acto radical
43:22 Ir al museo como gesto subversivo
44:46 El espejo, la mirada y el espectador
49:02 Ver lo que siempre estuvo ahí
55:06 Mirar como si no supiéramos nada
58:49 Belleza, canon y entrenamiento
01:02:54 Aprender a mirar: el caso Tàpies
01:05:41 Revisar la historia del arte desde dentro
01:09:23 El arte como consuelo
01:10:18 Cierre
📚 Leer es mirar el arte desde dentro. Descubre sus libros aquí: 👉 https://bit.ly/46vbVxY
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🖼️ Galería de la Semana:
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En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
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Publicado hace 2 mesesDuración: 1:10:43
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Artista: Arte sin museo, sin frontera, sin respuestas — Pedro Lasch | #106
🎙 ¿Y si un espejo pudiera devolvernos el pasado como una pregunta?
En este episodio de Arte en Diálogo, el artista, educador y pensador Pedro Lasch nos invita a romper la rutina del museo, la frontera y el aula. Su obra desafía lo visible: espejos negros frente al arte colonial, himnos cantados en otras lenguas, mapas que ya no indican el norte, cursos que se vuelven obras públicas. Desde Black Mirror hasta ART of the MOOC, esta conversación traza una línea entre historia, comunidad, pedagogía y política.
Curso 👉 ART of the MOOC – Creative Time: https://bit.ly/4qP6EZg
🤝 Este episodio cuenta con el apoyo de CentroCentro. Descubre su exposición actual "Ana Juan. Wunderkammer" y planifica tu visita aquí: https://bit.ly/4c4OeQM
00:00 Intro
01:40 Galería invitada
01:54 Pedro Lasch: Inicios de formación
02:25 Migración, clase y formar una mirada
06:48 Talleres en Queens: arte como comunidad
11:00 Desilusión con el mercado del arte
15:58 Chiapas: volver a creer en el arte
19:45 El arte como pedagogía global (MOOC)
24:40 Cuando el arte se vuelve acción
28:42 Los Himnos: nacionalismo y lenguaje
33:16 Black Mirror: identidad, colonialidad y espejo
39:48 Contra el presentismo: aprender del pasado
45:48 Las máscaras espejo y la “naturalización”
50:00 Arte público, fracaso y autonomía
51:42 ¿Qué es arte? Duchamp y la institución
54:30 Cambiar el paradigma del museo
57:26 Entre líneas: retrospectiva y reinvención
01:02:48 Social Practice Lab en Duke
01:05:05 Cierre
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🖼️ Galería de la Semana:
Prats Nogueras Blanchard con la obra “Daily Collapse (Panic)”, 2008 de Ester Partegàs
En Daily Collapse Partegàs aborda tensiones, ataduras, esclavitud, dependencia, relaciones, colapso, sobrecarga, fragmentación, ruptura, ataduras y desconexiones. Concebido inicialmente como una serie de obras independientes, cuando se agrupan se multiplican los significados y las relaciones. Las obras que llevan estos significados son, a su vez, creadas combinando, uniendo e interrelacionando fragmentos o piezas extraídas de diversas fuentes.
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Publicado hace 2 mesesDuración: 1:05:35
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Curador: El peligro de explicar el arte - Ángel Calvo Ulloa | #105
En este episodio de Arte en Diálogo nos adentramos en una pregunta que rara vez se formula con calma: ¿qué significa realmente comisariar?
Conversamos con Ángel Calvo Ulloa, crítico y curador independiente, sobre la idea de acompañar una obra sin imponerle un discurso. A partir de su trabajo con Juan Uslé en el Museo Reina Sofía, la charla se expande hacia algo mucho más profundo que una exposición: la escucha como método, el fragmento como forma de pensamiento, el equilibrio entre información y experiencia.
00:00 Intro
01:45 Galería invitada
02:01 Ángel Calvo Ulloa
06:49 Qué es ser comisario hoy
09:41 Cómo nace la retrospectiva en el Reina Sofía
11:14 Juan Uslé: pintura y biografía
13:05 El barco en la montaña: el recuerdo que articula la muestra
17:06 “Soñé que revelaba”: pintar con el latido
22:35 Una exposición no lineal: tiempo y memoria
24:38 Cómo se construye una gran retrospectiva
31:25 Escuchar al artista: diálogo y negociación
32:18 ¿Cuánta información debe tener una exposición?
40:04 Qué hace que una exposición esté bien comisariada
42:50 Pintura, emoción y lo universal
45:50 Qué deja una exposición después de montarla
48:21 Brasil vs Europa: arte como herramienta social
53:10 Consejo para jóvenes comisarios
54:14 Cierre
La exposición «Ese barco en la montaña» puede visitarse en el Museo Reina Sofía hasta abril de 2026. 👉 https://bit.ly/4aeQR0V
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🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado hace 3 mesesDuración: 54:26
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Coleccionistas: No compres desde la emoción, estudia la obra - Cristina Chacón & Diego Uribe | #104
¿Puede una colección convertirse en un proyecto de vida?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Cristina Chacón y Diego Uribe, fundadores de DC ART Foundation, una iniciativa que va más allá del coleccionismo tradicional. Desde Miami, Bogotá y Madrid, han creado un ecosistema que une arte, comunidad, hospitalidad y pensamiento crítico.
Exploramos cómo pasaron de decorar su casa con arte a crear una fundación que apoya a artistas emergentes, cómo definen el valor de una obra más allá del mercado, y qué significa habitar una colección con conciencia, sensibilidad y compromiso.
00:00 Intro
01:30 Galería invitada
01:46 Cristina Chacón y Diego Uribe
03:51 Empezar a coleccionar sin saberlo
07:08 Abrir una galería sin experiencia
08:54 Aprender desde el error
10:36 Educar el ojo viajando y estudiando
13:22 De lo figurativo a la abstracción
15:50 El inicio de la colección moderna
17:18 La geometría como núcleo
19:48 Cazar obras y tener método
22:49 El salto: crear d·Art Foundation
24:33 Coleccionar no es acumular
26:02 Convivir con las obras
27:51 Orden, casas y colecciones vivas
29:22 La colección como legado familiar
31:56 Qué es DC Art Foundation
33:17 Residencias para artistas consolidados
35:25 Impactar la comunidad de Miami
38:35 Educación, charlas y programas públicos
40:25 Miami como ecosistema cultural
42:06 Abrir la casa y compartir la colección
44:24 Nuevo centro de exhibiciones
45:25 Residencias para galerías
48:10 Curaduría, archivo y futuro
51:52 No comprar para especular
54:42 Lo que dice la colección de ellos
56:51 El futuro de la colección
59:07 Consejos para nuevos coleccionistas
01:01:17 Cierre
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🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado hace 3 mesesDuración: 1:01:28
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Directora de CentroCentro: El sistema del arte no funciona sin los artistas - Julieta de Haro | #103
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Julieta de Haro, directora de CentroCentro, sobre una pregunta incómoda pero urgente: ¿qué clarifica y qué dificulta hoy la supervivencia de los artistas en España?
La conversación aborda los problemas estructurales del sistema artístico: el impacto del IVA, la precariedad normalizada, la falta de honorarios, la confusión entre visibilidad y sostenibilidad y la ausencia de políticas que acompañen las trayectorias a largo plazo.
Julieta de Haro propone una mirada distinta sobre el papel de las instituciones públicas, el valor de trabajar con artistas vivos, la importancia de pagar por la creación y la necesidad de entender el arte como un ecosistema compartido que involucra a artistas, comisarios, coleccionistas y público.
Un episodio para quienes se preguntan por qué el talento no basta, qué estamos haciendo mal como sociedad al apoyar a nuestros artistas y si todavía es posible corregir el rumbo.
00:00 Intro
01:32 Galería Invitada
01:45 Julieta de Haro: Qué es CentroCentro
05:55 Arte contemporáneo en Madrid
08:35 Vivir entre artistas
10:49 El Tercer de Velázquez
14:17 Dirigir una institución pública
18:51 Tres generaciones, un centro
20:28 Precariedad y honorarios
22:32 El vermú de artistas
25:28 Madrid Colecciona
27:30 Elegir artistas y comisarios
30:03 El reto del espacio
32:55 Artistas olvidados
35:32 Qué es el éxito institucional
39:52 Mediación y públicos
42:44 Acceso y gratuidad
44:30 Centro de arte vs museo
46:16 Coleccionismo sin elitismo
49:51 Nuevos formatos
52:14 Jóvenes y futuro
55:13 Residencias artísticas
59:03 Visión a largo plazo
01:01:34 Cierre
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Julieta de Haro: https://bit.ly/4qXFsZh
CentroCentro: https://bit.ly/4rq7hcK
ℹ️ Información Relevante:
• Madrid Colecciona | CentroCentro: https://bit.ly/4atM2Rn
• Web oficial de CentroCentro: https://www.centrocentro.org/
• Info institucional del Ayuntamiento de Madrid: https://www.madrid.es/portal/site/munimadrid
• Archivo y documentación de Madrid Colecciona: https://colecciona.org/
🖼️ Galería de la Semana:
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Publicado hace 3 mesesDuración: 1:02:04
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Artista: Estamos en una Época de Amnesia Colectiva - Daniel Canogar | #102
Algunos artistas trabajan con mármol... Otros con pintura... Daniel Canogar trabaja con la basura electrónica de nuestra era: DVDs, cables, pantallas, bombillas fundidas, datos en tiempo real. Con aquello que desechamos construye memoria.
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con uno de los pioneros del arte digital y generativo sobre el tiempo, la obsolescencia y la fragilidad de la memoria en un mundo saturado de información. Canogar se define como un arqueólogo de la era digital: alguien que recoge los restos tecnológicos de nuestro presente para entender quiénes somos y qué estamos olvidando.
00:00 Intro
01:45 Galería invitada
02:04 Daniel Canogar: fotografía, adolescencia y laboratorio
03:12 Nueva York, salir de la sombra y encontrar una voz propia
05:18 Primeros proyectos y ARCO: la serie Brownie Hawkeye
09:11 Formación, maestros y creer en uno mismo como artista
13:53 De la imagen al espacio: luz, proyección y experiencia
15:26 Obsolescencia, basura tecnológica y arqueología del presente
21:03 Humanizar la tecnología y dar nueva vida a los objetos
23:36 Small Data: memoria, bodegones y tecnología abandonada
26:06 DVDs, archivo y el fin de lo tangible
29:45 Arte público y participación: Times Square y la serie Asalto
33:30 Autoría, trabajo colectivo y el estudio como taller renacentista
36:55 Arte generativo y tiempos algorítmicos
39:00 Arte en el espacio público: el aeropuerto de Tampa
40:59 El Prado derritiéndose: historia del arte y lo digital
43:56 Conservación, coleccionismo y futuro de la obra tecnológica
46:06 El artista como empresario y economía del arte
51:15 Consejos para artistas: trabajar, invertir y resistir
53:26 Historia del arte, memoria y referencias al pasado
57:41 Memoria, amnesia digital y crítica a Silicon Valley
01:02:24 Inteligencia artificial: herramienta, no sustituto
01:04:53 Cómo le gustaría ser recordado
01:05:32 Cierre y despedida
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🖼️ Galería Invitada: Elba Benítez & Artista: Jorge Pardo
Arte en Diálogo colabora con la Galería Elba Benítez, un espacio reconocido por su apuesta por proyectos que exploran los límites entre arte, arquitectura y vida cotidiana. Desde su fundación en Madrid, la galería ha sido un referente en el diálogo entre disciplinas, presentando obras que invitan a repensar la experiencia del espacio y la percepción.
El artista invitado es Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963), quien vive y trabaja entre Mérida (México) y Nueva York (EE. UU.). Su práctica sintetiza escultura, pintura, diseño y arquitectura, en una propuesta ecléctica que combina artesanía, tecnología y estética.
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/47yLtDc
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Publicado hace 3 mesesDuración: 1:08:02
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Curadora: “Hay códigos institucionales que decidí no aceptar.” – Isabella Lenzi | #101
🎙️ ¿Es posible descolonizar una institución desde adentro?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Isabella Lenzi, directora artística de la Fundación Alberto Cruz en Santo Domingo, República Dominicana, y curadora de Artes Visuales del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su mirada entre el Sur global y las estructuras institucionales europeas nos lleva a pensar la curaduría como un acto de traducción, desplazamiento e incomodidad.
Desde su experiencia en exposiciones como Somos raíces hasta su formación entre São Paulo, Londres y Madrid, Isabella comparte cómo se construye una práctica curatorial crítica, sensible y comprometida con otras formas de habitar el museo.
💬 Hablamos de archivo y oralidad, arte indígena y exotización, trabajo precario, lenguaje institucional y el poder de hacer preguntas desde adentro.
00:00 Intro
01:53 Galería invitada
02:10 Isabella Lenzi: De la arquitectura a la curaduría
06:40 Diáspora, desplazamiento y mirada decolonial
09:45 Instituciones, poder y crítica institucional
12:09 El espacio no es neutro: arquitectura y exposición
15:29 Curar es cuidar, traducir y acompañar
17:17 ¿Qué es el Sur Global?
19:15 Precariedad, visados y desigualdad estructural
22:36 Cómo se legitima una práctica curatorial
26:09 Vulnerabilidad, género y desigualdad en el comisariado
29:03 Arte latinoamericano y el riesgo de lo exótico
33:08 Traducción cultural y mediación con comunidades indígenas
38:12 Activar el cuerpo: desacralizar el museo
40:19 Colectividad, autoría y participación del espectador
42:13 El Círculo de Bellas Artes: historia y transformación
47:49 La curaduría como responsabilidad ética
51:09 Trabajar entre instituciones y territorios
55:42 Extractivismo cultural y dilemas éticos
57:50 La ética del comisario hoy
01:01:45 Consejos para nuevas generaciones
01:04:18 Reflexión final: comunidad, diálogo y futuro
01:07:06 Cierre del episodio
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🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado hace 3 mesesDuración: 1:07:26
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42
Fotógrafa Experta: “Quien dé a la fotografía por muerta… está equivocada.”– Yolanda Andrade | #100
“Mi cámara no es una máquina, es una forma de estar presente.”
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Yolanda Andrade, fotógrafa mexicana que ha capturado la vida urbana, los cuerpos femeninos y la historia política de México desde los años 80 hasta hoy. Su trabajo, poético y crítico a la vez, convierte el espacio público en un archivo de emociones, luchas y belleza.
Hablamos sobre su práctica en las calles, la fotografía como acto político y la memoria como resistencia. Un retrato honesto y poderoso de una artista que ha hecho de la ciudad su estudio y de la cámara su voz.
📍 Obras en: Museo de Arte Moderno, INBA, Fundación Televisa, Casa de las Américas y más.
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👉 Sigue a perfiles relevantes en Arteinformado:
Yolanda Andrade: https://bit.ly/4pnyjQI
Exposicion “cedemequis”: https://bit.ly/3Xa9snE
Galería Memoria: https://bit.ly/41L15Cj
🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado hace 4 mesesDuración: 49:10
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Coleccionistas: Coleccionar es Equilibrar Pasión, Intuición y Mercado – Chehebar & Katz | #99
🎙 ¿Se puede coleccionar con el corazón… y con estrategia?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Alberto Chehebar y Jocelyne Katz, coleccionistas latinoamericanos que han hecho del arte una forma de vida, inversión y complicidad en pareja. Desde el impacto de Instagram en sus decisiones de compra hasta la importancia de vender para seguir coleccionando, hablan sin filtros del mercado, la pasión y las emociones detrás de cada obra.
Hablamos de vulnerabilidad, ferias, inversión, artistas emergentes y de cómo las redes sociales están transformando el mercado del arte.
00:00 Intro
01:52 Galería Invitada
02:09 Alberto y Jocelyn: Infancia, formación y el origen del coleccionismo
04:27 Su historia juntos y casarse dentro de una obra de arte
05:51 Los inicios de Alberto como coleccionista
08:14 Transición hacia la fotografía y consolidación como coleccionista
10:09 Cómo cambia la colección cuando es “a dos voces”
14:56 ¿Cómo deciden qué comprar y qué cuelga en casa?
16:39 La casa como laboratorio curatorial
18:43 ¿Qué buscan en una obra? Entre luz, emoción e incomodidad
22:12 Su ritmo de ferias y visitas a estudios
23:45 El valor de conocer al artista en su estudio
26:07 Qué pasa cuando el artista no sabe hablar de su obra
29:15 Apoyar artistas jóvenes y comprar obra “verde”
30:28 Acompañamiento del artista a lo largo de los años
34:14 Arte, inversión y transparencia con los artistas
36:16 Instagram como herramienta clave del coleccionismo
40:04 Cómo detectan talento a través de redes
43:36 La reventa, el mercado y las prácticas del sistema
55:13 Aprender a soltar obras importantes
58:17 Su casa como obra de arte viva
59:00 ¿Qué pasará con su colección cuando no estén?
01:01:08 Lo mejor y lo más difícil del coleccionismo en pareja
01:02:47 Cierre del episodio
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Artista: El artista que está cambiando los monumentos del mundo – Iván Argote | #98
🎙️ ¿Puede un monumento acostarse, reírse o besar?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Iván Argote, artista colombiano que ha intervenido espacios públicos y museos de todo el mundo con un enfoque profundamente político y afectivo. Desde la Bienal de Venecia hasta el High Line de Nueva York, sus obras proponen una nueva relación con la historia, el poder y la ciudad: una en la que la ternura radical se convierte en estrategia de resistencia.
00:00 Intro
01:37 Galería Invitada
01:53 Iván Argote: Infancia sindicalista y formación política
04:43 La escuela religiosa y aprender oficios
06:31 Crecer en un contexto violento y la filosofía de vida familiar
07:09 Ética del trabajo y mezclar vida y arte
08:14 La calle como medio artístico
08:26 Estudios, filosofía, cine y primeros pasos como artista
09:06 Su primer premio y comienzo profesional
12:53 ¿Por qué París y no Nueva York?
15:01 ¿Qué buscabas al irte? El choque con el mundo del arte
16:18 Contactar una gran galería siendo estudiante
19:59 La distancia entre vida, academia y museo
22:01 Primeras acciones: lamer el metro y los videos de afecto
25:28 Vandalizar sin vandalizar: jugar con la historia del arte
29:07 El cumpleaños en el ascensor y crear comunidad
30:13 Trabajar con monumentos e historia
33:48 ¿Qué representan realmente los monumentos?
37:49 Intervenciones en Madrid: ponchos, humor y policía
39:04 Su primera exposición institucional en Madrid
41:55 Reconectar museo, barrio y ciudadanía
44:16 El Dinosaurio: monumento a los indeseados
50:22 El concepto de “ternura radical”
52:43 Negociar con la ciudad y con la historia
53:29 ¿Cómo surgen sus ideas? Proceso creativo
58:09 El taller como laboratorio de investigación
59:47 Qué quiere lograr en el futuro
01:04:23 Ser migrante y mirar el mundo desde afuera
01:07:51 Cubrir grietas con poesía en Madrid
01:09:44 El arte como forma de cuidar la ciudad
01:09:50 Despedida
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Publicado hace 5 mesesDuración: 1:10:07
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Director del Thyssen: La Tensión Entre lo Público y lo Privado – Guillermo Solana | #97
¿De quién es el arte? 🤔 🎨
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza desde 2005. Filósofo de formación y referente en el mundo museístico, Solana reflexiona sobre el equilibrio entre lo público y lo privado en uno de los museos más visitados de España.
Desde el caso del cuadro de Camille Pissarro hasta los grandes blockbusters como Picasso/Chanel o Sorolla y la Moda, abordamos el papel del museo nacional en tiempos de espectáculo, gobernanza y cultura digital. Una conversación imperdible sobre política, ética y visibilidad institucional.
00:00 Intro
01:43 Galería Invitada
01:58 Guillermo Solana: Museo Thyssen
03:10 El Peso y Estímulo del Nombre Thyssen
05:10 Biografía: De la Pintura a la Filosofía
07:47 El Impresionismo
09:47 De la Carrera Universitaria a Director
12:29 Militancia Política
14:46 El Concepto de Coleccionismo Privado
16:26 La Formación de las Colecciones Thyssen
18:50 Las Tres Colecciones: Barón, Baronesa y TBA 21
19:20 El Funcionamiento del Patronato
22:12 La Integración de la Colección de la Baronesa
25:39 Abrir el Museo al Público sin Perder Rigor
27:40 El Debate del "Populismo"
28:53 Grandes Nombres y Nuevos Descubrimientos
29:52 El Esnobismo en el Arte y la "Policía del Arte"
30:51 Re-descubrir a los Clásicos
31:47 La Estrategia de Visibilidad del Museo
33:06 El Origen de la Iniciativa
37:39 La Moda como Actividad Creativa de Primer Orden
38:54 Inquietud Intelectual, No Comercial
40:52 La Exposición más Difícil: Warhol y Pollock
43:47 El Crecimiento del Arte Contemporáneo
45:05 El Caso del Pissarro y el Arte Expoliado por el Nazismo
48:11 La Ley Española y la Inocencia del Barón
52:12 La Situación de Inocencia en la Adquisición de Arte
54:23 El Museo en Redes Sociales
56:36 El Lado Oscuro de las Redes
58:30 Gestión Profesional vs. Improvisación en Medios
01:00:03 Lo que Mantiene Viva la Pasión
01:00:48 Proyectos Futuros: Wagner
01:01:46 La Planificación de Exposiciones
01:07:33 Compromiso con el Cambio Climático, Feminismo y lo Postcolonial
01:10:19 La Deuda con las Mujeres Creadoras
01:11:59 Las Señoritas de Avignon (Picasso)
01:12:41 Cierre y Próximas Exposiciones
📌 Sigue a perfiles relevantes y descubre nuevas exposiciones en Arteinformado:
• Guillermo Solana: https://bit.ly/3M9Lpmi
• Museo Nacional Thyssen-Bornemisza: https://bit.ly/4oYTRU5
• “Warhol, Pollock y otros espacios americanos”, del 21 de octubre de 2025 al 25 de enero de 2026: https://bit.ly/4ogIWDZ
🖼️ Obra expuesta: Elba Benítez & Jorge Pardo.
Arte en Diálogo colabora con la Galería Elba Benítez, un espacio reconocido por su apuesta por proyectos que exploran los límites entre arte, arquitectura y vida cotidiana. Desde su fundación en Madrid, la galería ha sido un referente en el diálogo entre disciplinas, presentando obras que invitan a repensar la experiencia del espacio y la percepción.
El artista invitado es Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963), quien vive y trabaja entre Mérida (México) y Nueva York (EE. UU.). Su práctica sintetiza escultura, pintura, diseño y arquitectura, en una propuesta ecléctica que combina artesanía, tecnología y estética.
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/47yLtDc
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Publicado hace 5 mesesDuración: 1:13:44
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Crítico de Arte: ¿Por Qué Todos Hablan de Ferias y Bienales en el Arte? - Paco Barragán | #96
En este episodio de Arte en Diálogo, el curador y crítico Paco Barragán pone el sistema del arte bajo la lupa: desmonta mitos sobre neutralidad institucional, cuestiona la historia oficial del arte y explica por qué hoy las ferias se parecen a bienales… y las bienales se están ferializando.
Hablamos del cubo blanco, el capital simbólico, la evolución del papel del curador y del artista como emprendedor cultural. Un episodio imprescindible para quienes quieren entender cómo funcionan las estructuras reales del arte contemporáneo.
00:00 Intro
01:28 Galería Invitada: Elba Benítez con Jorge Pardo
01:40 Paco Barragán: La Feria y la Bienal
03:07 El problema conceptual del arte y el dinero
07:48 Trayectoria y Formación de Paco Barragán
09:18 La Época Dorada de ARCO (Octavio Zaya y los pesos pesados)
11:51 Creación de un nicho: entrevistas y asuntos externos
15:45 Desmitificando el arte: El caso de Ernst Beyeler y Art Basel
18:50 La necesidad de estudiar la historia oral y los archivos
19:11 Definición: Feria vs. Bienal
21:25 Convergencia: Las Bienales comercializan tarjetas VIP
23:55 Genealogía de las Ferias: de las ferias romanas a las industriales
30:00 Genealogía de las Bienales: del Festival de Olimpia a la Bienal de Venecia
34:33 El modelo de Bienal Neoliberal
37:48 Ferias: Estrategia de dotar de contenido simbólico
43:47 El Financiamiento Mixto en la Bienal de Venecia
45:48 Documenta como modelo con presupuesto propio
50:15 El curador y el marketing
54:15 El artista emprendedor vs. el bando anti-moderno
01:00:14 ¿Qué ha cambiado en realidad? Conocimiento vs. Aceptación
01:07:24 Arte Pop y Conceptual: El arte se hace más complejo y la filosofía entra en la estética 01:09:59 La crítica al Museo Participativo
01:17:57 La participación según el MoMA: Hacerse un selfie
01:19:44 El peligro de la tendencia: No es peligro, es una bendición neoliberal
01:22:24 La precariedad como vanguardia
01:24:13 Reflexión final: Aprender de la historia y el dato de precariedad de los artistas en 1530 01:24:54 Cierre
📚 Referencias mencionadas:
• The Art Fair Age – Paco Barragán: https://bit.ly/4igD5NS
• From Roman Feria to Global Art Fair: https://bit.ly/3MbZyzj
• “El vértigo de la vida moderna” – DA2 Salamanca: https://bit.ly/3KdsJ4w
• Making Modernism – libro: https://amzn.to/43IfVtD
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🖼️ Galería Invitada: Elba Benítez con el artista, Jorge Pardo.
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El artista invitado es Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963), quien vive y trabaja entre Mérida (México) y Nueva York (EE. UU.). Su práctica sintetiza escultura, pintura, diseño y arquitectura, en una propuesta ecléctica que combina artesanía, tecnología y estética.
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Publicado hace 5 mesesDuración: 1:25:16
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Coleccionista: La Mejor Fórmula para Elegir Arte - Francisco Jaramillo | #95
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Francisco “Pancho” Jaramillo, coleccionista ecuatoriano radicado entre América y Europa, sobre cómo construir una colección con propósito. Su historia va más allá del gusto o la acumulación: Pancho entiende el coleccionismo como una forma de pensamiento, un lenguaje simbólico y una práctica relacional.
Desde su amor por la abstracción geométrica hasta las decisiones racionales de adquisición, Pancho comparte reflexiones personales, emocionales y políticas sobre el rol del coleccionista en el ecosistema del arte.
00:00 Intro
01:22 Galería Invitada
01:34 Pancho Jaramillo: Origen en el arte
05:10 De coleccionismo pasivo a reflexivo
06:02 Su primera obra
07:32 La colección institucional del banco
09:08 Emoción vs razón al comprar
14:02 Colección institucional vs privada
15:16 Qué es habitar el arte
18:24 Por qué lo atrae la abstracción geométrica
21:08 Cómo es su colección hoy
24:14 La colección como ciudad utópica
26:34 Cómo decide una compra
28:55 Cómo compra arte hoy
30:06 Coleccionismo vivencial y solidario
32:11 La ecuación de las 6 C
36:00 Qué es ser coleccionista
36:41 Cómo convive con las obras
39:48 Obras difíciles de conseguir
45:02 Piezas clave de su colección
46:57 El futuro de su colección
49:36 Qué lo inspira hoy
52:04 La escena artística actual
53:23 Aprender del error
56:22 Cierre
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🖼️ Galería Invitada: Elba Benítez con el artista, Jorge Pardo.
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Publicado hace 6 mesesDuración: 57:46
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20
Galeristas: ¿Cómo se mantiene una galería viva durante 40 años? – Esteban y Paloma Jaramillo | #94
¿Cómo se construye una galería con espíritu familiar y ambición global?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Esteban y Paloma Jaramillo, fundador y directores de La Cometa, una galería que nació en Bogotá en los años 80 y hoy tiene presencia en Madrid, Medellín, Miami y Bogotá.
Exploramos el equilibrio entre arte y negocio, los retos de abrir sedes en mercados tan distintos, cómo sostener vínculos duraderos con artistas como Miguel Ángel Rojas o Olga de Amaral, y qué significa mantener viva una obra en el tiempo a través del mercado secundario.
00:00 Intro
1:41 Galería Invitada
1:53 El comienzo de “La Cometa”
10:50 Trabajo con artistas y los errores
12:20 El valor del mercado secundario
14:10 Construir confianza con artistas y coleccionistas
15:30 Paloma y el reto de abrir en Madrid
17:40 Empezar sin contactos: una galería desde cero
19:30 Los impuestos y el reto de España
21:10 Adaptarse a cada mercado: Bogotá, Miami y Madrid
23:40 Formar nuevos coleccionistas
26:00 Crecer en una familia de arte
28:00 Trabajar en familia sin pelearse
30:00 Expandirse al mundo: la visión internacional
32:00 Errores, aprendizajes y reinvención
36:30 La lealtad de los artistas
38:30 Por qué no se puede frenar su carrera
40:00 Rompiendo prejuicios sobre el mercado secundario
42:00 Cómo llegan los nuevos artistas
44:20 Ética entre galerías y competencia
47:00 Relación con museos y curadores
49:30 Ferias, gastos y equilibrio
52:20 Democratizar el arte
54:00 El sueño detrás de La Cometa
57:00 Tercera generación y cierre
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Publicado hace 6 mesesDuración: 58:53
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Curadora: ¿Para qué sirve un curador? – María Wills Londoño | #93
¿Puede el arte ser selfie, archivo y resistencia a la vez?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con María Wills, una de las curadoras más influyentes de América Latina. Investigadora, exdirectora de Artes del Banco de la República de Colombia, y mente detrás de exposiciones que cruzan archivo, artesanía, activismo y estética popular.
Hablamos sobre el rol curatorial, los prejuicios hacia lo lúdico y lo popular, las tensiones en torno a la representación y el territorio, y su visión sobre cómo se narra (y se oculta) la historia del arte desde el sur global.
Desde la polémica por los “espejos para selfies” en bienales, hasta la necesidad de protocolos éticos al trabajar con comunidades, María propone incomodar etiquetas y pensar la curaduría como práctica crítica.
00:00 Intro
01:31 Galería invitada
01:43 María Wills: Sus inicios en el arte
04:26 El Banco de la República y su formación curatorial
07:01 De la fotografía a los cruces entre arte y artesanía
12:55 La curaduría en Colombia y sus pioneros
15:14 Mujeres, fisuras y detección de historias olvidadas
16:31 Qué significa ser curadora hoy
21:07 “Sembrar la duda”: redefinir el arte y dar voz a comunidades
29:02 “Amazofuturismo”: arte indígena y nuevas narrativas
30:20 Arte, artesanía y cultura material
35:04 Olga de Amaral y el rol de las mujeres en el arte
41:22 La Bienal de Arte y Ciudad de Bogotá
46:42 Arte, felicidad y participación del público
55:20 Retrospectiva de Miguel Ángel Rojas en el Reina Sofía
57:47 Diálogo entre España y Latinoamérica
59:47 Qué le ha dado el arte y lo que cambiaría del sistema
01:02:12 Cierre y despedida
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🖼️ Galería Invitada: Elba Benítez & Artista: Jorge Pardo
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El artista invitado es Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963), quien vive y trabaja entre Mérida (México) y Nueva York (EE. UU.). Su práctica sintetiza escultura, pintura, diseño y arquitectura, en una propuesta ecléctica que combina artesanía, tecnología y estética.
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Publicado hace 6 mesesDuración: 1:02:39
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Guardias de Sala: Relatos de quienes cuidan el arte - Parte 2: Luis Pérez Calvo, Reina Sofía | #92
¿Se puede dibujar la historia de una ciudad con tebeos, discos y vitrinas de museo?
En la segunda parte de este especial, conversamos con el artista Luis Pérez Calvo, quien trabajó durante años como guardia de sala en el Museo Reina Sofía. Luis nos lleva por sus recuerdos vigilando obras, sus anécdotas más absurdas y conmovedoras, y el proceso de convertirse en artista sin dejar de observar. Una charla sobre vocación, paciencia, humor y cómo un museo puede ser la mejor escuela de arte.
🔗 Este episodio forma parte del especial Guardias de Sala: https://bit.ly/3IMrdG3
00:00 Intro
01:44 Galería invitada: Luis Adelantado x Irma Álvarez La Viada
02:00 Entre el arte y el público: Luis Pérez Calvo
04:25 Su conexión con la calle y el dibujo autodidacta
06:19 Cómo terminó trabajando en el museo
08:06 La primera entrevista y su entrada al Reina Sofía
10:09 Estar solo entre obras: arte conceptual vs. pintura
11:12 Curiosidades y secretos de las salas
12:32 Reacciones del público: “¿Esto es arte o basura?”
13:03 Dibujar en el museo y sus cuadernos personales
15:03 Su universo artístico: discos, cómics y vida urbana
17:20 Cómo encontró su voz y empezó a vivir del arte
18:18 Inspiración trabajando entre obras maestras
19:28 Técnica, materiales y proyectos actuales
20:16 Cerámica, barro y tradición artesanal
22:00 El placer de observar al público mirar su obra
23:00 Inspiraciones: publicidad, objetos antiguos y cromos
25:02 El equilibrio entre arte y otros trabajos
28:00 Sueños, anécdotas y el futuro del artista
30:31 Lo que deberíamos saber de los guardias de sala
33:20 Madrid como inspiración y su rol de cronista
34:45 Cierre y despedida
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👉 Sigue al Museo Reina Sofía en Arteinformado: https://bit.ly/48zlwph
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Luis Adelantado & Artista, Irma Álvarez-Laviada
- https://bit.ly/4jdcPmS
- https://bit.ly/3Es3SqM
Para este episodio, la Galería Luis Adelantado, presenta a la artista Irma Álvarez-Laviada, una de las creadoras con mayor proyección de la escena del arte contemporáneo en España.
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Publicado hace 6 mesesDuración: 34:55
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Guardias de Sala: Relatos de quienes cuidan el arte - Parte 1: María Rodríguez, CA2M | #92
¿Quién cuida al arte… y a quienes lo visitan? En la primera parte de este especial, damos voz a una figura fundamental pero casi invisible en el mundo del arte contemporáneo: los y las guardias de sala.
Conversamos con María Rodríguez, coordinadora del equipo de vigilancia del CA2M – Centro de Arte Dos de Mayo, sobre lo que significa habitar las exposiciones cada día, observar al público, acompañar artistas y vivir transformaciones inesperadas a través del arte. Una charla sobre anécdotas paranormales, obras que emocionan, formaciones con artistas y visitantes que vuelven una y otra vez…
📍 Esta es la primera parte de un especial en dos episodios sobre guardias de sala.
Mañana publicamos la segunda parte con Luis Pérez Calvo, del Museo Reina Sofía.
00:00 Intro
01:44 Galería Invitada
02:00 María Rodríguez, ocho años en el museo
05:06 Formación con artistas y transformación personal
07:55 El K2M y su relación con la comunidad de Móstoles
10:36 Reacciones del público ante el arte contemporáneo
13:44 Anécdotas y curiosidades en sala
15:16 Niños, adultos y formas de mirar el arte
16:36 Visitantes habituales y cambios en el público
20:17 Exposiciones que la marcaron
23:52 El valor invisible del trabajo de los vigilantes
25:24 Cómo el arte le cambió la vida
26:42 Experiencias paranormales en el museo
30:11 Artistas, emociones y primeras exposiciones
33:18 Reflexión final y cierre
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🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Pradiauto & Artista, Blanca Guerrero
- https://bit.ly/4leIdCJ
- https://bit.ly/4lgdMvS
Para este episodio, la Galería JPradiauto, presenta a la artista, Blanca Guerrero. Su proceso parte de un ejercicio de observación consciente, al tiempo que renuncia a sí misma ante ciertos paisajes, momentos o entornos; al producir su obra, regresa a esos instantes e intenta reflejar su experiencia visual y corporal.
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Publicado hace 7 mesesDuración: 34:28
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Gestor Cultural: Lo Que Pasa Cuando el Arte Incomoda al Poder – José Luis Pérez Pont | #91
🎙️ ¿La política se ha metido demasiado en la cultura?
En este episodio de Arte en Diálogo hablamos con José Luis Pérez Pont, abogado, crítico y gestor cultural, quien estuvo al frente del Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) en Valencia durante siete años.
Hablamos de gestión cultural, acceso democrático al arte, censura, autocensura y los retos de sostener un proyecto público comprometido con la libertad. También reflexionamos sobre su polémica destitución en 2023, y lo que revela sobre el impacto del poder político frente a las instituciones culturales.
📍Esta conversación fue grabada en marzo de 2025. Revisa aquí las actualizaciones del caso:
1. El despido de Pérez Pont declarado improcedente: https://bit.ly/4mUyRfd
2. La carta de despido carecía de precisión: https://bit.ly/48iVpTr
3. El Consorci de Museus asumirá la indemnización si no hay recurso: https://bit.ly/4nDftVi
4. Acusaciones políticas y defensa pública: https://bit.ly/4qiHQKm
00:00 Intro
01:56 Galería invitada
02:12 José Luis Pérez Pont: El derecho y el arte
05:30 La relación entre arte, cultura y derecho
07:17 Cultura y activismo: “Frente al centro comercial, el centro cultural”
10:35 Renovar el Centro del Carmen: apertura, diversidad y transparencia
14:08 Romper círculos cerrados y democratizar el acceso al arte
16:04 Mediación cultural: construir el relato con el público
17:40 El museo como espacio vivo y cotidiano
19:48 Retos de gestión y autonomía frente al poder político
21:53 ¿Existe el arte apolítico? Censura y auto censura
26:23 Miedo, errores, cambio y un cambio de vida
30:46 La cultura como identidad y motor de cambio
32:07 Falta de autoestima y políticas culturales en España
36:35 Educación y ética: bases para un futuro distinto
38:30 El cambio empieza en uno mismo
42:12 Diferencia entre un agitador y un gestor cultural
42:35 Nuevos proyectos y cierre
---
💡 Conéctate con la vibrante comunidad artística de Arteinformado: https://bit.ly/3VApcjG
👉 Sigue a José Luis Pérez Pont en Arteinformado: https://bit.ly/46J3Hml
---
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Jorge López & Artista, Javier Bravo de Rueda
- https://bit.ly/4jO4k1M
- https://bit.ly/4jOf6VH
Para este episodio, la Galería Jorge López, presenta a el artista peruano, Javier Bravo de Rueda, cuyo trabajo pone a prueba los límites de la gravedad, el color y la textura es relevante al tratar de desplazar los límites de las técnicas clásicas y tradicionales.
---
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Publicado hace 7 mesesDuración: 44:35
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Curadora: ¿Puede el arte vencer al tiempo? - Yolanda Romero, Banco de España | #90
¿Cómo puede el arte ayudarnos a resistir la tiranía del tiempo?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Yolanda Romero, directora de Patrimonio Artístico del Banco de España, curadora, investigadora y una de las figuras clave en el desarrollo de políticas culturales y coleccionismo público en España.
Hablamos sobre el papel del arte en la construcción de memoria institucional, la relación entre el tiempo, el poder y los museos, y el ambicioso proyecto de crear un nuevo museo público en 2030 que integre arte, historia económica y arquitectura.
00:00 Intro
01:55 Galería Invitada
02:12 El Banco de España y su colección de 4,000 obras
03:13 Trayectoria y creación del Centro José Guerrero
08:54 Crisis y defensa ciudadana del museo
11:25 Museos, acceso público y gratuidad
15:30 Llegada al Banco de España en 2015
19:35 Orígenes del Banco y primeras colecciones
25:17 Tradición de retratos: de Goya a Leibovitz
35:14 El histórico retrato fotográfico de los Reyes
42:43 Símbolos y lecturas en la obra de Leibovitz
55:30 Apertura del Banco de España al público
01:03:08 Proyecto del Museo del Banco de España (2030)
01:08:57 Exposición La tiranía de Cronos y el tiempo
01:13:34 El arte como refugio y aprendizaje
01:15:35 Vida personal y conversación con el arte
01:16:44 Reflexión personal del arte
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👉 Sigue a Yolanda Romero y el Banco de España en Arteinformado:
- https://bit.ly/46MyXzB
- https://bit.ly/48chdQx
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Pradiauto & Artista, Blanca Guerrero
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Para este episodio, la Galería JPradiauto, presenta a la artista, Blanca Guerrero. Su proceso parte de un ejercicio de observación consciente, al tiempo que renuncia a sí misma ante ciertos paisajes, momentos o entornos; al producir su obra, regresa a esos instantes e intenta reflejar su experiencia visual y corporal.
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Publicado hace 7 mesesDuración: 1:17:45
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Artista: ¿Qué es la geometría sagrada? - Laura Mema | #89
🎙️ ¿Puede el arte sanar, revelar frecuencias invisibles o abrir portales?
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Laura Mema, artista visual e investigadora argentina que transforma vibraciones, geometrías y energías sutiles en obras inmersivas.
Desde el sonido de insectos convertido en tramas textiles, hasta instalaciones con luz, gemas y arquitectura medieval, su práctica propone un arte que no solo se mira, sino que se siente, se habita, y a veces… sana. Un episodio sobre arte, ciencia, naturaleza, espiritualidad, y cómo el arte puede ser una tecnología sensible para conectar con lo invisible.
▶️ Residencia artística de Laura Mema en Collegium: https://bit.ly/482mXMQ
📍 Menciones: MACBA, Collegium, Centro Cultural del Bicentenario, La Celestina, Universidad Complutense de Madrid.
🎨 Obras: Tinkunakuy, Sonic Geometry, Mi cama es un jardín, The Path of Pollen, Flux and Mutability, entre otras.
00:00 Intro
01:47 Galería invitada
02:04 Arte, espiritualidad y geometría sagrada
05:42 Infancia, formación y primeros pasos en el arte
08:58 Hacer visible lo invisible a través del sonido y el tul
10:03 Proyecto Tinku: cantos de cigarras y tejidos ancestrales
19:47 Healing, canalización y vibraciones como lenguaje universal
20:10 Geometría sagrada y su conexión con la naturaleza
25:40 Todo es vibración: ballenas, corales y patrones invisibles
29:00 Sonic Geometry en el MACBA (2021)
32:19 Naturaleza como inteligencia: flores, abejas y frecuencias
35:19 “Mi cama es un jardín”: arte vibracional y comunitario
40:20 Residencia en Arévalo: armas místicas y culturas ancestrales
49:23 Obras site-specific y ceremonia con la campana en el río
59:21 Reflexiones finales: portales energéticos y conexión interior
💡 Conéctate con la vibrante comunidad artística de Arteinformado: https://bit.ly/3VApcjG
👉 Sigue a Laura Mema en Arteinformado: https://bit.ly/4gE6qAK
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Pradiauto & Artista, Blanca Guerrero
- https://bit.ly/4leIdCJ
- https://bit.ly/4lgdMvS
Para este episodio, la Galería JPradiauto, presenta a la artista, Blanca Guerrero. Su proceso parte de un ejercicio de observación consciente, al tiempo que renuncia a sí misma ante ciertos paisajes, momentos o entornos; al producir su obra, regresa a esos instantes e intenta reflejar su experiencia visual y corporal.
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Publicado hace 7 mesesDuración: 1:01:46
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14
Cómo Atraer a Grandes Artistas con Pocos Recursos – Viviana Kuri: Directora de MAZ | #88
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Viviana Kuri, directora y curadora en jefe del Museo de Arte de Zapopan (MAZ), una de las instituciones más activas e innovadoras del arte contemporáneo en México. Hablamos sobre cómo el MAZ ha logrado traer a artistas de talla internacional como Tino Sehgal, Francis Alÿs, Mark Bradford, José Dávila o Melanie Smith, y cómo ha sido clave para descentralizar el arte desde Guadalajara.
Viviana comparte su visión sobre el papel del museo en su comunidad, los retos de gestionar un museo público con presupuesto limitado, y cómo se puede generar pensamiento crítico y nuevas formas de mirar desde el arte.
———
00:00 Intro
01:54 Galería invitada
02:11 Viviana Kuri: Descentralizar el arte en México
03:55 Museo de Arte en Zapopan (MAZ) y Esación Maz
06:08 Trayectoria de Viviana
09:05 La llegada de Viviana al MAZ y sus nuevos enfoques
12:39 Lo que hace el gran arte
13:41 Atrayendo a los mejores artistas
15:36 Tino Sehgal: El arte, la danza y sus obras
18:31 Cómo lograr exposiciones internacionales
20:01 Libertad creativa en México
21:20 La creatividad y el apoyo artistico
22:42 El origen del MAZ
25:07 Reto mas grande de la nueva sede
25:45 La gratuidad como forma de acceso universal
27:53 Inclusión de comunidades y actividades
31:07 Paridad de género en las exposiciones
31:53 Programas educativos para niños y adolescentes
33:20 Independencia curatorial frente al gobierno
34:22 Públicos vs. privados: diferencias en la gestión de museos
35:47 Nuevas alianzas y creación de un patronato
36:59 Exposiciones itinerantes y colaboración internacional
37:37 Anécdota de Tino Sehgal
39:17 ¿Cómo medir el éxito de una exposición?
42:11 Exposiciones que transforman: la experiencia personal de Viviana
43:23 Mark Bradford en Guadalajara: impacto y comunidad
44:13 Guadalajara como cuna artístico
45:55 Melanie Smith y la expansión de la pintura
46:14 ¿Cómo sería el museo de los sueños?
47:23 México: creatividad en medio de la adversidad
48:16 El proyecto con mujeres buscadoras y el arte como sanación
50:45 El papel del arte en España y en México
52:04 Cierre: el arte como acto de fe y regalo de vida
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📸 Todas las imágenes de este vídeo son cortesía del MAZ: https://bit.ly/46nzuI4
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Publicado hace 7 mesesDuración: 53:37
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9
Artista: Cómo conquistar el mundo del arte desde España - Teresa Solar | #87
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Teresa Solar, una de las artistas españolas con mayor proyección internacional. Su obra escultórica habita un territorio intermedio entre lo biológico y lo industrial: grandes formas fluorescentes que nacen del barro y se convierten en túneles, espinas o criaturas futuristas. Un diálogo sobre valentía, materiales con memoria y el desafío de construir una carrera internacional desde Madrid, sin dejar de estar arraigada a su contexto.
--
00:00 Intro
01:56 Galería Invitada
02:13 Teresa Solar: Trayectoria como artista
03:38 Apertura Gallery Weekend
04:19 Raíces familiares: madre egipcia y choque de culturas
08:17 La transición hacia el barro y el roller derby
10:13 El barro como material y metáfora
17:01 Escalas monumentales y lo orgánico vs. lo industrial
19:00 Ciencia ficción, ficción y oposiciones en su obra
21:20 El metro de Madrid como inspiración estética
23:02 La tuneladora y tiempo profundo en la escultura
28:11 Obsesiones artísticas y preguntas recurrentes
29:03 La exposición en el MACBA: máquina de conocimiento
31:15 El extranjero como constante en su obra
33:03 Autorretrato como mujer embarazada
36:56 Bienales de Liverpool y Venecia: un punto de inflexión
38:02 El vértigo de exponer y encargos públicos
42:30 El proyecto “Cabalga, cabalga, cabalga” y sus críticas
49:00 Los cuadernos como mapas de pensamiento
53:30 La relación de Tere con México y su vibración espiritual
57:36 Crear desde Madrid frente a emigrar
01:00:56 El techo de cristal en la internacionalización
01:03:25 El ambiente artístico en España hoy
01:05:08 Proyectos actuales: escultura pública en Londres y gran individual en Hannover
01:08:23 Una reflexión final: valentía y honestidad en el arte
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👉 Sigue a Teresa Solar en Arteinformado: https://bit.ly/4p9LMfI
📍Noticia Relevante "Lehmann Maupin representa a Teresa Solar Abboud": https://bit.ly/41K64T5
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🎨 Arte Madrid:
- (descarga la app) https://apple.co/3JPQNtD
- (visita la web) https://bit.ly/45NwZQh
ℹ️ Información de Apertura Madrid Gallery Weekend 2025:
- (en Arteinformado) https://bit.ly/47xF9xD
- (en Arte Madrid) https://bit.ly/46hYYI1
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🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, La Oficina & Artista, Carla Filipe
- https://bit.ly/44lJqRB
- https://bit.ly/3Ztj1zD
Para este episodio, la Galería La Oficina, presenta a la artista Carla Filipe, cuyo trabajo deriva de un enfoque por el cual un tema y su tratamiento artístico consecutivo se desmoronan en su propia y característica "arqueología del presente", en la que una combinación de palabras y temas crea el potencial para la ambigüedad.
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Publicado hace 8 mesesDuración: 1:09:24
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15
Apertura: ¿Y si toda la ciudad fuera una galería de arte? - Pablo Flórez (Arte Madrid) | #86
En este episodio de Arte en Diálogo, hablamos con Pablo Flórez, presidente de Arte Madrid, sobre Apertura Madrid Gallery Weekend, el evento que cada septiembre inaugura más de 55 exposiciones al mismo tiempo y convierte Madrid en un museo vivo, gratuito y abierto a todos.
Conversamos sobre el crecimiento del evento, la colaboración entre instituciones, el perfil del nuevo coleccionista, y cómo este recorrido artístico rompe con la idea de que el arte es solo para unos pocos.
00:00 Intro
02:00 Galería Invitada
02:14 ¿Qué es Apertura Madrid Gallery Weekend?
03:21 Septiembre como inicio de la temporada cultural
04:02 El origen de Apertura y su evolución desde 2009
06:02 De 20 a 55 galerías: el crecimiento del evento
07:13 Los 24,000 visitantes y la diversidad del público
09:15 El valor del aficionado y el acceso gratuito al arte
11:09 Lo que ofrece cada galería y su papel en la comunidad
12:23 Diferencias de Madrid frente a otras ciudades
14:15 Diversidad artística y tendencias en las galerías
16:26 Invitados internacionales y colaboración con ministerios
19:00 Conexión con Barcelona y Valencia
20:13 Programa de curadores y actividades especiales
20:40 Rutas y la app de Arte Madrid
22:09 Arco Gallery Walks y Apertura Kids
23:45 El papel de Fundación ARCO y su apoyo continuo
25:00 Colaboración con instituciones y museos (Reina Sofía, Casa Encendida, Lázaro Galdiano)
30:10 La organización del evento y el arranque de temporada
31:22 Público internacional y el impacto económico y social
33:03 El rol de las galerías como catalizadores del ecosistema artístico
34:05 Acceso gratuito y horarios ampliados
36:11 Superar el miedo a entrar a las galerías
37:36 Más de 500 artistas representados
38:20 La experiencia de ser galerista y presidente de Arte Madrid
40:08 ¿Qué es Arte Madrid y cuál es su misión?
41:46 Apoyo privado y patrocinadores de Apertura
43:00 Retos artísticos y políticos del sector
45:14 ¿Qué le aporta el arte a Pablo día a día?
47:10 Una frase para no perderse Apertura 2025
48:59 Recapitulación y cierre
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👉 Sigue a Pablo Flórez y Arte Madrid en Arteinformado:
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- https://bit.ly/4ni8zo0
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ℹ️ Información de Apertura Madrid Gallery Weekend 2025:
- (en Arteinformado) https://bit.ly/47xF9xD
- (en Arte Madrid) https://bit.ly/46hYYI1
🚶ARCO Gallery Walks: https://bit.ly/462t94G
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Galería, Pradiauto & Artista, Blanca Guerrero
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Para este episodio, la Galería JPradiauto, presenta a la artista, Blanca Guerrero. Su proceso parte de un ejercicio de observación consciente, al tiempo que renuncia a sí misma ante ciertos paisajes, momentos o entornos; al producir su obra, regresa a esos instantes e intenta reflejar su experiencia visual y corporal.
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Publicado hace 8 mesesDuración: 50:50
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10
Artista e ilusionista: El arte que cuestiona la realidad - Leandro Erlich | #85
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Leandro Erlich, uno de los artistas conceptuales más reconocidos de América Latina. Conocido por obras como "Swimming Pool" y "Bâtiment", Erlich ha llevado su universo de ilusiones ópticas y arquitecturas imposibles a museos como el MALBA, el Mori Art Museum o el PAMM.
Desde el juego como motor de pensamiento hasta el arte como espacio de duda, hablamos sobre la percepción, la infancia, la experiencia inmersiva y el proceso técnico detrás de sus instalaciones que transforman lo cotidiano en algo extraordinario.
🔗 Menciones: MALBA, Mori Art Museum, Bienal de Venecia, Pérez Art Museum, Museo de Bellas Artes, Exposición Universal Osaka 2025 y más.
00:00 – Intro
01:57 – Galería invitada: Jorge López
02:14 – Introducción extendida de Leandro Erlich
02:52 – Primera exposición individual a los 18 años
03:13 – Influencia familiar y entorno artístico
04:36 – Decisión de estudiar arte y dejar la escuela
06:11 – El arte como camino no lineal
07:05 – Primeras obras y búsqueda de voz propia
09:06 – Beca del Fondo Nacional de las Artes
09:51 – Fundación Antorchas y descubrimiento conceptual
12:08 – Proyecto del doble obelisco en Buenos Aires
18:55 – La piscina (Swimming Pool) y su origen en Houston
22:00 – Vattimo: fachada parisina y el juego visual
24:31 – Arte, percepción e impacto de las redes sociales
26:10 – ¿Qué es real? Reflexión conceptual detrás de sus obras
31:14 – El arte como juego y mecanismo de aprendizaje
36:55 – Éxito de sus exposiciones y conexión con el público
38:52 – La democracia de un símbolo: descabezando el Obelisco
43:01 – Arte, medio ambiente y conciencia ecológica
45:58 – ¿Cómo se materializan sus ideas? Procesos y equipos
48:11 – Proyectos que se hacen y los que no
49:34 – Relación del arte con los museos y el espectáculo
55:52 – Proyectos actuales: Osaka 2025, Helsinki, París
58:38 – Cierre y agradecimientos
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👉 Sigue a Leandro Erlich en Arteinformado: https://bit.ly/4mDE1wJ
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🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Jorge López & Artista, Javier Bravo de Rueda
- https://bit.ly/4jO4k1M
- https://bit.ly/4jOf6VH
Para este episodio, la Galería Jorge López, presenta a el artista peruano, Javier Bravo de Rueda, cuyo trabajo pone a prueba los límites de la gravedad, el color y la textura es relevante al tratar de desplazar los límites de las técnicas clásicas y tradicionales.
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Publicado hace 9 mesesDuración: 59:04
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17
Hay que cuestionar lo que creemos del Mercado del Arte - Mario Canal y Rocío Gracia Ipiña | #84
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con el periodista cultural Mario Canal y la curadora e historiadora del arte Rocío Gracia Ipiña sobre la tensión entre arte, mercado, ideología y representación.
A partir del debate global sobre una supuesta “crisis del arte contemporáneo”, exploramos preguntas incómodas cómo: ¿está el arte demasiado atado al discurso político? ¿Se puede seguir creando desde la forma sin tener que justificarlo todo con una causa? ¿Hasta qué punto el mercado condiciona lo que vemos en museos y bienales?
Un episodio para quienes creen que el arte no siempre tiene que educar, pero sí puede confundir, mover o incluso incomodar.
00:00 Intro
02:00 Galería invitada
02:16 Preguntas iniciales: arte político, identitario o consciente
03:01 El artículo The Painted Protest y el arte identitario
05:05 Fatiga temática: feminismo, queer, decolonial y Antropoceno
06:45 Definiendo conceptos: queer y woke
11:08 El museo y la sobre-representación de discursos marginales
16:00 La influencia de la crisis 2008, redes sociales y activismo
20:00 El museo en crisis: autoridad, jerarquía y corrección política
23:25 ¿Se perdió la innovación artística? Concepto vs forma
27:05 Arte vs propaganda: moralización y activismo
29:00 Vanguardias históricas y misión del arte
30:27 Autoficción, redes sociales y la cultura del “yo”
33:13 Interseccionalidad política y discursos culturales
35:05 Sobre representación y recuperación de artistas olvidados
39:00 Museo vs mercado: crítica, comisarios e influencers
44:00 Coleccionismo en España y rol del Estado
46:30 Ferias de arte, galerías dominantes y mercado global
51:00 Filantropía y coleccionistas como defensores de identidades
55:10 El valor de la obra vs la identidad del artista
58:31 Innovación en lenguajes: pintura, escultura y video
01:05:15 ¿Todo arte es político? Arte, propaganda y convicción
01:08:48 ¿Crisis creativa o proceso de auto-cuestionamiento?
01:10:30 El futuro del museo: educación, comunidad e inclusión
01:15:11 Museo, turismo y banalización del arte
01:16:22 Reflexiones finales y optimismo sobre el arte contemporáneo
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👉 Sigue a Mario Canal y Rocío Gracia Ipiña en Arteinformado:
- https://bit.ly/3ITSuWw
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“The Painted Protest: How politics destroyed contemporary art” – Dean Kissick
🔗 https://bit.ly/3U72bDu
Un ensayo provocador que analiza cómo el arte contemporáneo se ha visto absorbido por discursos políticos, identitarios y moralizantes, cuestionando si esto ha desplazado la libertad formal, la imaginación y el riesgo estético.
📚 Lista de definiciones:
Woke: Término que significa literalmente “despierto/a”. Para algunos, representa una conquista histórica en curso; para otros, una forma de agotamiento discursivo o de corrección política excesiva.
Arte woke: Etiqueta polémica utilizada, muchas veces de forma despectiva, para criticar obras percibidas como excesivamente moralizantes, didácticas o políticamente correctas.
Queer: Más allá de una orientación, el término queer abarca una posición política, afectiva y estética que cuestiona las normas de género y los modelos tradicionales de identidad.
Arte identitario: Producción artística centrada en la experiencia subjetiva o colectiva del artista desde su identidad (género, raza, etnicidad, clase, orientación, etc.).
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Pradiauto & Artista, Blanca Guerrero
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Maestro del dibujo: Cómo dibujar todos los días cambió su vida - José Antonio Suárez Londoño | #83
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con José Antonio Suárez Londoño, artista colombiano que ha hecho del dibujo diario una forma de vida. A través de sus cuadernos minuciosos, íntimos y obsesivos, crea universos visuales que cruza literatura, ciencia, filosofía y gesto. Desde sus estudios en biología y arte hasta sus exposiciones en el MoMA o la Bienal de Venecia, José Antonio comparte su visión sobre la atención, la repetición, la rutina y el poder de lo pequeño. Para él, dibujar no representa al mundo, si no es su forma de habitar el tiempo.
🔗 Menciones: MoMA, Bienal de São Paulo, Drawing Room Madrid, La Casa Encendida, Banco de la República de Colombia, entre otros.
00:00 Intro
01:53 Galería Invitada
02:11 José Antonio Suárez: Inicios en el arte
05:08 Etapa de biología y paso a las Bellas Artes
08:32 El dibujo como elección definitiva
10:55 Regreso a Colombia y primeras exposiciones
13:05 Cuadernos anuales: origen y metodología
20:02 Relación con el público y con su obra
22:01 Participación en la Bienal de Venecia
25:19 Proceso creativo: materiales, errores y memoria
30:25 Rutina diaria y práctica del dibujo
33:28 Grupo de retrato y enseñanza informal
38:00 Relación con la literatura
39:08 El dibujo en el arte contemporáneo y la educación
42:15 ¿Qué hace un buen dibujo?
44:01 Dibujar como forma de vida
46:00 Influencias literarias y cambios con el tiempo
50:13 Imaginación vs observación
54:01 Opinión sobre el arte contemporáneo
55:50 Exposición reciente y dibujos en pandemia
57:18 Consejo final para jóvenes artistas
💡 Conéctate con la vibrante comunidad artística de Arteinformado: https://bit.ly/3VApcjG
👉 Sigue a José Antonio Suárez Londoño en Arteinformado: https://bit.ly/3H1UKdF
📚 Libros mencionados:
• Océano Mar – Alessandro Baricco 🔗 https://bit.ly/4f10pgE
Una novela poética y filosófica sobre el mar, la memoria y lo invisible.
• Hockney by Hockney – David Hockney 🔗 https://bit.ly/451E3at
Autobiografía visual del célebre artista británico, contada a través de sus propias obras y palabras.
• Libros de Brian Eno 🔗 https://amzn.to/3TVVUug
Reflexiones del músico, artista y productor sobre el proceso creativo, el sonido y la intuición.
• Yearbooks – José Antonio Suárez Londoño 🔗 https://bit.ly/4o9eFs8
Una recopilación de sus cuadernos de dibujo diarios, donde texto e imagen conviven en un diario visual único.
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, La Oficina & Artista, Carla Filipe
- https://bit.ly/44lJqRB
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Para este episodio, la Galería La Oficina, presenta a la artista Carla Filipe, cuyo trabajo deriva de un enfoque por el cual un tema y su tratamiento artístico consecutivo se desmoronan en su propia y característica "arqueología del presente", en la que una combinación de palabras y temas crea el potencial para la ambigüedad.
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Publicado hace 9 mesesDuración: 58:40
46.01K
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122
Artista: ¿Cuál es la mejor manera de ver una pintura? - Mariela Scafati | #82
🎙️ En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Mariela Scafati, artista visual, activista y educadora cuya obra transforma la pintura en un acto corporal, afectivo y profundamente político.
Desde sus inicios en el Taller Popular de Serigrafía en plena crisis argentina, hasta su participación en documenta fifteen y la Bienal de Berlín, Mariela ha expandido los límites del arte tradicional para construir un lenguaje donde el cuerpo, el deseo, la cuerda y el juego se entrelazan.
Hablamos sobre la pintura como forma de cuidado, los vínculos entre el arte queer y la pedagogía, su experiencia como madre y cómo una práctica de atadura japonesa se convirtió en una herramienta estética y emocional en su obra.
00:00 Intro
01:51 Galería invitada
02:08 Mariela Scafati: Arte y colectivos queer
08:55 La Dualidad de las Obras: Pintura y ropa
13:53 Obras que salen del cuadro
17:20 ¿Qué es el concepto queer?
19:00 Diferentes técnicas y formas de hacer arte
28:09 La maternidad, el cuidado y la comunidad
31:02 El reflejo de una madre en sus obras
33:35 Proceso creativo de Mariela
35:55 Documenta y sus dificultades
39:45 La unión con el arte y desde el arte
41:20 ¿Qué te gustaría que provoque tu obra?
43:17 Experiencia en residencia de Collegium
46:54 ¿Que se debería enseñar en las escuelas?
49:50 Mensajes al publico
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🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Luis Adelantado & Artista, Irma Álvarez-Laviada
- https://bit.ly/4jdcPmS
- https://bit.ly/3Es3SqM
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🔗 Menciones: Museo Reina Sofía, MASP, MALBA, Documenta Fifteen, Bienal de Berlín, Collegium (Arévalo), Serigrafistas Queer, Travesía Cuatro y más.
Publicado hace 10 mesesDuración: 51:00
2.94K
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Coleccionista: ¿Cómo se construye el ojo de un coleccionista? - Gerardo Van Waalwijk | #81
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Gerardo van Waalwijk van Doorn arquitecto y coleccionista argentino que vive en Barcelona y dirige su estudio RARDO Architects. Desde su primer encuentro con un dibujo de Cocteau hasta su colección diversa y viva, Gerardo nos habla sobre cómo el arte transforma los espacios, cómo se cultiva una mirada contemporánea y por qué coleccionar es un acto de escucha y riesgo.
Una conversación íntima y cargada de reflexiones sobre el arte, la arquitectura, la belleza, la colección y el paso del tiempo.
🔗 Participó en exposiciones en ProjecteSD, Kunsthalle Zürich y Barcelona Gallery Weekend. Forma parte del patronato del MACBA y ha prestado obras a museos y bienales internacionales.
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00:00 Intro
01:46 Galería Invitada
02:03 Gerardo Van Waalwijk: Inicios y trayectoria en el arte
05:47 La formación en fotografía artística
12:03 El cambio de fotografía a arquitectura
14:31 La relación de la arquitectura y el arte
21:02 El camino de un coleccionista
25:59 Las obras y sus anécdotas
30:43 Las líneas invisibles que unen una colección
38:20 La belleza de las obras
42:28 El arte conceptual y contemporáneo
43:37 Cambios de arquitectura clásica y moderna
47:05 Lo que se busca al coleccionar
52:29 Proceso de coleccionar en pareja
54:43 La importancia de aprender y escuchar
57:31 La intuición comprando obras
59:47 El legado de las colecciones y arquitectura
1:03:27 Lo único del arte contemporáneo
1:10:20 Mensaje al publico
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👉 Sigue a Gerardo van Waalwijk van Doorn en Arteinformado: https://bit.ly/4eRYTNV
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🔗 Recursos mencionados y exposiciones relacionadas:
• Exposición “Never Never Land” de Ana Jotta – ProjecteSD, Barcelona
👉 https://bit.ly/40LyFGS
• “Composição” – Ana Jotta en Kunsthalle Zürich (2024)
👉 https://bit.ly/40FQI19
• The Collector is Present – Barcelona Gallery Weekend
👉 https://bit.ly/44LrAHN
• Sara Facio: Fotografías 1960–2010 – Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina)
👉 https://bit.ly/3Ij9WUh
• Perón (1972–74) de Sara Facio – Archivo en Malba
👉 https://bit.ly/4nMwH3g
• RARDO Architects – Estudio de Gerardo van Waalwijk van Doorn
👉 rardoarchitects.com
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🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, La Oficina & Artista, Carla Filipe
- https://bit.ly/44lJqRB
- https://bit.ly/3Ztj1zD
Para este episodio, la Galería La Oficina, presenta a la artista Carla Filipe, cuyo trabajo deriva de un enfoque por el cual un tema y su tratamiento artístico consecutivo se desmoronan en su propia y característica "arqueología del presente", en la que una combinación de palabras y temas crea el potencial para la ambigüedad.
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Publicado hace 10 mesesDuración: 1:11:58
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Artistas Indígenas: El arte contemporáneo nos expuso al mundo - Santiago y Rember Yahuarcani | #80
¿Puede un cuadro contener el rumor de los árboles, la voz del jaguar y la memoria de los ancestros?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Santiago y Rember Yahuarcani, padre e hijo, artistas indígenas uitoto cuyas obras han transformado el arte contemporáneo desde la selva amazónica hasta el MoMA. A través de un diálogo entre generaciones, exploramos cómo el arte puede ser medicina, archivo, activismo y puente espiritual. Hablamos del pensamiento uitoto, los límites entre artesanía y arte, la amenaza a los saberes ancestrales, y lo que implica exponer una cosmogonía sagrada en los circuitos globales del arte.
Una conversación poderosa sobre autorrepresentación, legado y el derecho a contar la propia historia.
00:00 Intro
01:43 Galería Invitada
02:01 Infancia y primeros dibujos
06:08 Arte como sustento familiar
09:02 Rember y la herencia artística
12:53 Del arte artesanal al contemporáneo
14:39 Coca, tabaco y visiones
20:00 Pintar lo invisible
23:38 Los cambios de generación en culturas indigenas
30:22 Practias que deberian de estar cambiando
33:44 Bienal, MoMA y reconocimientos
37:33 Mercado y desarraigo
41:18 ¿Como los cambiaron estos exitos?
47:06 Somos Raices: Pintura en familia
49:46 Conocimientos secretos y las obras
54:21 Arte Amazónico y Arte indígena
59:30 Cierre y agradecimientos
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👉 Sigue a Santiago y Rember Yahuarcani en Arteinformado:
- https://bit.ly/4nOxErR
- https://bit.ly/4eui0gO
📍 Exposición actual "Somos raíces. Santiago Yahuarcani y Nereyda López" en Círculo de Bellas Artes: https://bit.ly/4lf8fpo
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Pradiauto & Artista, Blanca Guerrero
- https://bit.ly/4leIdCJ
- https://bit.ly/4lgdMvS
Para este episodio, la Galería JPradiauto, presenta a la artista, Blanca Guerrero. Su proceso parte de un ejercicio de observación consciente, al tiempo que renuncia a sí misma ante ciertos paisajes, momentos o entornos; al producir su obra, regresa a esos instantes e intenta reflejar su experiencia visual y corporal.
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Publicado hace 10 mesesDuración: 1:00:06
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Artista: Lo que aprendí de Marina Abramović, Cate Blanchett y Yoko Ono - Hugo Huerta | #79
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con el artista visual Hugo Huerta Marín, reconocido por su libro "Portrait of an Artist". Hugo nos lleva detrás de cámaras de sus entrevistas íntimas con algunas de las figuras más influyentes del arte y la cultura contemporánea, incluyendo a Marina Abramović, Cate Blanchett, Yoko Ono y Uma Thurman. Exploramos cómo la fama y el éxito pueden transformar el proceso creativo y descubrimos anécdotas fascinantes, como la peculiar petición de Yoko Ono para proteger su cabello y las profundas reflexiones de Marina Abramović sobre disciplina y autenticidad artística. Una conversación imprescindible sobre el impacto de la celebridad en el arte y las experiencias únicas de Hugo con figuras icónicas.
00:00 Intro
01:47 Galería Invitada
02:03 De México a retratar a Yoko Ono y Cate Blanchett
04:22 ¿Cómo conoció a Marina Abramović?
08:00 Trabajar en el Guggenheim y el encuentro clave
12:00 Su práctica artística: contar historias e instalar memoria
13:00 Libro "Portrait of an Artist
14:30 Polaroids, entrevistas y mechones de cabello
20:30 El proyecto se convierte en libro
22:00 Las preguntas filosóficas y el proceso curatorial
25:00 ¿Cómo llegó a grandes figuras culturales?
28:00 El esfuerzo detrás del libro: tiempo, dinero y viajes
30:45 ¿Quiénes fueron las más difíciles de entrevistar?
33:20 Lo que une a estas mujeres extraordinarias
35:00 Cómo logró momentos íntimos con cada retratada
36:00 Sexo, tabú y Lars von Trier
38:00 Próximo libro: artistas queer, trans y outsiders
42:00 Ver sin maquillaje: una mirada honesta y humana
44:00 10 años trabajando junto a Marina Abramović
46:00 Disciplina, espiritualidad y los límites del cuerpo
48:00 Crítica al mercado del arte y las ferias
50:00 Colaborar con Marina: intuición y método
52:00 Celebridad, dinero y el riesgo del confort
54:55 ¿Qué es lo más honesto que puede decir sobre sí mismo?
56:00 Cierre: dónde conseguir el libro
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📖 Libro "Portrait of an Artist" de Hugo Huerta Marín: https://bit.ly/4njHVvx
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Luis Adelantado & Artista, Irma Álvarez-Laviada
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Para este episodio, la Galería Luis Adelantado, presenta a la artista Irma Álvarez-Laviada, una de las creadoras con mayor proyección de la escena del arte contemporáneo en España.
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Publicado hace 10 mesesDuración: 56:58
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Curador: En el arte, es imposible evitar el escándalo - Cuauhtémoc Medina | #78
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Cuauhtémoc Medina sobre la creciente presión moral que enfrenta el arte contemporáneo. ¿Por qué exigimos niveles éticos y morales al arte que no aplicamos con la misma intensidad en otras áreas sociales y políticas? A través de casos como la polémica en torno a la obra de Ana Gallardo en el MUAC, analizamos cómo las expectativas de perfección moral pueden convertirse en herramientas de censura.
▶️ Mira también nuestra entrevista con la artista Ana Gallardo: https://bit.ly/3Tu5bcy
00:00 Intro
01:50 Galería Invitada
02:09 ¿Sigue siendo el arte un espacio de discrepancia?
02:56 De historiador a curador: su camino académico
03:49 Familia e influencias personales
08:03 Investigador de la UNAM
10:17 El arte como campo de batalla de ideas
12:41 Entrada y legado en el MUAC
14:52 El caso Ana Gallardo: obra, escándalo y reflexión
26:05 Se necesita restaurar el diálogo en el campo artístico
29:18 ¿Crisis del arte contemporáneo o cambio de era?
35:03 La relación entre arte, política y cultura
40:32 Globalización, homogenización y autocriticas
50:16 Reflexión crítica sobre el modelo cultural mexicano
58:58 El papel de la educación y los museos
01:02:36 Futuro de Cuauhtémoc Medina
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👉 Sigue a Cuauhtémoc Medina en Arteinformado: https://bit.ly/45xyvXa
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Alarcón Criado & Artista, Irene Infantes
- https://bit.ly/3DRXPeK
- https://bit.ly/4iN8RAK
Para este episodio, la Galería Alarcón Criado, presenta a la artista Irene Infantes, cuyo trabajo teje una narrativa que conecta la herencia textil con las preocupaciones contemporáneas sobre la sostenibilidad, la identidad y la forma en que habitamos los espacios.
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Publicado hace 10 mesesDuración: 1:04:49
5.18K
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