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Arte En Diálogo
¡Bienvenidos a "Arte en Diálogo"! En este podcast, nos sumergimos en el fascinante mundo del arte. A través de entrevistas con los protagonistas más relevantes de la industria, descubrimos las historias detrás de las obras, el pensamiento de los coleccionistas, la visión de los galeristas y las tendencias emergentes. Siempre con una voz fresca y dinámica que busca romper el corset del arte, sin perder la esencia y el conocimiento profundo de la industria.
2 añosAntigüedad
97 horasContenido
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6 díasÚltimo
8 díasFrecuencia
55 minDuración
Artista: Estamos en una Época de Amnesia Colectiva - Daniel Canogar | #102
Algunos artistas trabajan con mármol... Otros con pintura... Daniel Canogar trabaja con la basura electrónica de nuestra era: DVDs, cables, pantallas, bombillas fundidas, datos en tiempo real. Con aquello que desechamos construye memoria.
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con uno de los pioneros del arte digital y generativo sobre el tiempo, la obsolescencia y la fragilidad de la memoria en un mundo saturado de información. Canogar se define como un arqueólogo de la era digital: alguien que recoge los restos tecnológicos de nuestro presente para entender quiénes somos y qué estamos olvidando.
00:00 Intro
01:45 Galería invitada
02:04 Daniel Canogar: fotografía, adolescencia y laboratorio
03:12 Nueva York, salir de la sombra y encontrar una voz propia
05:18 Primeros proyectos y ARCO: la serie Brownie Hawkeye
09:11 Formación, maestros y creer en uno mismo como artista
13:53 De la imagen al espacio: luz, proyección y experiencia
15:26 Obsolescencia, basura tecnológica y arqueología del presente
21:03 Humanizar la tecnología y dar nueva vida a los objetos
23:36 Small Data: memoria, bodegones y tecnología abandonada
26:06 DVDs, archivo y el fin de lo tangible
29:45 Arte público y participación: Times Square y la serie Asalto
33:30 Autoría, trabajo colectivo y el estudio como taller renacentista
36:55 Arte generativo y tiempos algorítmicos
39:00 Arte en el espacio público: el aeropuerto de Tampa
40:59 El Prado derritiéndose: historia del arte y lo digital
43:56 Conservación, coleccionismo y futuro de la obra tecnológica
46:06 El artista como empresario y economía del arte
51:15 Consejos para artistas: trabajar, invertir y resistir
53:26 Historia del arte, memoria y referencias al pasado
57:41 Memoria, amnesia digital y crítica a Silicon Valley
01:02:24 Inteligencia artificial: herramienta, no sustituto
01:04:53 Cómo le gustaría ser recordado
01:05:32 Cierre y despedida
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🖼️ Galería Invitada: Elba Benítez & Artista: Jorge Pardo
Arte en Diálogo colabora con la Galería Elba Benítez, un espacio reconocido por su apuesta por proyectos que exploran los límites entre arte, arquitectura y vida cotidiana. Desde su fundación en Madrid, la galería ha sido un referente en el diálogo entre disciplinas, presentando obras que invitan a repensar la experiencia del espacio y la percepción.
El artista invitado es Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963), quien vive y trabaja entre Mérida (México) y Nueva York (EE. UU.). Su práctica sintetiza escultura, pintura, diseño y arquitectura, en una propuesta ecléctica que combina artesanía, tecnología y estética.
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/47yLtDc
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Publicado hace 7 díasDuración: 1:08:02
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Curadora: “Hay códigos institucionales que decidí no aceptar.” – Isabella Lenzi | #101
🎙️ ¿Es posible descolonizar una institución desde adentro?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Isabella Lenzi, directora artística de la Fundación Alberto Cruz en Santo Domingo, República Dominicana, y curadora de Artes Visuales del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su mirada entre el Sur global y las estructuras institucionales europeas nos lleva a pensar la curaduría como un acto de traducción, desplazamiento e incomodidad.
Desde su experiencia en exposiciones como Somos raíces hasta su formación entre São Paulo, Londres y Madrid, Isabella comparte cómo se construye una práctica curatorial crítica, sensible y comprometida con otras formas de habitar el museo.
💬 Hablamos de archivo y oralidad, arte indígena y exotización, trabajo precario, lenguaje institucional y el poder de hacer preguntas desde adentro.
00:00 Intro
01:53 Galería invitada
02:10 Isabella Lenzi: De la arquitectura a la curaduría
06:40 Diáspora, desplazamiento y mirada decolonial
09:45 Instituciones, poder y crítica institucional
12:09 El espacio no es neutro: arquitectura y exposición
15:29 Curar es cuidar, traducir y acompañar
17:17 ¿Qué es el Sur Global?
19:15 Precariedad, visados y desigualdad estructural
22:36 Cómo se legitima una práctica curatorial
26:09 Vulnerabilidad, género y desigualdad en el comisariado
29:03 Arte latinoamericano y el riesgo de lo exótico
33:08 Traducción cultural y mediación con comunidades indígenas
38:12 Activar el cuerpo: desacralizar el museo
40:19 Colectividad, autoría y participación del espectador
42:13 El Círculo de Bellas Artes: historia y transformación
47:49 La curaduría como responsabilidad ética
51:09 Trabajar entre instituciones y territorios
55:42 Extractivismo cultural y dilemas éticos
57:50 La ética del comisario hoy
01:01:45 Consejos para nuevas generaciones
01:04:18 Reflexión final: comunidad, diálogo y futuro
01:07:06 Cierre del episodio
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🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado hace 14 díasDuración: 1:07:26
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Fotógrafa Experta: “Quien dé a la fotografía por muerta… está equivocada.”– Yolanda Andrade | #100
“Mi cámara no es una máquina, es una forma de estar presente.”
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Yolanda Andrade, fotógrafa mexicana que ha capturado la vida urbana, los cuerpos femeninos y la historia política de México desde los años 80 hasta hoy. Su trabajo, poético y crítico a la vez, convierte el espacio público en un archivo de emociones, luchas y belleza.
Hablamos sobre su práctica en las calles, la fotografía como acto político y la memoria como resistencia. Un retrato honesto y poderoso de una artista que ha hecho de la ciudad su estudio y de la cámara su voz.
📍 Obras en: Museo de Arte Moderno, INBA, Fundación Televisa, Casa de las Américas y más.
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Yolanda Andrade: https://bit.ly/4pnyjQI
Exposicion “cedemequis”: https://bit.ly/3Xa9snE
Galería Memoria: https://bit.ly/41L15Cj
🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado hace 1 mesDuración: 49:10
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Coleccionistas: Coleccionar es Equilibrar Pasión, Intuición y Mercado – Chehebar & Katz | #99
🎙 ¿Se puede coleccionar con el corazón… y con estrategia?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Alberto Chehebar y Jocelyne Katz, coleccionistas latinoamericanos que han hecho del arte una forma de vida, inversión y complicidad en pareja. Desde el impacto de Instagram en sus decisiones de compra hasta la importancia de vender para seguir coleccionando, hablan sin filtros del mercado, la pasión y las emociones detrás de cada obra.
Hablamos de vulnerabilidad, ferias, inversión, artistas emergentes y de cómo las redes sociales están transformando el mercado del arte.
00:00 Intro
01:52 Galería Invitada
02:09 Alberto y Jocelyn: Infancia, formación y el origen del coleccionismo
04:27 Su historia juntos y casarse dentro de una obra de arte
05:51 Los inicios de Alberto como coleccionista
08:14 Transición hacia la fotografía y consolidación como coleccionista
10:09 Cómo cambia la colección cuando es “a dos voces”
14:56 ¿Cómo deciden qué comprar y qué cuelga en casa?
16:39 La casa como laboratorio curatorial
18:43 ¿Qué buscan en una obra? Entre luz, emoción e incomodidad
22:12 Su ritmo de ferias y visitas a estudios
23:45 El valor de conocer al artista en su estudio
26:07 Qué pasa cuando el artista no sabe hablar de su obra
29:15 Apoyar artistas jóvenes y comprar obra “verde”
30:28 Acompañamiento del artista a lo largo de los años
34:14 Arte, inversión y transparencia con los artistas
36:16 Instagram como herramienta clave del coleccionismo
40:04 Cómo detectan talento a través de redes
43:36 La reventa, el mercado y las prácticas del sistema
55:13 Aprender a soltar obras importantes
58:17 Su casa como obra de arte viva
59:00 ¿Qué pasará con su colección cuando no estén?
01:01:08 Lo mejor y lo más difícil del coleccionismo en pareja
01:02:47 Cierre del episodio
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🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado hace 2 mesesDuración: 1:03:11
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Artista: El artista que está cambiando los monumentos del mundo – Iván Argote | #98
🎙️ ¿Puede un monumento acostarse, reírse o besar?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Iván Argote, artista colombiano que ha intervenido espacios públicos y museos de todo el mundo con un enfoque profundamente político y afectivo. Desde la Bienal de Venecia hasta el High Line de Nueva York, sus obras proponen una nueva relación con la historia, el poder y la ciudad: una en la que la ternura radical se convierte en estrategia de resistencia.
00:00 Intro
01:37 Galería Invitada
01:53 Iván Argote: Infancia sindicalista y formación política
04:43 La escuela religiosa y aprender oficios
06:31 Crecer en un contexto violento y la filosofía de vida familiar
07:09 Ética del trabajo y mezclar vida y arte
08:14 La calle como medio artístico
08:26 Estudios, filosofía, cine y primeros pasos como artista
09:06 Su primer premio y comienzo profesional
12:53 ¿Por qué París y no Nueva York?
15:01 ¿Qué buscabas al irte? El choque con el mundo del arte
16:18 Contactar una gran galería siendo estudiante
19:59 La distancia entre vida, academia y museo
22:01 Primeras acciones: lamer el metro y los videos de afecto
25:28 Vandalizar sin vandalizar: jugar con la historia del arte
29:07 El cumpleaños en el ascensor y crear comunidad
30:13 Trabajar con monumentos e historia
33:48 ¿Qué representan realmente los monumentos?
37:49 Intervenciones en Madrid: ponchos, humor y policía
39:04 Su primera exposición institucional en Madrid
41:55 Reconectar museo, barrio y ciudadanía
44:16 El Dinosaurio: monumento a los indeseados
50:22 El concepto de “ternura radical”
52:43 Negociar con la ciudad y con la historia
53:29 ¿Cómo surgen sus ideas? Proceso creativo
58:09 El taller como laboratorio de investigación
59:47 Qué quiere lograr en el futuro
01:04:23 Ser migrante y mirar el mundo desde afuera
01:07:51 Cubrir grietas con poesía en Madrid
01:09:44 El arte como forma de cuidar la ciudad
01:09:50 Despedida
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🖼️ Obra expuesta: La Cometa & Miguel Ángel Rojas:
La Cometa presenta la obra de Miguel Ángel Rojas, un artista cuya amplia trayectoria ha abordado una multiplicidad de temáticas. Su obra está marcada por una fuerte presencia de elementos subjetivos y un cuidadoso diálogo con el discurso del arte y los problemas de su entorno. Algunas de las preocupaciones que atraviesan su investigación incluyen la sexualidad, la ecología, el narcotráfico y sus repercusiones. Se trata, entonces, de una trayectoria extensa y sólidamente anclada en un contexto de vida que le confiere originalidad y, al mismo tiempo, una relevancia artística y política significativa.
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Publicado hace 2 mesesDuración: 1:10:07
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Crítico de Arte: ¿Por Qué Todos Hablan de Ferias y Bienales en el Arte? - Paco Barragán | #96
En este episodio de Arte en Diálogo, el curador y crítico Paco Barragán pone el sistema del arte bajo la lupa: desmonta mitos sobre neutralidad institucional, cuestiona la historia oficial del arte y explica por qué hoy las ferias se parecen a bienales… y las bienales se están ferializando.
Hablamos del cubo blanco, el capital simbólico, la evolución del papel del curador y del artista como emprendedor cultural. Un episodio imprescindible para quienes quieren entender cómo funcionan las estructuras reales del arte contemporáneo.
00:00 Intro
01:28 Galería Invitada: Elba Benítez con Jorge Pardo
01:40 Paco Barragán: La Feria y la Bienal
03:07 El problema conceptual del arte y el dinero
07:48 Trayectoria y Formación de Paco Barragán
09:18 La Época Dorada de ARCO (Octavio Zaya y los pesos pesados)
11:51 Creación de un nicho: entrevistas y asuntos externos
15:45 Desmitificando el arte: El caso de Ernst Beyeler y Art Basel
18:50 La necesidad de estudiar la historia oral y los archivos
19:11 Definición: Feria vs. Bienal
21:25 Convergencia: Las Bienales comercializan tarjetas VIP
23:55 Genealogía de las Ferias: de las ferias romanas a las industriales
30:00 Genealogía de las Bienales: del Festival de Olimpia a la Bienal de Venecia
34:33 El modelo de Bienal Neoliberal
37:48 Ferias: Estrategia de dotar de contenido simbólico
43:47 El Financiamiento Mixto en la Bienal de Venecia
45:48 Documenta como modelo con presupuesto propio
50:15 El curador y el marketing
54:15 El artista emprendedor vs. el bando anti-moderno
01:00:14 ¿Qué ha cambiado en realidad? Conocimiento vs. Aceptación
01:07:24 Arte Pop y Conceptual: El arte se hace más complejo y la filosofía entra en la estética 01:09:59 La crítica al Museo Participativo
01:17:57 La participación según el MoMA: Hacerse un selfie
01:19:44 El peligro de la tendencia: No es peligro, es una bendición neoliberal
01:22:24 La precariedad como vanguardia
01:24:13 Reflexión final: Aprender de la historia y el dato de precariedad de los artistas en 1530 01:24:54 Cierre
📚 Referencias mencionadas:
• The Art Fair Age – Paco Barragán: https://bit.ly/4igD5NS
• From Roman Feria to Global Art Fair: https://bit.ly/3MbZyzj
• “El vértigo de la vida moderna” – DA2 Salamanca: https://bit.ly/3KdsJ4w
• Making Modernism – libro: https://amzn.to/43IfVtD
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🖼️ Galería Invitada: Elba Benítez con el artista, Jorge Pardo.
Arte en Diálogo colabora con la Galería Elba Benítez, un espacio reconocido por su apuesta por proyectos que exploran los límites entre arte, arquitectura y vida cotidiana. Desde su fundación en Madrid, la galería ha sido un referente en el diálogo entre disciplinas, presentando obras que invitan a repensar la experiencia del espacio y la percepción.
El artista invitado es Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963), quien vive y trabaja entre Mérida (México) y Nueva York (EE. UU.). Su práctica sintetiza escultura, pintura, diseño y arquitectura, en una propuesta ecléctica que combina artesanía, tecnología y estética.
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Publicado hace 2 mesesDuración: 1:25:16
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Coleccionista: La Mejor Fórmula para Elegir Arte - Francisco Jaramillo | #95
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Francisco “Pancho” Jaramillo, coleccionista ecuatoriano radicado entre América y Europa, sobre cómo construir una colección con propósito. Su historia va más allá del gusto o la acumulación: Pancho entiende el coleccionismo como una forma de pensamiento, un lenguaje simbólico y una práctica relacional.
Desde su amor por la abstracción geométrica hasta las decisiones racionales de adquisición, Pancho comparte reflexiones personales, emocionales y políticas sobre el rol del coleccionista en el ecosistema del arte.
00:00 Intro
01:22 Galería Invitada
01:34 Pancho Jaramillo: Origen en el arte
05:10 De coleccionismo pasivo a reflexivo
06:02 Su primera obra
07:32 La colección institucional del banco
09:08 Emoción vs razón al comprar
14:02 Colección institucional vs privada
15:16 Qué es habitar el arte
18:24 Por qué lo atrae la abstracción geométrica
21:08 Cómo es su colección hoy
24:14 La colección como ciudad utópica
26:34 Cómo decide una compra
28:55 Cómo compra arte hoy
30:06 Coleccionismo vivencial y solidario
32:11 La ecuación de las 6 C
36:00 Qué es ser coleccionista
36:41 Cómo convive con las obras
39:48 Obras difíciles de conseguir
45:02 Piezas clave de su colección
46:57 El futuro de su colección
49:36 Qué lo inspira hoy
52:04 La escena artística actual
53:23 Aprender del error
56:22 Cierre
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🖼️ Galería Invitada: Elba Benítez con el artista, Jorge Pardo.
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Publicado hace 3 mesesDuración: 57:46
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Galeristas: ¿Cómo se mantiene una galería viva durante 40 años? – Esteban y Paloma Jaramillo | #94
¿Cómo se construye una galería con espíritu familiar y ambición global?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Esteban y Paloma Jaramillo, fundador y directores de La Cometa, una galería que nació en Bogotá en los años 80 y hoy tiene presencia en Madrid, Medellín, Miami y Bogotá.
Exploramos el equilibrio entre arte y negocio, los retos de abrir sedes en mercados tan distintos, cómo sostener vínculos duraderos con artistas como Miguel Ángel Rojas o Olga de Amaral, y qué significa mantener viva una obra en el tiempo a través del mercado secundario.
00:00 Intro
1:41 Galería Invitada
1:53 El comienzo de “La Cometa”
10:50 Trabajo con artistas y los errores
12:20 El valor del mercado secundario
14:10 Construir confianza con artistas y coleccionistas
15:30 Paloma y el reto de abrir en Madrid
17:40 Empezar sin contactos: una galería desde cero
19:30 Los impuestos y el reto de España
21:10 Adaptarse a cada mercado: Bogotá, Miami y Madrid
23:40 Formar nuevos coleccionistas
26:00 Crecer en una familia de arte
28:00 Trabajar en familia sin pelearse
30:00 Expandirse al mundo: la visión internacional
32:00 Errores, aprendizajes y reinvención
36:30 La lealtad de los artistas
38:30 Por qué no se puede frenar su carrera
40:00 Rompiendo prejuicios sobre el mercado secundario
42:00 Cómo llegan los nuevos artistas
44:20 Ética entre galerías y competencia
47:00 Relación con museos y curadores
49:30 Ferias, gastos y equilibrio
52:20 Democratizar el arte
54:00 El sueño detrás de La Cometa
57:00 Tercera generación y cierre
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🖼️ Obra expuesta en este episodio:
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Publicado hace 3 mesesDuración: 58:53
4.22K
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Curadora: ¿Para qué sirve un curador? – María Wills Londoño | #93
¿Puede el arte ser selfie, archivo y resistencia a la vez?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con María Wills, una de las curadoras más influyentes de América Latina. Investigadora, exdirectora de Artes del Banco de la República de Colombia, y mente detrás de exposiciones que cruzan archivo, artesanía, activismo y estética popular.
Hablamos sobre el rol curatorial, los prejuicios hacia lo lúdico y lo popular, las tensiones en torno a la representación y el territorio, y su visión sobre cómo se narra (y se oculta) la historia del arte desde el sur global.
Desde la polémica por los “espejos para selfies” en bienales, hasta la necesidad de protocolos éticos al trabajar con comunidades, María propone incomodar etiquetas y pensar la curaduría como práctica crítica.
00:00 Intro
01:31 Galería invitada
01:43 María Wills: Sus inicios en el arte
04:26 El Banco de la República y su formación curatorial
07:01 De la fotografía a los cruces entre arte y artesanía
12:55 La curaduría en Colombia y sus pioneros
15:14 Mujeres, fisuras y detección de historias olvidadas
16:31 Qué significa ser curadora hoy
21:07 “Sembrar la duda”: redefinir el arte y dar voz a comunidades
29:02 “Amazofuturismo”: arte indígena y nuevas narrativas
30:20 Arte, artesanía y cultura material
35:04 Olga de Amaral y el rol de las mujeres en el arte
41:22 La Bienal de Arte y Ciudad de Bogotá
46:42 Arte, felicidad y participación del público
55:20 Retrospectiva de Miguel Ángel Rojas en el Reina Sofía
57:47 Diálogo entre España y Latinoamérica
59:47 Qué le ha dado el arte y lo que cambiaría del sistema
01:02:12 Cierre y despedida
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🖼️ Galería Invitada: Elba Benítez & Artista: Jorge Pardo
Arte en Diálogo colabora con la Galería Elba Benítez, un espacio reconocido por su apuesta por proyectos que exploran los límites entre arte, arquitectura y vida cotidiana. Desde su fundación en Madrid, la galería ha sido un referente en el diálogo entre disciplinas, presentando obras que invitan a repensar la experiencia del espacio y la percepción.
El artista invitado es Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963), quien vive y trabaja entre Mérida (México) y Nueva York (EE. UU.). Su práctica sintetiza escultura, pintura, diseño y arquitectura, en una propuesta ecléctica que combina artesanía, tecnología y estética.
ℹ️ Información sobre el artista: https://bit.ly/47yLtDc
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Publicado hace 3 mesesDuración: 1:02:39
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Guardias de Sala: Relatos de quienes cuidan el arte - Parte 2: Luis Pérez Calvo, Reina Sofía | #92
¿Se puede dibujar la historia de una ciudad con tebeos, discos y vitrinas de museo?
En la segunda parte de este especial, conversamos con el artista Luis Pérez Calvo, quien trabajó durante años como guardia de sala en el Museo Reina Sofía. Luis nos lleva por sus recuerdos vigilando obras, sus anécdotas más absurdas y conmovedoras, y el proceso de convertirse en artista sin dejar de observar. Una charla sobre vocación, paciencia, humor y cómo un museo puede ser la mejor escuela de arte.
🔗 Este episodio forma parte del especial Guardias de Sala: https://bit.ly/3IMrdG3
00:00 Intro
01:44 Galería invitada: Luis Adelantado x Irma Álvarez La Viada
02:00 Entre el arte y el público: Luis Pérez Calvo
04:25 Su conexión con la calle y el dibujo autodidacta
06:19 Cómo terminó trabajando en el museo
08:06 La primera entrevista y su entrada al Reina Sofía
10:09 Estar solo entre obras: arte conceptual vs. pintura
11:12 Curiosidades y secretos de las salas
12:32 Reacciones del público: “¿Esto es arte o basura?”
13:03 Dibujar en el museo y sus cuadernos personales
15:03 Su universo artístico: discos, cómics y vida urbana
17:20 Cómo encontró su voz y empezó a vivir del arte
18:18 Inspiración trabajando entre obras maestras
19:28 Técnica, materiales y proyectos actuales
20:16 Cerámica, barro y tradición artesanal
22:00 El placer de observar al público mirar su obra
23:00 Inspiraciones: publicidad, objetos antiguos y cromos
25:02 El equilibrio entre arte y otros trabajos
28:00 Sueños, anécdotas y el futuro del artista
30:31 Lo que deberíamos saber de los guardias de sala
33:20 Madrid como inspiración y su rol de cronista
34:45 Cierre y despedida
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👉 Sigue al Museo Reina Sofía en Arteinformado: https://bit.ly/48zlwph
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Luis Adelantado & Artista, Irma Álvarez-Laviada
- https://bit.ly/4jdcPmS
- https://bit.ly/3Es3SqM
Para este episodio, la Galería Luis Adelantado, presenta a la artista Irma Álvarez-Laviada, una de las creadoras con mayor proyección de la escena del arte contemporáneo en España.
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Publicado hace 3 mesesDuración: 34:55
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Guardias de Sala: Relatos de quienes cuidan el arte - Parte 1: María Rodríguez, CA2M | #92
¿Quién cuida al arte… y a quienes lo visitan? En la primera parte de este especial, damos voz a una figura fundamental pero casi invisible en el mundo del arte contemporáneo: los y las guardias de sala.
Conversamos con María Rodríguez, coordinadora del equipo de vigilancia del CA2M – Centro de Arte Dos de Mayo, sobre lo que significa habitar las exposiciones cada día, observar al público, acompañar artistas y vivir transformaciones inesperadas a través del arte. Una charla sobre anécdotas paranormales, obras que emocionan, formaciones con artistas y visitantes que vuelven una y otra vez…
📍 Esta es la primera parte de un especial en dos episodios sobre guardias de sala.
Mañana publicamos la segunda parte con Luis Pérez Calvo, del Museo Reina Sofía.
00:00 Intro
01:44 Galería Invitada
02:00 María Rodríguez, ocho años en el museo
05:06 Formación con artistas y transformación personal
07:55 El K2M y su relación con la comunidad de Móstoles
10:36 Reacciones del público ante el arte contemporáneo
13:44 Anécdotas y curiosidades en sala
15:16 Niños, adultos y formas de mirar el arte
16:36 Visitantes habituales y cambios en el público
20:17 Exposiciones que la marcaron
23:52 El valor invisible del trabajo de los vigilantes
25:24 Cómo el arte le cambió la vida
26:42 Experiencias paranormales en el museo
30:11 Artistas, emociones y primeras exposiciones
33:18 Reflexión final y cierre
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👉 Sigue al CA2M en Arteinformado: https://bit.ly/4orvNZt
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Pradiauto & Artista, Blanca Guerrero
- https://bit.ly/4leIdCJ
- https://bit.ly/4lgdMvS
Para este episodio, la Galería JPradiauto, presenta a la artista, Blanca Guerrero. Su proceso parte de un ejercicio de observación consciente, al tiempo que renuncia a sí misma ante ciertos paisajes, momentos o entornos; al producir su obra, regresa a esos instantes e intenta reflejar su experiencia visual y corporal.
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Publicado hace 3 mesesDuración: 34:28
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Gestor Cultural: Lo Que Pasa Cuando el Arte Incomoda al Poder – José Luis Pérez Pont | #91
🎙️ ¿La política se ha metido demasiado en la cultura?
En este episodio de Arte en Diálogo hablamos con José Luis Pérez Pont, abogado, crítico y gestor cultural, quien estuvo al frente del Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) en Valencia durante siete años.
Hablamos de gestión cultural, acceso democrático al arte, censura, autocensura y los retos de sostener un proyecto público comprometido con la libertad. También reflexionamos sobre su polémica destitución en 2023, y lo que revela sobre el impacto del poder político frente a las instituciones culturales.
📍Esta conversación fue grabada en marzo de 2025. Revisa aquí las actualizaciones del caso:
1. El despido de Pérez Pont declarado improcedente: https://bit.ly/4mUyRfd
2. La carta de despido carecía de precisión: https://bit.ly/48iVpTr
3. El Consorci de Museus asumirá la indemnización si no hay recurso: https://bit.ly/4nDftVi
4. Acusaciones políticas y defensa pública: https://bit.ly/4qiHQKm
00:00 Intro
01:56 Galería invitada
02:12 José Luis Pérez Pont: El derecho y el arte
05:30 La relación entre arte, cultura y derecho
07:17 Cultura y activismo: “Frente al centro comercial, el centro cultural”
10:35 Renovar el Centro del Carmen: apertura, diversidad y transparencia
14:08 Romper círculos cerrados y democratizar el acceso al arte
16:04 Mediación cultural: construir el relato con el público
17:40 El museo como espacio vivo y cotidiano
19:48 Retos de gestión y autonomía frente al poder político
21:53 ¿Existe el arte apolítico? Censura y auto censura
26:23 Miedo, errores, cambio y un cambio de vida
30:46 La cultura como identidad y motor de cambio
32:07 Falta de autoestima y políticas culturales en España
36:35 Educación y ética: bases para un futuro distinto
38:30 El cambio empieza en uno mismo
42:12 Diferencia entre un agitador y un gestor cultural
42:35 Nuevos proyectos y cierre
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👉 Sigue a José Luis Pérez Pont en Arteinformado: https://bit.ly/46J3Hml
---
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Jorge López & Artista, Javier Bravo de Rueda
- https://bit.ly/4jO4k1M
- https://bit.ly/4jOf6VH
Para este episodio, la Galería Jorge López, presenta a el artista peruano, Javier Bravo de Rueda, cuyo trabajo pone a prueba los límites de la gravedad, el color y la textura es relevante al tratar de desplazar los límites de las técnicas clásicas y tradicionales.
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Publicado hace 4 mesesDuración: 44:35
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Curadora: ¿Puede el arte vencer al tiempo? - Yolanda Romero, Banco de España | #90
¿Cómo puede el arte ayudarnos a resistir la tiranía del tiempo?
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Yolanda Romero, directora de Patrimonio Artístico del Banco de España, curadora, investigadora y una de las figuras clave en el desarrollo de políticas culturales y coleccionismo público en España.
Hablamos sobre el papel del arte en la construcción de memoria institucional, la relación entre el tiempo, el poder y los museos, y el ambicioso proyecto de crear un nuevo museo público en 2030 que integre arte, historia económica y arquitectura.
00:00 Intro
01:55 Galería Invitada
02:12 El Banco de España y su colección de 4,000 obras
03:13 Trayectoria y creación del Centro José Guerrero
08:54 Crisis y defensa ciudadana del museo
11:25 Museos, acceso público y gratuidad
15:30 Llegada al Banco de España en 2015
19:35 Orígenes del Banco y primeras colecciones
25:17 Tradición de retratos: de Goya a Leibovitz
35:14 El histórico retrato fotográfico de los Reyes
42:43 Símbolos y lecturas en la obra de Leibovitz
55:30 Apertura del Banco de España al público
01:03:08 Proyecto del Museo del Banco de España (2030)
01:08:57 Exposición La tiranía de Cronos y el tiempo
01:13:34 El arte como refugio y aprendizaje
01:15:35 Vida personal y conversación con el arte
01:16:44 Reflexión personal del arte
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- https://bit.ly/48chdQx
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Galería, Pradiauto & Artista, Blanca Guerrero
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Para este episodio, la Galería JPradiauto, presenta a la artista, Blanca Guerrero. Su proceso parte de un ejercicio de observación consciente, al tiempo que renuncia a sí misma ante ciertos paisajes, momentos o entornos; al producir su obra, regresa a esos instantes e intenta reflejar su experiencia visual y corporal.
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Publicado hace 4 mesesDuración: 1:17:45
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Artista: ¿Qué es la geometría sagrada? - Laura Mema | #89
🎙️ ¿Puede el arte sanar, revelar frecuencias invisibles o abrir portales?
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Laura Mema, artista visual e investigadora argentina que transforma vibraciones, geometrías y energías sutiles en obras inmersivas.
Desde el sonido de insectos convertido en tramas textiles, hasta instalaciones con luz, gemas y arquitectura medieval, su práctica propone un arte que no solo se mira, sino que se siente, se habita, y a veces… sana. Un episodio sobre arte, ciencia, naturaleza, espiritualidad, y cómo el arte puede ser una tecnología sensible para conectar con lo invisible.
▶️ Residencia artística de Laura Mema en Collegium: https://bit.ly/482mXMQ
📍 Menciones: MACBA, Collegium, Centro Cultural del Bicentenario, La Celestina, Universidad Complutense de Madrid.
🎨 Obras: Tinkunakuy, Sonic Geometry, Mi cama es un jardín, The Path of Pollen, Flux and Mutability, entre otras.
00:00 Intro
01:47 Galería invitada
02:04 Arte, espiritualidad y geometría sagrada
05:42 Infancia, formación y primeros pasos en el arte
08:58 Hacer visible lo invisible a través del sonido y el tul
10:03 Proyecto Tinku: cantos de cigarras y tejidos ancestrales
19:47 Healing, canalización y vibraciones como lenguaje universal
20:10 Geometría sagrada y su conexión con la naturaleza
25:40 Todo es vibración: ballenas, corales y patrones invisibles
29:00 Sonic Geometry en el MACBA (2021)
32:19 Naturaleza como inteligencia: flores, abejas y frecuencias
35:19 “Mi cama es un jardín”: arte vibracional y comunitario
40:20 Residencia en Arévalo: armas místicas y culturas ancestrales
49:23 Obras site-specific y ceremonia con la campana en el río
59:21 Reflexiones finales: portales energéticos y conexión interior
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👉 Sigue a Laura Mema en Arteinformado: https://bit.ly/4gE6qAK
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Publicado hace 4 mesesDuración: 1:01:46
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Cómo Atraer a Grandes Artistas con Pocos Recursos – Viviana Kuri: Directora de MAZ | #88
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Viviana Kuri, directora y curadora en jefe del Museo de Arte de Zapopan (MAZ), una de las instituciones más activas e innovadoras del arte contemporáneo en México. Hablamos sobre cómo el MAZ ha logrado traer a artistas de talla internacional como Tino Sehgal, Francis Alÿs, Mark Bradford, José Dávila o Melanie Smith, y cómo ha sido clave para descentralizar el arte desde Guadalajara.
Viviana comparte su visión sobre el papel del museo en su comunidad, los retos de gestionar un museo público con presupuesto limitado, y cómo se puede generar pensamiento crítico y nuevas formas de mirar desde el arte.
———
00:00 Intro
01:54 Galería invitada
02:11 Viviana Kuri: Descentralizar el arte en México
03:55 Museo de Arte en Zapopan (MAZ) y Esación Maz
06:08 Trayectoria de Viviana
09:05 La llegada de Viviana al MAZ y sus nuevos enfoques
12:39 Lo que hace el gran arte
13:41 Atrayendo a los mejores artistas
15:36 Tino Sehgal: El arte, la danza y sus obras
18:31 Cómo lograr exposiciones internacionales
20:01 Libertad creativa en México
21:20 La creatividad y el apoyo artistico
22:42 El origen del MAZ
25:07 Reto mas grande de la nueva sede
25:45 La gratuidad como forma de acceso universal
27:53 Inclusión de comunidades y actividades
31:07 Paridad de género en las exposiciones
31:53 Programas educativos para niños y adolescentes
33:20 Independencia curatorial frente al gobierno
34:22 Públicos vs. privados: diferencias en la gestión de museos
35:47 Nuevas alianzas y creación de un patronato
36:59 Exposiciones itinerantes y colaboración internacional
37:37 Anécdota de Tino Sehgal
39:17 ¿Cómo medir el éxito de una exposición?
42:11 Exposiciones que transforman: la experiencia personal de Viviana
43:23 Mark Bradford en Guadalajara: impacto y comunidad
44:13 Guadalajara como cuna artístico
45:55 Melanie Smith y la expansión de la pintura
46:14 ¿Cómo sería el museo de los sueños?
47:23 México: creatividad en medio de la adversidad
48:16 El proyecto con mujeres buscadoras y el arte como sanación
50:45 El papel del arte en España y en México
52:04 Cierre: el arte como acto de fe y regalo de vida
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📸 Todas las imágenes de este vídeo son cortesía del MAZ: https://bit.ly/46nzuI4
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- https://bit.ly/3I4H3eR
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Publicado hace 4 mesesDuración: 53:37
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Artista: Cómo conquistar el mundo del arte desde España - Teresa Solar | #87
En este episodio de Arte en Diálogo conversamos con Teresa Solar, una de las artistas españolas con mayor proyección internacional. Su obra escultórica habita un territorio intermedio entre lo biológico y lo industrial: grandes formas fluorescentes que nacen del barro y se convierten en túneles, espinas o criaturas futuristas. Un diálogo sobre valentía, materiales con memoria y el desafío de construir una carrera internacional desde Madrid, sin dejar de estar arraigada a su contexto.
--
00:00 Intro
01:56 Galería Invitada
02:13 Teresa Solar: Trayectoria como artista
03:38 Apertura Gallery Weekend
04:19 Raíces familiares: madre egipcia y choque de culturas
08:17 La transición hacia el barro y el roller derby
10:13 El barro como material y metáfora
17:01 Escalas monumentales y lo orgánico vs. lo industrial
19:00 Ciencia ficción, ficción y oposiciones en su obra
21:20 El metro de Madrid como inspiración estética
23:02 La tuneladora y tiempo profundo en la escultura
28:11 Obsesiones artísticas y preguntas recurrentes
29:03 La exposición en el MACBA: máquina de conocimiento
31:15 El extranjero como constante en su obra
33:03 Autorretrato como mujer embarazada
36:56 Bienales de Liverpool y Venecia: un punto de inflexión
38:02 El vértigo de exponer y encargos públicos
42:30 El proyecto “Cabalga, cabalga, cabalga” y sus críticas
49:00 Los cuadernos como mapas de pensamiento
53:30 La relación de Tere con México y su vibración espiritual
57:36 Crear desde Madrid frente a emigrar
01:00:56 El techo de cristal en la internacionalización
01:03:25 El ambiente artístico en España hoy
01:05:08 Proyectos actuales: escultura pública en Londres y gran individual en Hannover
01:08:23 Una reflexión final: valentía y honestidad en el arte
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👉 Sigue a Teresa Solar en Arteinformado: https://bit.ly/4p9LMfI
📍Noticia Relevante "Lehmann Maupin representa a Teresa Solar Abboud": https://bit.ly/41K64T5
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🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, La Oficina & Artista, Carla Filipe
- https://bit.ly/44lJqRB
- https://bit.ly/3Ztj1zD
Para este episodio, la Galería La Oficina, presenta a la artista Carla Filipe, cuyo trabajo deriva de un enfoque por el cual un tema y su tratamiento artístico consecutivo se desmoronan en su propia y característica "arqueología del presente", en la que una combinación de palabras y temas crea el potencial para la ambigüedad.
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Apertura: ¿Y si toda la ciudad fuera una galería de arte? - Pablo Flórez (Arte Madrid) | #86
En este episodio de Arte en Diálogo, hablamos con Pablo Flórez, presidente de Arte Madrid, sobre Apertura Madrid Gallery Weekend, el evento que cada septiembre inaugura más de 55 exposiciones al mismo tiempo y convierte Madrid en un museo vivo, gratuito y abierto a todos.
Conversamos sobre el crecimiento del evento, la colaboración entre instituciones, el perfil del nuevo coleccionista, y cómo este recorrido artístico rompe con la idea de que el arte es solo para unos pocos.
00:00 Intro
02:00 Galería Invitada
02:14 ¿Qué es Apertura Madrid Gallery Weekend?
03:21 Septiembre como inicio de la temporada cultural
04:02 El origen de Apertura y su evolución desde 2009
06:02 De 20 a 55 galerías: el crecimiento del evento
07:13 Los 24,000 visitantes y la diversidad del público
09:15 El valor del aficionado y el acceso gratuito al arte
11:09 Lo que ofrece cada galería y su papel en la comunidad
12:23 Diferencias de Madrid frente a otras ciudades
14:15 Diversidad artística y tendencias en las galerías
16:26 Invitados internacionales y colaboración con ministerios
19:00 Conexión con Barcelona y Valencia
20:13 Programa de curadores y actividades especiales
20:40 Rutas y la app de Arte Madrid
22:09 Arco Gallery Walks y Apertura Kids
23:45 El papel de Fundación ARCO y su apoyo continuo
25:00 Colaboración con instituciones y museos (Reina Sofía, Casa Encendida, Lázaro Galdiano)
30:10 La organización del evento y el arranque de temporada
31:22 Público internacional y el impacto económico y social
33:03 El rol de las galerías como catalizadores del ecosistema artístico
34:05 Acceso gratuito y horarios ampliados
36:11 Superar el miedo a entrar a las galerías
37:36 Más de 500 artistas representados
38:20 La experiencia de ser galerista y presidente de Arte Madrid
40:08 ¿Qué es Arte Madrid y cuál es su misión?
41:46 Apoyo privado y patrocinadores de Apertura
43:00 Retos artísticos y políticos del sector
45:14 ¿Qué le aporta el arte a Pablo día a día?
47:10 Una frase para no perderse Apertura 2025
48:59 Recapitulación y cierre
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- https://bit.ly/4ni8zo0
🎨 Arte Madrid:
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- (visita la web) https://bit.ly/45NwZQh
ℹ️ Información de Apertura Madrid Gallery Weekend 2025:
- (en Arteinformado) https://bit.ly/47xF9xD
- (en Arte Madrid) https://bit.ly/46hYYI1
🚶ARCO Gallery Walks: https://bit.ly/462t94G
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Artista e ilusionista: El arte que cuestiona la realidad - Leandro Erlich | #85
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con Leandro Erlich, uno de los artistas conceptuales más reconocidos de América Latina. Conocido por obras como "Swimming Pool" y "Bâtiment", Erlich ha llevado su universo de ilusiones ópticas y arquitecturas imposibles a museos como el MALBA, el Mori Art Museum o el PAMM.
Desde el juego como motor de pensamiento hasta el arte como espacio de duda, hablamos sobre la percepción, la infancia, la experiencia inmersiva y el proceso técnico detrás de sus instalaciones que transforman lo cotidiano en algo extraordinario.
🔗 Menciones: MALBA, Mori Art Museum, Bienal de Venecia, Pérez Art Museum, Museo de Bellas Artes, Exposición Universal Osaka 2025 y más.
00:00 – Intro
01:57 – Galería invitada: Jorge López
02:14 – Introducción extendida de Leandro Erlich
02:52 – Primera exposición individual a los 18 años
03:13 – Influencia familiar y entorno artístico
04:36 – Decisión de estudiar arte y dejar la escuela
06:11 – El arte como camino no lineal
07:05 – Primeras obras y búsqueda de voz propia
09:06 – Beca del Fondo Nacional de las Artes
09:51 – Fundación Antorchas y descubrimiento conceptual
12:08 – Proyecto del doble obelisco en Buenos Aires
18:55 – La piscina (Swimming Pool) y su origen en Houston
22:00 – Vattimo: fachada parisina y el juego visual
24:31 – Arte, percepción e impacto de las redes sociales
26:10 – ¿Qué es real? Reflexión conceptual detrás de sus obras
31:14 – El arte como juego y mecanismo de aprendizaje
36:55 – Éxito de sus exposiciones y conexión con el público
38:52 – La democracia de un símbolo: descabezando el Obelisco
43:01 – Arte, medio ambiente y conciencia ecológica
45:58 – ¿Cómo se materializan sus ideas? Procesos y equipos
48:11 – Proyectos que se hacen y los que no
49:34 – Relación del arte con los museos y el espectáculo
55:52 – Proyectos actuales: Osaka 2025, Helsinki, París
58:38 – Cierre y agradecimientos
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🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Jorge López & Artista, Javier Bravo de Rueda
- https://bit.ly/4jO4k1M
- https://bit.ly/4jOf6VH
Para este episodio, la Galería Jorge López, presenta a el artista peruano, Javier Bravo de Rueda, cuyo trabajo pone a prueba los límites de la gravedad, el color y la textura es relevante al tratar de desplazar los límites de las técnicas clásicas y tradicionales.
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Publicado hace 6 mesesDuración: 59:04
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Hay que cuestionar lo que creemos del Mercado del Arte - Mario Canal y Rocío Gracia Ipiña | #84
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con el periodista cultural Mario Canal y la curadora e historiadora del arte Rocío Gracia Ipiña sobre la tensión entre arte, mercado, ideología y representación.
A partir del debate global sobre una supuesta “crisis del arte contemporáneo”, exploramos preguntas incómodas cómo: ¿está el arte demasiado atado al discurso político? ¿Se puede seguir creando desde la forma sin tener que justificarlo todo con una causa? ¿Hasta qué punto el mercado condiciona lo que vemos en museos y bienales?
Un episodio para quienes creen que el arte no siempre tiene que educar, pero sí puede confundir, mover o incluso incomodar.
00:00 Intro
02:00 Galería invitada
02:16 Preguntas iniciales: arte político, identitario o consciente
03:01 El artículo The Painted Protest y el arte identitario
05:05 Fatiga temática: feminismo, queer, decolonial y Antropoceno
06:45 Definiendo conceptos: queer y woke
11:08 El museo y la sobre-representación de discursos marginales
16:00 La influencia de la crisis 2008, redes sociales y activismo
20:00 El museo en crisis: autoridad, jerarquía y corrección política
23:25 ¿Se perdió la innovación artística? Concepto vs forma
27:05 Arte vs propaganda: moralización y activismo
29:00 Vanguardias históricas y misión del arte
30:27 Autoficción, redes sociales y la cultura del “yo”
33:13 Interseccionalidad política y discursos culturales
35:05 Sobre representación y recuperación de artistas olvidados
39:00 Museo vs mercado: crítica, comisarios e influencers
44:00 Coleccionismo en España y rol del Estado
46:30 Ferias de arte, galerías dominantes y mercado global
51:00 Filantropía y coleccionistas como defensores de identidades
55:10 El valor de la obra vs la identidad del artista
58:31 Innovación en lenguajes: pintura, escultura y video
01:05:15 ¿Todo arte es político? Arte, propaganda y convicción
01:08:48 ¿Crisis creativa o proceso de auto-cuestionamiento?
01:10:30 El futuro del museo: educación, comunidad e inclusión
01:15:11 Museo, turismo y banalización del arte
01:16:22 Reflexiones finales y optimismo sobre el arte contemporáneo
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“The Painted Protest: How politics destroyed contemporary art” – Dean Kissick
🔗 https://bit.ly/3U72bDu
Un ensayo provocador que analiza cómo el arte contemporáneo se ha visto absorbido por discursos políticos, identitarios y moralizantes, cuestionando si esto ha desplazado la libertad formal, la imaginación y el riesgo estético.
📚 Lista de definiciones:
Woke: Término que significa literalmente “despierto/a”. Para algunos, representa una conquista histórica en curso; para otros, una forma de agotamiento discursivo o de corrección política excesiva.
Arte woke: Etiqueta polémica utilizada, muchas veces de forma despectiva, para criticar obras percibidas como excesivamente moralizantes, didácticas o políticamente correctas.
Queer: Más allá de una orientación, el término queer abarca una posición política, afectiva y estética que cuestiona las normas de género y los modelos tradicionales de identidad.
Arte identitario: Producción artística centrada en la experiencia subjetiva o colectiva del artista desde su identidad (género, raza, etnicidad, clase, orientación, etc.).
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, Pradiauto & Artista, Blanca Guerrero
- https://bit.ly/4leIdCJ
- https://bit.ly/4lgdMvS
Para este episodio, la Galería JPradiauto, presenta a la artista, Blanca Guerrero. Su proceso parte de un ejercicio de observación consciente, al tiempo que renuncia a sí misma ante ciertos paisajes, momentos o entornos; al producir su obra, regresa a esos instantes e intenta reflejar su experiencia visual y corporal.
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Publicado hace 6 mesesDuración: 1:17:57
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Maestro del dibujo: Cómo dibujar todos los días cambió su vida - José Antonio Suárez Londoño | #83
En este episodio de Arte en Diálogo, conversamos con José Antonio Suárez Londoño, artista colombiano que ha hecho del dibujo diario una forma de vida. A través de sus cuadernos minuciosos, íntimos y obsesivos, crea universos visuales que cruza literatura, ciencia, filosofía y gesto. Desde sus estudios en biología y arte hasta sus exposiciones en el MoMA o la Bienal de Venecia, José Antonio comparte su visión sobre la atención, la repetición, la rutina y el poder de lo pequeño. Para él, dibujar no representa al mundo, si no es su forma de habitar el tiempo.
🔗 Menciones: MoMA, Bienal de São Paulo, Drawing Room Madrid, La Casa Encendida, Banco de la República de Colombia, entre otros.
00:00 Intro
01:53 Galería Invitada
02:11 José Antonio Suárez: Inicios en el arte
05:08 Etapa de biología y paso a las Bellas Artes
08:32 El dibujo como elección definitiva
10:55 Regreso a Colombia y primeras exposiciones
13:05 Cuadernos anuales: origen y metodología
20:02 Relación con el público y con su obra
22:01 Participación en la Bienal de Venecia
25:19 Proceso creativo: materiales, errores y memoria
30:25 Rutina diaria y práctica del dibujo
33:28 Grupo de retrato y enseñanza informal
38:00 Relación con la literatura
39:08 El dibujo en el arte contemporáneo y la educación
42:15 ¿Qué hace un buen dibujo?
44:01 Dibujar como forma de vida
46:00 Influencias literarias y cambios con el tiempo
50:13 Imaginación vs observación
54:01 Opinión sobre el arte contemporáneo
55:50 Exposición reciente y dibujos en pandemia
57:18 Consejo final para jóvenes artistas
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📚 Libros mencionados:
• Océano Mar – Alessandro Baricco 🔗 https://bit.ly/4f10pgE
Una novela poética y filosófica sobre el mar, la memoria y lo invisible.
• Hockney by Hockney – David Hockney 🔗 https://bit.ly/451E3at
Autobiografía visual del célebre artista británico, contada a través de sus propias obras y palabras.
• Libros de Brian Eno 🔗 https://amzn.to/3TVVUug
Reflexiones del músico, artista y productor sobre el proceso creativo, el sonido y la intuición.
• Yearbooks – José Antonio Suárez Londoño 🔗 https://bit.ly/4o9eFs8
Una recopilación de sus cuadernos de dibujo diarios, donde texto e imagen conviven en un diario visual único.
🖼️ Información de la exposición expuesta en este episodio:
Galería, La Oficina & Artista, Carla Filipe
- https://bit.ly/44lJqRB
- https://bit.ly/3Ztj1zD
Para este episodio, la Galería La Oficina, presenta a la artista Carla Filipe, cuyo trabajo deriva de un enfoque por el cual un tema y su tratamiento artístico consecutivo se desmoronan en su propia y característica "arqueología del presente", en la que una combinación de palabras y temas crea el potencial para la ambigüedad.
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Publicado hace 6 mesesDuración: 58:40
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